Résidences

Blandine Robin s’investit depuis 2003 dans l’écriture de chansons.

Depuis 2017, elle s’intéresse à l’écriture pour le très jeune public au sein de la Cie Inès, et collabore comme auteure compositrice sur tous les spectacles de la compagnie. Elle y apporte sa musicalité et continue d’explorer pour les tout petits les ressources de la musique et de la chanson dans la transmission du sens.

Elle a en outre écrit une comédie musicale , «40th memories», pour un public adulte, et «Le Berceau» pour les adolescents.

Elle est membre depuis 20 ans comme auteure compositrice de la Sacem et depuis 10 ans de la SACD en tant qu’auteure de théâtre.

Delphine Lanza développe depuis de nombreuses années une activité d’écriture au sein de la Cie STT ainsi que de la Cie Inès.
Membre de la SSA depuis 2013, elle a co-écrit six spectacles pour la Cie STT et trois créations au sein de la Cie Inès.

Elle a en outre collaboré à une vingtaine d’adaptations pour la Cie STT, apportant son sens du récit, de la structure dramaturgique et de l’écriture scénique.

Son parcours témoigne d’une pratique d’écriture riche, ancrée dans la création collective, et d’une véritable expertise dans l’adaptation et la construction de formes théâtrales contemporaines.

Le spectacle « élégie », initialement créé au Théâtre du Forum-Meyrin (2025), aborde la question de la perte, des processus de deuil, et s’intéresse plus spécifiquement aux liens qui perdurent entre les vivant.e.s et leurs disparu.e.s. L’écriture aborde ces relations comme des dynamiques à construire, à soigner et transformer. Dans le contexte de ce projet, parler de la mort est aussi une occasion de questionner la frontière entre ce que l’on voit et ce qui échappe à la vue. Fantômes, vieilles âmes, ancêtres, dans quelle(s) zone(s) les rencontrer ?

Marie Lou commence par étudier les arts de la scène à l’Université de Berne, avant de poursuivre son cursus à Paris. Elle revient ensuite vivre à Genève et se forme comme comédienne à l’École de Théâtre Serge Martin. Par la suite, elle collabore notamment avec Gabriel Alvarez, Christian Geffroy Schlittler, Nicole Borgeat, Julie Rahir, et développe en parallèle ses propres projets de création (collectif DCD, iDYLLE production). En 2022, Marie Lou complète sa formation par un CAS de dramaturgie et performance du texte (UNIL et la Manufacture). Présenté en avril 2025 au Théâtre du Forum Meyrin, élégie n°5 est sa première expérience en tant qu’autrice et metteuse en scène.

Le spectacle « élégie », initialement créé au Théâtre du Forum-Meyrin (2025), aborde la question de la perte, des processus de deuil, et s’intéresse plus spécifiquement aux liens qui perdurent entre les vivant.e.s et leurs disparu.e.s. L’écriture aborde ces relations comme des dynamiques à construire, à soigner et transformer. Dans le contexte de ce projet, parler de la mort est aussi une occasion de questionner la frontière entre ce que l’on voit et ce qui échappe à la vue. Fantômes, vieilles âmes, ancêtres, dans quelle(s) zone(s) les rencontrer ?

Nour se forme à l’École des Beaux-Arts de Marseille, puis elle se rend compte de la nécessité d’impliquer son corps physique dans son travail plastique. En 2012, elle intègre la formation professionnelle des arts du cirque au C.R.A.C (France) et se spécialise en mât chinois. En sortant d’école, elle part six mois en Asie, avec la Cie Be Clown. Elle y expérimente le spectacle itinérant à dos de motos. A son retour, elle co-crée la Micro Cie et écrit le solo « Il y a des choses que j’aurais aimé te dire ». Nour a collaboré avec le collectif DCD, puis avec la compagnie iDYLLE production en tant que comédienne et circassienne. Elle joue également dans le spectacle « Chajarah » de la Cie Nejma. Régulièrement, elle anime des laboratoires et des performances en espace public avec la Cie Ru’elles.

Le spectacle « élégie », initialement créé au Théâtre du Forum-Meyrin (2025), aborde la question de la perte, des processus de deuil, et s’intéresse plus spécifiquement aux liens qui perdurent entre les vivant.e.s et leurs disparu.e.s. L’écriture aborde ces relations comme des dynamiques à construire, à soigner et transformer. Dans le contexte de ce projet, parler de la mort est aussi une occasion de questionner la frontière entre ce que l’on voit et ce qui échappe à la vue. Fantômes, vieilles âmes, ancêtres, dans quelle(s) zone(s) les rencontrer ?

Marie Lou commence par étudier les arts de la scène à l’Université de Berne, avant de poursuivre son cursus à Paris. Elle revient ensuite vivre à Genève et se forme comme comédienne à l’École de Théâtre Serge Martin. Par la suite, elle collabore notamment avec Gabriel Alvarez, Christian Geffroy Schlittler, Nicole Borgeat, Julie Rahir, et développe en parallèle ses propres projets de création (collectif DCD, iDYLLE production). En 2022, Marie Lou complète sa formation par un CAS de dramaturgie et performance du texte (UNIL et la Manufacture). Présenté en avril 2025 au Théâtre du Forum Meyrin, élégie n°5 est sa première expérience en tant qu’autrice et metteuse en scène.

Le spectacle « élégie », initialement créé au Théâtre du Forum-Meyrin (2025), aborde la question de la perte, des processus de deuil, et s’intéresse plus spécifiquement aux liens qui perdurent entre les vivant.e.s et leurs disparu.e.s. L’écriture aborde ces relations comme des dynamiques à construire, à soigner et transformer. Dans le contexte de ce projet, parler de la mort est aussi une occasion de questionner la frontière entre ce que l’on voit et ce qui échappe à la vue. Fantômes, vieilles âmes, ancêtres, dans quelle(s) zone(s) les rencontrer ?

Alice Bottarelli est autrice, éditrice et chercheuse. Son parcours, hybride, mêle les perspectives académique et artistique. Après un premier cursus d’études en lettres à l’Université de Lausanne, elle réalise un second master en écriture créative à la Haute École des arts de Berne, qui donne lieu à un roman, Les Quatre Sœurs Berger (Prix Georges-Nicole 2022). Il est suivi par le récit Ombeline & Rodogune, (prix SEV de la Loterie Romande). Membre du collectif AJAR, Alice Bottarelli pratique l’écriture collaborative et la performance scénique. Ce printemps (mars 2026), elle publie aux éditions Verticales le roman Donutopia, qui raconte une utopie écologique et sociale en 2075, et s’accompagne d’un podcast réalisé par l’autrice.

Clara Bonnet se forme au Conservatoire du 8ème arrondissement de Paris, sous la direction de Marc Ernotte. En septembre 2011, elle intègre L’École de la Comédie de Saint-Étienne. A sa sortie, elle joue dans Notre peur de n’être de Fabrice Murgia, présenté dans le cadre du Festival d’Avignon, édition 2014, ainsi qu’à la Biennale de Venise 2015. Elle travaille ensuite avec Matthieu Cruciani qui la met en scène dans Un beau ténébreux, de Julien Gracq, à la Comédie de Saint-Etienne et au TNG à Lyon, notamment. En 2017, elle jouera avec Alexis Forestier pour le projet Module Dada, présenté au Théâtre de Vidy Lausanne. En 2017-2018, elle retrouvera Fabrice Murgia pour une pièce sur les femmes au sein de la Beat Generation. Parallèlement, elle participe à des projets cinématographiques sous la direction de Nicolas Klotz, Benoît Cohen, James Huth et Lucas Bernard. Elle a également co-réalisé un moyen-métrage en 2016, A cause de Mouad.

La pièce s’écrit au fil d’une enquête intime à partir d’un vrai « fait divers ». C’est une enquête documentaire et un récit initiatique. Sur scène une femme récemment sortie de prison, une journaliste et un homme témoignent. Julie Jeanne L. a purgé une peine de prison et elle a accepté de raconter son histoire. La journaliste écrit sur ce fait divers à travers lequel elle va être amenée à revisiter sa propre histoire. L’homme, lui, se tient dans l’angle mort de la conscience. Pour lui comme pour le collectif c’est l’électrochoc du drame qui va amorcer la traversée du miroir. C’est une pièce qui parle d’écriture, de drame et d’amour, on pourrait aussi dire que c’est une pièce qui parle de la vie.  

Vanessa Larré est née en Suisse à Genève où elle obtient un diplôme de l’école supérieur de commerce avant de fréquenter le Conservatoire d’art dramatique de la ville. En 1993, elle est reçue au CNSAD de Paris (1993-96). Elle poursuit une carrière de comédienne au théâtre, au cinéma et à la télévision de 1993 à 2010 avant de mettre en scène son premier spectacle Concert à la carte (2011) de Franz Xaver Kroetz, puis un second, le diptyque Femmes (d’)intérieur (2014), réunissant deux pièces du même auteur Concert à la carte et Perspectives ultérieures. À l’occasion de cette création, elle a été une artiste associée au CDN Orléans/ Loiret/Centre (2013-14).

Partant d’une enquête documentaire sur l’affaire de L’Arche de Zoé, scandale humanitaire qui a fait le tour du monde, Lou Attias & Jeanne Kleinman proposent une incursion au cœur du procès et de ses retentissements médiatiques. Présentée comme une évacuation-sauvetage, cette affaire pose la question des dérives de l’humanitaire et de la France-Afrique. Trafic d’enfants ou coup de force diplomatique ? 

Sous forme de docu-fiction, la pièce alternera entre la procédure judiciaire, la médiatisation de l’affaire en France et au Tchad et la reconstitution des faits. 

Diplômée du Master Théâtre en création (Paris 3 Sorbonne Nouvelle) et du Master Théâtre orientation mise en scène (La Manufacture de Lausanne), Jeanne Kleinman a également suivi un cursus d’écriture et de performance à l’Académie des Arts Performatifs de Prague.

Dans son travail, Jeanne déploie une démarche de recherche et création autour de la parole-témoignage et des archives. Elle s’intéresse notamment à la réécriture et au montage au plateau, questionnant ainsi la représentation et la transmission de ces objets documentaires. En 2023, elle met en scène le spectacle Paris - Melián au Théâtre 2.21 (Lausanne) et El Duende (Ivry). Depuis 2022, elle collabore avec Lou Attias pour la création de la pièce C’était comment, quand j’étais dans ton ventre ? au 3T - Théâtre du Troisième Type et repris au Théâtre de Belleville. En parallèle de sa pratique, elle travaille en tant qu’assistante à la dramaturgie et à la mise en scène aux côtés de metteur·euses en scène, dont Élise Vigier, Marcial Di Fonzo Bo, Frédérique Loliée, Stefan Kaegi, Loïc Touzé, Tomas Gonzalez, Igor Cardellini, Sahar Suliman et Julia Gros de Gasquet. Elle est également assistante HES du Master mise en scène et de la Recherche à La Manufacture de Lausanne depuis l’année 2024.

Partant d’une enquête documentaire sur l’affaire de L’Arche de Zoé, scandale humanitaire qui a fait le tour du monde, Lou Attias & Jeanne Kleinman proposent une incursion au cœur du procès et de ses retentissements médiatiques. Présentée comme une évacuation-sauvetage, cette affaire pose la question des dérives de l’humanitaire et de la France-Afrique. Trafic d’enfants ou coup de force diplomatique ? 

Sous forme de docu-fiction, la pièce alternera entre la procédure judiciaire, la médiatisation de l’affaire en France et au Tchad et la reconstitution des faits. 

Formée à Sciences Po Paris et au Conservatoire d’art dramatique d’Avignon, Lou développe une activité d’écriture et de mise en scène depuis 2022 en tant qu’assistante à la mise en scène ou collaboratrice artistique auprès de plusieurs compagnies en France, choisissant toujours des projets en lien avec des problématiques sociales comme les migrations féminines ou l’histoire ouvrière. Elle s’intéresse notamment à la théâtralisation des récits de vie, aux écritures du réel, et à l’hybridation entre documentaire et fiction. Elle écrit une première pièce avec Jeanne Kleinman, C’était comment, quand j’étais dans ton ventre? qui aborde la question de l’adoption et de la quête des origines, qu’elles ont ensuite porté à la scène en 2024. Elles travaillent actuellement à leur deuxième projet commun, une forme-procès interrogeant les dérives de l’humanitaire et le trafic d’enfants. Lou est par ailleurs très attachée aux activités de transmission, et mène des projets créatifs avec différents types de publics.

Ce projet, à la croisée du récit médiéval et de la performance musicale, ambitionne de tisser un lien entre la légende originelle et les préoccupations actuelles : l’amour interdit face aux normes sociales, la frontière entre devoir et désir, et la puissance de l’imaginaire face à la fatalité. Pensée pour l’espace extérieur, la pièce explore également le rapport entre texte et paysage, entre dramaturgie et éléments naturels, dans un dispositif immersif pour le public.

Né en 1986 à Lausanne, Sami Kali (né Khadraoui) se forme en tant qu’acteur au sein de la Compagnie le Mesureur avec Benoît Blampain (coach de Cécile de France) et au Giles Foreman Centre For Acting à Londres. Sur la scène suisse, il travaille entre autres avec Cédric Dorier, Jacques Roman, Stefan Lochau, Nicolas Vivier et Armand Deladoey. Il participe à de nombreuses créations collectives et co-écrit, en 2016, Puisque rien ne se perd, comédie absurde jouée avec succès à Lausanne ainsi qu’à Genève par la compagnie La Ruche.A Londres, où il travaille en alternance avec la Suisse, il se produit en 2019 au Cockpit Theatre dans la comédie musicale Voices from across the world. En 2020, il joue dans une production interactive adaptée aux enfants ayant des difficultés d’apprentissage avec la compagnie Concrete Youth. En 2022, au Union Theatre et à l’Actor’s church de Covent Garden, il incarne l’une des victimes du massacre de Khojaly en Azerbaïdjan dans une pièce documentaire dont la mise en scène est signée Vicky Moran. En 2023, il joue le seul en scène Frankenstein, Fragments of war au New Wimbledon Theatre et au White Bear Theatre mis en scène par Althyr Pivatto. Puis, la même année, il joue le monologue Moi, Caliban de Tim Crouch, mis en scène par Tamara Fischer au Théâtricul (GE) et à l’atelier de Mlle F. (Crassier, VD). En 2024 et 2025, il joue dans la tournée internationale d’une adaptation des Trois Mousquetaires, dirigée par Gaspard Legendre et produite par le théâtre du héron (Nantes).Également actif dans la mise en scène, il dirige Julien Tsongas, Christophe Delesques et Patrice Bussy dans Le chemin des passes dangereuses de Michel-Marc Bouchard début 2020 au Théâtricul (GE). Le projet est soutenu par la Loterie Romande, la fondation Ernst Göhner et le Fonds mécénat du SIG.Sami Kali fait aussi partie de la production fribourgeoise Bad Taste Pictures avec laquelle il travaille depuis de nombreuses années en collaboration avec d’autres cinéastes. Il écrit et réalise régulièrement des œuvres cinématographiques qui ont été sélectionnées et primées dans plus de 45 festivals à travers le monde. Le tournage de son premier long-métrage, produit par Point Prod (Genève), et dont le développement est soutenu par le Story Lab du pourcent culturel Migros et l’Office fédéral de la culture, est prévu pour l’été 2026.

Eclipse se construit comme une conférence décalée sur le concept de « beauté », thème proposé par la co-direction du Théâtre du Galpon pour le temps fort de la saison 2025-26. Elle y mélange les sources et les références pour finalement peut-être tout déconstruire.

Camille Lacroix est une artiste visuelle et plasticienne basée à Genève. Formée à l’erg - Bruxelles (bachelor, 2016) puis à la HEAD – Genève (Work.Master, 2018). Elle développe une pratique pluridisciplinaire mêlant peinture, performance, installation, écriture et vidéo.

S’appuyant sur des sources telles que la biologie, la sociologie ou l’histoire de l’art, elle élabore une réflexion épistémologique, sensible et engagée autour des questions de hiérarchie et de domination, mais également les « vérités scientifique ». Son travail privilégie la mise en tension entre les contraires : l’intime et le collectif, le discours et le trouble, la rigueur formelle et l’absurde. L’humour y occupe une place centrale ; par un effet de décalage, il permet de susciter plus de questions que de réponses, et de présenter le monde et les normes sociales comme paradoxales et non définitives.

Elle a notamment présenté son travail au Centre d’art contemporain de Genève (Bourses BLCG, 2021), à PALAZZINA (Bâle, 2020), à Halle Nord (Genève, 2019), à la Julienne (Genève, 2023, en duo avec Abigail Janjic), et a performé à la Salle Crosnier (2023). En 2024, elle a effectué à une résidence de recherche artistique au Caire. Elle collabore également régulièrement avec le milieu théâtral en tant que créatrice vidéo et scénographe, notamment avec les metteur·e·s en scène Gabriel Alvarez, Michel Faure, Justine Ruchat et Patrick Mohr.

De l’après-guerre jusqu’aux années 70 ont éclos dans les rues de Paris, ici dans une ancienne mercerie, là-bas, dans un bistrot de bateliers, plus de deux-cent « petites scènes de minuit » : les cabarets « rive gauche ». S’y sont côtoyés les plus grands de la chanson française : Barbara, Jacques Brel, Charles Aznavour, Anne Sylvestre, Serge Gainsbourg, etc. Ils y ont tous fait leurs débuts. Chaque soir, une foule de curieux se bousculait dans ces lieux magiques pour venir écouter dans des caves enfumées ces artistes encore débutants.  Ce spectacle raconte ces lieux aujourd’hui disparus. À travers cette histoire, nous évoquerons celle des débuts des plus grands de la chanson française.

Après des études de psychologie, Jane David exerce cette profession au sein d’un hôpital où le théâtre devient son outil de travail privilégié. En collaboration avec le comédien Tristan Varlot et la troupe de théâtre de l’hôpital, elle joue dans La Tempête de Shakespeare. S’en suivra la co-réalisation d’un film avec Tristan Varlot, Olivier Derousseau, Joachim Gatti, Jean-Baptiste Leroux et Les Envolées, Une Tempête … (diffusé aux États généraux du film documentaire à Lussas).

Elle se forme comme comédienne à l’École du Jeu, au Théâtre de l’Opprimé puis à l’École Claude Mathieu. Elle joue dans Moby Dick de Fabrice Melquiot, mis en scène par Marie Favre, dans La plus précieuse des marchandises de Jean-Claude Grumberg, mis en scène par Stanislas Roquette, dans Moi aussi, Lysistrata, d’après Aristophane, mis en scène par Carolina Pecheny, dans une adaptation d’Into the woods (James Lapine et Stephen Sondheim) et d’Octavie de Sénèque, mis en scène par Maëlline Marchadier-Jousselin. Elle co-fonde une troupe de théâtre Forum, Les agités du Forum, en partenariat avec le Théâtre Aleph à Ivry et travaille comme assistante à la mise en scène dans le cadre de plusieurs projets comme Euphrate, de Nil Bosca, mis en scène par Stanislas Roquette et Olivier Constant, Insuline & Magnolia de Stanislas Roquette, Tunnelier-Tunnelien, de David Jisse, Fabrice Melquiot et Michel Risse, Bienvenue à Colomeri !, d’Hécate Vergopoulos, mis en scène par Thomas Nucci, Quand viendra la vague d’Alice Zeniter, mis en scène par Sébastien Brottet-Michel.

De l’après-guerre jusqu’aux années 70 ont éclos dans les rues de Paris, ici dans une ancienne mercerie, là-bas, dans un bistrot de bateliers, plus de deux-cent « petites scènes de minuit » : les cabarets « rive gauche ». S’y sont côtoyés les plus grands de la chanson française : Barbara, Jacques Brel, Charles Aznavour, Anne Sylvestre, Serge Gainsbourg, etc. Ils y ont tous fait leurs débuts. Chaque soir, une foule de curieux se bousculait dans ces lieux magiques pour venir écouter dans des caves enfumées ces artistes encore débutants.  Ce spectacle raconte ces lieux aujourd’hui disparus. À travers cette histoire, nous évoquerons celle des débuts des plus grands de la chanson française.

Diplômée en Musicologie, Isabelle Bonnadier est chanteuse lyrique de formation et comédienne. Des troubadours à la chanson, du baroque jusqu’au contemporain, récitals et spectacles l’entraînent de festivals (la Chaise-Dieu, Ambronay, Correspondance de Grignan, Flâneries musicales de Reims, Opéra des rues…) en scènes nationales (Amiens, Lyon, Nancy, Angers…). Quelques disques illustrent les divers aspects de sa carrière, dont Alegransa, grâce et désir (Abeille Musique) et A la folie… vertiges, fêlures et autres fredaines (Velen) où elle est aussi autrice et compositrice. Elle participe à différentes anthologies de poésie chantée: Couleur femme, Raymond Queneau (chez EPM), Prévert en noir et rouge (Michel Arbatz, ZigZags et Cie) et de chansons de troubadours (La Troba/Troba Vox). Au théâtre, elle passe de Von Horvath à Feydeau, de Kafka à Homère de la comédie au chant et du coaching vocal au jeu, sous la direction notamment de Richard Brunel, Olivier Mellor, Bernard Rozet, Géraldine Bénichou, Emmanuelle Della Schiava. Par ailleurs, avec ses partenaires instrumentistes,  elle conçoit et interprète des récitals en forme de « cabaret littéraire et musical » (Erik Satie, Victor Hugo, Apollinaire, univers du tango et du cinéma) et en solo, autour d’un piano, un spectacle de correspondances poétiques (Si je t’écris…). Elle se passionne pour la transmission et développe un travail pédagogique sur la voix et le corps, notamment pendant 20 ans auprès de danseurs en Formation CA  au CNSMD de Lyon, au CCN Rilleux-la-Pape (Maguy Marin); avec la Cie Propos Denis Plassard ; le CEFEDEM Nantes; l’ESDC Rosella Hightower Cannes)… Mais aussi auprès d’étudiants et d’enseignants (Hypokhâgnes Lyon ; IUFM Valence et Lyon…) d’ensembles vocaux (Evasion, Romans ; Atelier vocal de Van Cleef & Arpels, Paris) et de troupes de comédiens (Les Asphodèles, Compagnons du NTH8, élèves du CNR Lyon…).

Elle coache également des artistes professionnels, forte de son expérience de 35 ans et de ce qui nourrit aujourd’hui sa recherche notamment l’Hypnose Ericksonienne (certification de Praticienne en Hypnose) l’improvisation musicale et la danse. 

De l’après-guerre jusqu’aux années 70 ont éclos dans les rues de Paris, ici dans une ancienne mercerie, là-bas, dans un bistrot de bateliers, plus de deux-cent « petites scènes de minuit » : les cabarets « rive gauche ». S’y sont côtoyés les plus grands de la chanson française : Barbara, Jacques Brel, Charles Aznavour, Anne Sylvestre, Serge Gainsbourg, etc. Ils y ont tous fait leurs débuts. Chaque soir, une foule de curieux se bousculait dans ces lieux magiques pour venir écouter dans des caves enfumées ces artistes encore débutants.  Ce spectacle raconte ces lieux aujourd’hui disparus. À travers cette histoire, nous évoquerons celle des débuts des plus grands de la chanson française.

Né d’un père artiste musicien, Quentin intègre très jeune un conservatoire de musique où il apprend la batterie. Il découvre le monde du théâtre grâce à son frère et le suit sur ces différents projets théâtraux et autres créations en tous genre. A l’occasion de voyages à l’étranger, notamment en Asie du Sud-Est, il joue dans plusieurs formations musicales. Il apprend seul les percussions, la guitare et le chant. Après ces années de voyage, Quentin décide de revenir à Paris et de se former au métier de comédien. Il entre à l’école Claude Mathieu et y suit sa formation pendant 3 ans. Durant ses années d’études, il joue dans différents court- métrages (notamment pour le Nikon Festival) dont “Shibari pour en finir” de Jean-René Cluzel. Il participe à différentes adaptations théâtrales et joue et chante également dans deux spectacles musicaux mis en scène par Thomas Bellorini autour des répertoires de Jacques Brel et Barbara. A la fin de ses études, il sera à l’affiche de “Moi aussi, Lysistrata” spectacle de sortie d’école mis en scène par Carolina Pecheny. Aujourd’hui, Quentin continue son parcours comme musicien avec son groupe HOPE formé il y a 6 ans (chansons à texte originales en français rock folk) et le jeune Il Limoncello Trio qui anime des séances de modèles vivants en musique. Comme comédien, il joue dans“Octavie”, d’après Sénèque et mis en scène par Maëlline Marchadier où se mêlent le jeu théâtral et l’expression corporelle ainsi que dans « Le Chœur des Femmes » adapté du roman de Martin Winckler mis en scène par Raphaëlle Cœur où il créé également la musique qu’il joue en live. Il travaille aussi avec la compagnie Marsha et les chiens sur la pièce « Caligula » d’Albert Camus, avec la compagnie Sans-aveu et ses cabarets itinérants en Auvergne. Il pratique le théâtre immersif avec notamment l’entreprise Mortelle Soirée ou encore avec l’agence évènementielle Hopescotch ainsi que le chant en chœur avec la Norale ou encore le doublage/voix off en partenariat avec différents studios.

En 2001, Tünde Deak assiste à la MC93 à une représentation de Woyzeck mis en scène par Árpád Schilling, qui déclenche sa «vocation». En relisant la pièce aujourd’hui, elle s’interroge sur ce qui a bouleversé la jeune femme de vingt ans qu’elle était dans l’histoire tragique de ce personnage. Woyzeck ou la vocation mêlera les fragments de Büchner et une enquête autobiographique autour de ces années charnières chez chacun d’entre nous où l’affirmation de soi est aussi forte que notre porosité aux autres, aux rencontres, au monde. Au cœur de la question de la vocation, il y a celle du devenir soi. 

Autrice, dramaturge et metteuse en scène, elle se situe au croisement entre littérature, documentaire et fiction. Elle fonde la compagnie Intérieur/Boîte en 2021 et développe des récits qui mettent en jeu le rapport à l’identité. Elle met en scène ses propres textes: D’un lit l’autre (2020) créé au CDN de Rouen et présenté aux Plateaux Sauvages, Tünde [tyndε] créé à La Comédie de Valence et présenté au Théâtre des Quartiers d’Ivry et Ladilom, créé au Festival d’Avignon dans le cadre des Vive le sujet! (2022). Elle a également écrit Little Nemo ou la vocation de l’aube, mis en scène par Emilie Capliez, ainsi que Il restera la nuit et Jasmin pour la chorégraphe Johanna Levy. Ses deux derniers textes sont publiés aux Éditions Koïné.

Comédienne et metteure en scène, Carole Epiney se forme au Conservatoire de Lausanne puis à l’École de Théâtre des Teintureries, où elle obtient son diplôme en 2006. Cette même année, elle reçoit le 1er prix d’interprétation au Festival Décontr’acte de Genève pour un monologue de Dario Fo “Duetto à une seule voix”. Depuis, elle évolue entre les univers du théâtre classique et contemporain, portée par une parole sensible et incarnée.

Elle collabore avec divers metteur·es en scène en Suisse romande – Michel Toman, Carlos Henriquez, Marine Barillon Steve Riccard, Jacques Maître, Simone Audemars, Antony Mettler etc.– et fonde en 2010 sa propre structure, la Compagnie Tête en l’air, qui devient le fil rouge de ses créations. Elle y interprète des textes contemporains comme Les Névroses sexuelles de nos parents de Lukas Bärfuss, dans une mise en scène de Jacques Maître, avec qui elle collabore également sur le plan artistique. Elle joue et propose aussi deux pièces courtes de Tchekhov (L’Ours, La Demande en mariage) dans une veine plus burlesque et décalée. Plus récemment, elle met en scène “À deux heures du matin “de Falk Richter,

En 2021, elle crée aux côtés de Carl Alex une série de capsules poétiques, soutenue par une bourse Covid proposé par le Canton de Vaud. Ce projet mêle voix, image et poésie dans un dialogue intime avec l’époque. Elle poursuit ce travail de tissage entre formes artistiques à travers des lectures musicales (autour du Journal de Katherine Mansfield, autrice et poétesse néo-zélandaise, ou encore des Correspondances entre Corinna Bille et Maurice Chappaz), ainsi que des créations mêlant théâtre et vidéo, comme” L’amour sans filtre”, qu’elle co-écrit avec Lionel Chiuch, joue et met en scène au Pulloff Théâtre à Lausanne.

Carole Epiney explore également l’image : elle tourne dans divers courts-métrages et signe deux réalisations (Infinity et Rendez-vous manqué). Nourrie par la littérature, la photographie et le dessin, elle construit un univers où l’art devient un espace de lien, de respiration, et parfois de douce résistance.

Elle a été accueillie en résidence d’écriture aux Maisons Mainou en avril 2025, pour son projet d’écriture théâtrale Au fil de soi, un triptyque portés par trois femmes de générations différentes, qui explore avec finesse le rapport au corps et le passage du temps.

Rachel M. Cholz est née le 25 juin 1991 en France. Elle a commencé ses études artistiques à l’École des Beaux-Arts de Rouen. Elle s’installe à Bruxelles en 2010 où elle entreprend un cursus à l’École nationale supérieure d’arts visuels de La Cambre. Suite à un bachelor en Espace urbain (Art dans l’Espace Public) avec option son et print-making, elle monte un atelier de gravure et y travaille quatre années tout en s’impliquant dans un collectif de performance porté par David Zagari et en se professionnalisant en tant qu’éclairagiste. Elle développe en parallèle un travail d’écriture, décidant de se spécialiser dans l’écriture pour l’installation/performance et le théâtre.

Elle effectue ensuite un master en écriture théâtrale à l’INSAS (Institut National Supérieur des Arts du Spectacle), de 2016 à 2018. Aujourd’hui, elle participe à des micros-ouverts, écrit dans le cadre de petites revues, pour de l’installation-performance et pour le théâtre.

En dehors de ses textes écrits pour la lecture ou dans le cadre de rassemblements autour de la poésie sonore, elle a jusqu’ici écrit deux pièces de théâtre: Octobre, ma fortune (à paraître aux Éditions Lansman), Trois pour cent sauvages, ainsi qu’une nouvelle appelée: Dédale (Éditions Papier-Machine).

Écrivaine et artiste visuelle, Rachel M. Cholz fait des lectures publiques, des performances, publie dans des revues et participe à des expositions.

Nicholas Lens et Rachel Cholz travaillent en binôme sur un livret d’opéra, écrit en français et en anglais, soulevant la question du mythe autour d’une personne ayant marqué la littérature. Ils tentent de mettre en lumière les paradoxes entre les univers multiples qui auront façonné son histoire. Les résidences aux Maisons Mainou leur auront permis d’écrire le livret, ainsi que, pour Nicholas, la première étape de la composition musicale.

Nicholas Lens est compositeur, librettiste et auteur. Ses opéras sont distribués par Deutsche Grammophon, BMG, Sony Classical. Ils sont publiés par Schott Musique en Allemagne et Mute Ltd à Londres. En tant qu’auteur,  il est publié par Borgerhoff & Lamberigts. Nicholas Lens est aussi connu pour ses coopérations et créations d’opéras avec John M. Coetzee et Nick Cave.

Nicholas Lens et Rachel Cholz travaillent en binôme sur un livret d’opéra, écrit en français et en anglais, soulevant la question du mythe autour d’une personne ayant marqué la littérature. Ils tentent de mettre en lumière les paradoxes entre les univers multiples qui auront façonné son histoire. Les résidences aux Maisons Mainou leur auront permis d’écrire le livret, ainsi que, pour Nicholas, la première étape de la composition musicale.

Avec:
Maïa Descamps, Mathieu Mégemont, Toni Isabella Valenzi

L’autrice Amélie Ravin, militante LGBT ayant activement oeuvré pour la reconnaissance de l’écriture épicène dans les textes officiels, est invitée par l’ambassadeur de Suisse à se rendre sur l’île énigmatique de Iks(X). Elle y assiste au jubilé des trente ans de la Cinquième Mutation : une réforme radicale ayant conduit, par manipulation génétique, à la création d’une population entièrement asexuée. 

Né en 1974, Roberto Rocco Garieri est un auteur, musicien, compositeur, performeur, diplômé de la Section professionnelle d’art dramatique du Conservatoire de Lausanne, où il vit actuellement. Il crée depuis 1994 et joue dans une trentaine de pièces, compose pour la scène et le disque. Roberto Rocco Garieri écrit des formes hybrides où s’entrelacent récit dramatique, sources documentées, fable sociale et fantastique.

TURLUTUTU ! est un spectacle tout public conçu pour être joué partout et qui rend hommage au théâtre et à sa magie. Il met en scène le parcours initiatique de Jennie, une chienne gloutonne et curieuse, qui rencontre une farandole de personnages métamorphes et extravagants. C’est un spectacle dont le dispositif scénique est inspiré du théâtre de tréteaux, où l’on s’émerveille de la machinerie et du ludisme des interprètes.

Céline Nidegger sort diplômée du Conservatoire d’Art Dramatique de Lausanne en 1999. Elle collabore dès lors avec différent·es met- teur·es en scène et dans de nombreuses institutions théâtrales. Entre autres : Andrea Novicov, Marielle Pinsard, Emmanuel Demar- cy-Mota, Denis Maillefer, Gérard Desarthe, Dominique Ziegler, Jean Liermier, Ludovic Chazaud, Diane Müller, Julien Basler. En parallèle de son travail d’interprète et dans une volonté de création, elle fonde en 2009 la compagnie Superprod avec Bastien Semenzato. Elle fait partie de l’Ensemble du POCHE /GVE durant trois saisons. En 2020 et 2021, elle mène Le Projet Léger: un projet au long cours constitué de Généalogie Léger, un seul-en-scène qu’elle écrit et joue pour La Bâtie, et Miss None, un spectacle pour 4 actrices écrit par Guillaume Poix. Elle est co-directrice du théâtre de l’Orangerie depuis janvier 2024.

Jean-Charles Noir est auteur dramatique et collaborateur artistique. En 2020, il signe Stade 3, l’ennemi de l’intérieur, texte fondateur dans son parcours. La même année, il écrit sa première pièce de théâtre, Bordel Land, lauréate des Journées de Lyon des Auteurs de Théâtre, parue en 2022 aux Éditions esse que, et mise en espace par Natalie Royer au TNP de Villeurbanne.

En 2023, il obtient une bourse du CNL pour l’écriture de Le Claustrophile, puis bénéficie en 2024 d’une résidence d’écriture à Port-de-Bouc, où il conçoit Red ou l’affaire Dirty Corner, inspirée de l’œuvre vandalisée d’Anish Kapoor à Versailles.

Il écrit ensuite Les Disparuset Melle, cette dernière développée en résidence aux Maisons Mainou. En 2025, il achève Le Bunker, pièce marquant une nouvelle orientation dans son écriture dramatique.

Parallèlement, Jean-Charles Noir travaille dans le domaine théâtral comme assistant à la mise en scène, directeur d’acteurs et chargé de diffusion auprès de compagnies en France et en Suisse. Il entretient également une correspondance suivie avec des artistes et intellectuels en France et à l’étranger.

En résidence aux Maisons Mainou en septembre 2024, Jean-Charles Noir développe Melle, une pièce centrée sur une jeunesse rurale en quête de sens, entre enracinement et désir d’émancipation. Alternant scènes collectives et fragments introspectifs, la pièce explore la précarité, les liens affectifs et les rapports de genre dans un territoire contraint. Melle donne voix à une génération marginalisée, dans une langue directe et sensible. Le tapuscrit circule actuellement auprès de plusieurs comités de lecture et éditeurs.

Anouk Werro se forme en jeu à la RADA à Londres. Elle se forme à la mise en scène par divers assistanats pour des compagnies/festivals en Suisse et des stages dans des théâtres en Allemagne, puis par le Master Théâtre de La Manufacture. Suite à son master, elle collabore ou assiste les metteur·e·s en scène Robert Cantarella, Térence Carron, Yan Duyvendak, Claire Dessimoz, Tomas Gonzalez&Igor Cardellini, Geneviève Pasquier&Nicolas Rossier, Jean-Yves Ruf, Anne Schwaller et François Gremaud&Aurélien Patouillard. Sa pratique de comédienne et metteure en scène est accompagnée de l’écriture. Elle fonde aussi sa compagnie de théâtre Les Intempéries avec laquelle avec des artistes comme Fleur Bernet ou Mélissa Rouvinet et les comédien·ne·s pour qui elle écrit, elle propose des pièces de son écriture: Vultures, Bains en Famille, Chakra de la gorge en surexploitation, À 5 ans, j’ai oublié le Français (encore en tournée) et Intolérances&Paralysie (Salon d’Artistes CORODIS 2025 - en création). 

Dans le huis-clos d’une voiture, un père et ses deux enfants adultes tentent de se parler sans jamais tomber d’accord sur les événements qui jalonnent leur vie. Que s’est-il vraiment passé ? Cette pièce s’inspire d’histoires réelles… ou pas, puisque personne ne s’accorde sur les faits. L’histoire collective est modifiée par le ressenti individuel. Et vice-versa. Finalement, la vérité réside nulle part et partout. À partir d’une situation concrète que tout le monde a déjà connue – une famille en voiture, avec ses grands moments de calme / liberté / engueulade – À 5 ans, j’ai oublié le Français propose une exploration intime et systémique, donc politique, de nos rapports aux (faux) souvenirs, aux failles de la mémoire. Quel rôle ont-ils dans la construction de nos identités, dans les récits que l’on fait de soi, d’une famille, d’une société ? C’est grâce au soutien de la bourse d’écriture dramatique de la SSA et au temps de résidence à la Maisons Mainou qu’Anouk a pu écrire la pièce. Et dans le cadre d’un partenariat ART&SCIENCE soutenu par La Grange, ProHelvetia & La Fondation Leenards, qu’Anouk Werro et Mélissa Rouvinet ont pu penser, en dialogue avec Delphine Preissmann (neuropsychologue) et Nathalie Dongois (juriste), ce projet. La spectacle s’est joué en février-mars 2025 à La Grange - UNIL et à la Maison Saint-Gervais. Tournée 2026-2027 en cours de construction.

30 minutes, c’est le temps maximum pendant lequel un·e justiciable peut échanger seul·e avec son avocat·e au début d’un placement en garde à vue. Ce premier face à face est un moment crucial pour la défense à venir. 30 minutes met en scène le parcours d’une pénaliste qui voit ses convictions et sa propre vie se transformer à travers ces rencontres et fait entendre les récits de ces hommes et femmes interpellé·es. L’écriture puise dans le quotidien de Roxane Best, avocate pénaliste au barreau de Paris et ancienne Secrétaire de la Conférence. 

Avocate pénaliste, comédienne et autrice, Roxane Best est diplômée de Sciences Po Paris. Elle se forme au théâtre à l’École du Jeu puis à l’École Auvray-Nauroy. Elle est lauréate de la bourse du programme FoRTE en 2022. Elle joue dans différentes pièces et écrit les siennes qui pointent la violence du monde judiciaire.

30 minutes, c’est le temps maximum pendant lequel un·e justiciable peut échanger seul·e avec son avocat·e au début d’un placement en garde à vue. Ce premier face à face est un moment crucial pour la défense à venir. 30 minutes met en scène le parcours d’une pénaliste qui voit ses convictions et sa propre vie se transformer à travers ces rencontres et fait entendre les récits de ces hommes et femmes interpellé·es. L’écriture puise dans le quotidien de Roxane Best, avocate pénaliste au barreau de Paris et ancienne Secrétaire de la Conférence. 

Après des études de sciences politiques et d’économie à Sciences Po Paris et à l’Université de Californie à Berkeley, Thomas Meyer commence le théâtre à 27 ans et se forme à l’École du Jeu puis à l’École Auvray-Nauroy. En tant que comédien, il travaille avec Rodolphe Dana, Katja Hunsinger, Katell Daunis et Flavia Lorenzi.

30 minutes, c’est le temps maximum pendant lequel un·e justiciable peut échanger seul·e avec son avocat·e au début d’un placement en garde à vue. Ce premier face à face est un moment crucial pour la défense à venir. 30 minutes met en scène le parcours d’une pénaliste qui voit ses convictions et sa propre vie se transformer à travers ces rencontres et fait entendre les récits de ces hommes et femmes interpellé·es. L’écriture puise dans le quotidien de Roxane Best, avocate pénaliste au barreau de Paris et ancienne Secrétaire de la Conférence.

Après des études de sciences politiques et d’économie à Sciences Po Paris et à l’Université de Californie à Berkeley, Thomas Meyer commence le théâtre à 27 ans et se forme à l’École du Jeu puis à l’École Auvray-Nauroy. En tant que comédien, il travaille avec Rodolphe Dana, Katja Hunsinger, Katell Daunis et Flavia Lorenzi.

30 minutes, c’est le temps maximum pendant lequel un·e justiciable peut échanger seul·e avec son avocat·e au début d’un placement en garde à vue. Ce premier face à face est un moment crucial pour la défense à venir. 30 minutes met en scène le parcours d’une pénaliste qui voit ses convictions et sa propre vie se transformer à travers ces rencontres et fait entendre les récits de ces hommes et femmes interpellé·es. L’écriture puise dans le quotidien de Roxane Best, avocate pénaliste au barreau de Paris et ancienne Secrétaire de la Conférence.

Avocate pénaliste, comédienne et autrice, Roxane Best est diplômée de Sciences Po Paris. Elle se forme au théâtre à l’École du Jeu puis à l’École Auvray-Nauroy. Elle est lauréate de la bourse du programme FoRTE en 2022. Elle joue dans différentes pièces et écrit les siennes qui pointent la violence du monde judiciaire.

Angèle Arnaud débute le théâtre au lycée puis à la Jeune Troupe de l’Atalante et entre ensuite dans les conservatoires d’arrondissements parisiens où elle suit deux ans de formations. En parallèle, après trois ans de classe préparatoire littéraire, elle obtient un master d’Histoire à l’Université Paris-1-Panthéon-Sorbonne qu’elle écrit sur les représentations des femmes au théâtre en 1900. Elle suit également, pendant une dizaine d’années, des cours de danses modern-jazz au conservatoire du XXe arrondissement.

En 2019, elle intègre la Manufacture où elle continue de se former à la pratique du théâtre, de la danse, du chant et du tai chi, accompagnée entre autres par Jean-Yves Ruf, Robert Cantarella, François Gremaud, Oscar Gomez Mata, Édouard Louis, Loïc Touzé, Maria La Ribot, Gabriel Calderon, Elina Lowensohn…

Dans le cadre de ses études, elle joue en 2021 au Festival de la Cité dans 4 x Raciiineee mis en scène par Gwenaël Morin. Elle participe également au spectacle En Finir! lors de la tournée de sortie. En août 2022, elle tient un rôle dans Cérémonie pour un cœur simple mis en scène par Mathilde Morel à la Manufacture.

Très intéressée par la pédagogie et l’animation, elle dispense des cours de théâtre pour enfants à Nyon, et a eu plusieurs expériences d’animations socio-culturelles (visite guidée théâtralisée, animation de salon, coaching en entreprise, animation d’anniversaire, de jeux). En parallèle de ses études elle co-crée un collectif artistique itinérant à vélo: Les Gaillardes, dans une démarche théâtrale d’accessibilité et d’éco-responsabilité.

En juin 2023, elle joue dans Méphisto, mis en scène par Jérémie Lebreton lors des OUT 2021, au Théâtre du Soleil à Vincennes pour les festival de jeunes troupes Départ d’Incendies.

Bénédicte Amsler Denogent décide, après l’obtention de sa maturité fédérale bilingue (anglais-français), de se consacrer pleinement au théâtre, un art qu’elle a toujours pratiqué dès ses plus jeunes années. Elle est reçue en 2018 au Conservatoire de Genève en filière préprofessionnelle d’art dramatique où elle étudie une année avant de suivre dès 2019 la formation de Bachelor Théâtre à la Manufacture de Lausanne. En 2020 elle gagne le prix de la bourse du Pour-cent culturel Migros. À la Manufacture, dans le cadre de son travail de Bachelor, elle crée un solo intitulé Albertine, d’après l’œuvre de Marcel Proust. Lectrice passionnée, elle enregistre plusieurs textes pour les éditions Zoé et la Fondation Michalski.

En 2022, à l’issue de son Bachelor, elle intègre la troupe permanent du POCHE/GVE avec laquelle elle aura la chance de jouer notamment le rôle de Wendla Begmann dans Eveil/Printemps d’après l’oeuvre de Frank Wedekind mis en scène par Mathieu Bertholet, dans Trigger Warning un texte de Marcos Caramès Blanco mis en scène par Isis Fahmy, puis dans Le Père-Noël est une benne à ordures un boulevard écrit par Guillaume Poix et mis en scène par Manon Krüttli. En 2023, elle joue entre autres auprès de Valentine Sergo dans Coeurs Battants au Théâtre de l’Orangerie à Genève, ainsi qu’auprès de Robert Cantarella dans le rôle de Natalie, personnage de la pièce de Heinrich von Kleist: Le Prince de Hombourg. Elle fait également partie de l’Ensemble au POCHE/GVE pour les créations de Et soudain Mirna, un texte de Sibille Berg dans une mise en scène de Nicole Seiler, de Femme disparaît, un texte de Julia Haenni dans une mise en scène de Giulia Rumasuglia ainsi que pour la reprise du Père Noël est une benne à ordures.

Né en 1993 à Sion, Lionel Fournier se forme au métier de comédien à l’École des Enfants Terribles à Paris, dont il ressort diplômé en juin 2018. En août 2016, il assiste la mise en scène du spectacle chorégraphique Einstein, créé en plein air à Sion par la Boll & Roche Compagnie, et reprend un rôle dans ce même spectacle lors de la tournée 2018. En 2017, il fonde la Compagnie Étéya, avec laquelle il crée Blanc la même année. En 2018, il assiste la mise en scène de The Golden Vanity, un opéra de Benjamin Britten créé avec la Maîtrise de la Loire au Théâtre des Pénitents à Montbrison. En 2019, il anime pendant six mois un atelier de théâtre avec un groupe d’élèves du Cycle d’Orientation de Crans-Montana. Il crée avec eux le spectacle 264 Heures.

En 2019–2020, il assiste la mise en scène d’Ivanov, création de la Compagnie l’Éternel Été, en France. Son premier texte: 12, Rue du Paradis (seul en scène) est créé en octobre 2019 au Théâtre du Raccot à Monthey, dans la programmation du Théâtre du Crochetan. En mai 2020, il est accueilli durant quatre semaines en résidence d’écriture aux Maisons Mainou à Genève, pour laquelle il reçoit une bourse de la Société Suisse des Auteurs. En novembre 2020, Ophélie au bord de l’eau, nouvelle création de la Compagnie Étéya, voit le jour au Hik et Nunk Festival à Monthey. En 2021, il joue dans une nouvelle création de la Compagnie l’Éternel Été commandée pour 60 dates par le Théâtre du Lucernaire à Paris; il est assistant à la mise en scène pour Le Puits, nouvelle création de la Boll & Roche Compagnie au Petithéâtre de Sion et au TLH-Sierre; et il joue dans Gabriella 1842, nouvelle création de la Compagnie Résilience à la Belle Usine de Fully.

Charlotte Lagrange est autrice, metteuse scène et dramaturge, formée à l’école du Théâtre National de Strasbourg après des études de philosophie à la Sorbonne et un master professionnel mise en scène et dramaturgie à Nanterre.

Depuis les débuts de la compagnie La Chair du Monde, elle écrit et met en scène dans un processus d’écriture pour le plateau qui se réinvente à chaque spectacle: Tentative de disparition en 2017, Aux Suivants et Je suis nombreuse en 2015, l’âge des poissons, librement inspiré d’Ödön von Horvath en 2014.

Auparavant, elle avait fait l’adaptation et la mise en scène d’un monologue On n’est pas là pour disparaître d’après Olivia Rosenthal. À l’école du Théâtre National de Strasbourg, elle avait créé Une nuit arabe de Roland Schimmelpfennig.

Collaboratrice artistique à la mise en scène auprès de Laurent Vacher et David Lescot, et dramaturge pour Frédéric Fisbach, Arnaud Meunier et D’de Kabal, elle a également assisté Lukas Hemleb, Jean-Paul Wenzel et Joël Jouanneau.

Par ailleurs, elle est rédactrice pour Temporairement Contemporain, revue du Festival de la Mousson d’été dirigée par Michel Didym depuis 2001. Elle intervient également en tant que dramaturge et metteuse en scène dans des formations telles que l’école de la Comédie de Saint-Étienne et la faculté des Arts de l’Université de Strasbourg.

“J’ai dû avoir quatre ans. Penchée sur mon petit bureau d’enfant, j’ai commencé à écrire quand je ne le savais pas encore, fascinée par les vagues irrégulières qui naissaient sous un stylo en mouvement. Plus tard, quand j’ai appris, ça m’est devenu naturel: j’ai écrit. Mon intuition m’a vite mené aux premières expérimentations: de courtes histoires, des pièces de théâtre, aux poèmes. À l’âge de 12 ans, je le savais déjà: je voulais écrire, publier un jour. Alors à la façon de Shakespeare dont j’ai dévoré l’œuvre traduire par Martin Hilský, je composais mes premiers sonnets dans ma langue maternelle. Puis, sur ma Facit 1630, j’ai tapé mes textes pour m’approcher du beau Jack. Aujourd’hui, attirée par la langue française que j’ai apprise au lycée, j’écris et publie dans ma langue d’adoption, où je retrouve la liberté d’enfant que j’ai été.”

Eva Pechová est artiste auteur, née en 1996 à Prague. Elle vit en France depuis 2018, réalise différents projets pluridisciplinaires et publie régulièrement.

“C’étaient sans doute mes études en art qui m’ont donné l’envie de porter l’intérêt au croisement de plusieurs domaines artistiques, où la parole prend corps, où le récit s’invente et émerge du flou. Écrire est pour moi le plaisir, le jeu que je retrouve aujourd’hui dans des formes hybrides, souvent à la frontière, un entre-deux de la fiction théâtrale et cinématographique. L’écriture s’anime d’un flottement, d’un vertige. Le récit fait ressurgir une présence, des présences. Je cherche à en composer une partition sonore et spatiale, rythmée par les silences, par les non-dits, qui peut être mise en scène: jouée, vécue. La voix et le dialogue sont toujours bien présents, presque comme une nécessité.”

Né le 6 avril 1964 à Lyon, Didier Carrier est formé au Conservatoire d’Art Dramatique de Lyon et à l’Ecole Supérieure d’Art Dramatique de Genève (1984-88) et plus tard, aux Marionnettes de Genève par L.Berehoi, N.Chevalier et I.Niculescu, il étudie à l’ARTA (Cartoucherie à Vincennes) avec divers maîtres orientaux, le Topeng balinais, le Nô japonais et à l’Opéra de Pékin.

Didier Carrier a collaboré à plus de 80 spectacles depuis 35 ans avec les metteur.euse.s en scène suivant.e.s: Philippe Mentha, Hervé Loichemol, Françoise Courvoisier, Daniel Wolf, Michel Voïta, Pascal Berney, Anne Bisang, E.Salama, A.Fava, C.Scheidt, C.Kaiser, S.Mongin-Algan, P.Clément, J.Berdin, G.Guhl, L.Aubert, Robert Salomon, Guillaume Chenevière, V.Korsik, E.Green, N.Borgeaud, Y.Wada, Gilles Laubert, J.C.Perrin, P.Bovon, J.Maître, E.Knecht, Camille Giaccobino.

Didier Carrier à travaillé dans les théâtres suivants: Kléber-Méleau, Nouveau Théâtre de Poche, Marionnettes de Genève, Orangerie, Théâtre des Osses, Vidy, Carouge, Saint Gervais, Arsénic, Grütli, Grange Dorigny, Valère, Yverdon, Point du Jour à Lyon, Charlie Chaplin à Vaulx-en-Velin, Garage, Galpon, La Grenade, Bouffon Théâtre à Paris, Maison des Arts de Créteil, CDN La Roche-Sur-Yon, Péniche Abricadabra à Paris, Le Cratère-Scène nationale à Alès, Festival de Blaye, la Citadelle à Bourg en Bresse, etc.

Avec : Mathilde Augustak, Mélissa Catoquessa, Julien Carrera, Charline Curtelin, Camille Dupon-Lahitte, Alexia Hebrard, Sarah Neu et Nicolas Roussi.

Après une formation de comédienne et des études de Cinéma, Charline Curtelin se tourne vers l’écriture et la mise en scène. Elle intègre La Manufacture – Haute École des Arts de la Scène et cofonde la Compagnie des Humeurs Massacrantes, un terrain d’exploration qui rassemble différent·e·s artistes.

Inspirée par le cinéma, Charline Curtelin explore un théâtre immersif qui bouscule les sensations, en partant à la recherche de nouvelles utopies. Elle écrit et met en scène #Dansern’estpasuncrime au Monfort Théâtre, Grenouille au Théâtre des Déchargeurs et une adaptation libre d’Intérieur de Maeterlinck au Théâtre de L’Union à Limoges.

Elle se lance dans l’écriture radiophonique avec la réalisation de son premier podcast et reçoit la bourse Gulliver. Elle aiguise son regard auprès de metteur·euse·s en scène comme Aurélie Van Den Daele, Guillaume Béguin, Olivia Csiky Trnka et Laurent Plumhans

Avec : Lou Rambert-Preiss, Magdalena Froger, Yasmine Bahechar, Victor Comte, Erika Nieva Cunha, Arthur Jaquier, Pauline Jeanbourquin, Géraldine Rad

Intervenante : Palmyre Badinier

Après des études de littérature arabe et relations internationales, Palmyre Badinier a tout d’abord travaillé dans les domaines de la presse, la coopération artistique et la diplomatie en France, en Iran et à Jérusalem.

Sa carrière dans l’industrie cinématographique débute en 2006, comme chargée de développement pour la société indépendante palestinienne DAR FILMS avant d’en devenir productrice associée. Diplômée en Droit de l’audiovisuel, Palmyre Badinier a par ailleurs développé une activité parallèle de conseil sur les problématiques de coproductions Nord/Sud En 2009, elle co-fonde avec Raed Andoni à Paris LES FILMS DE ZAYNA, société de production principalement consacrée à la cinématographie arabe. Au travers de coproductions européennes et internationales, elle assure notamment la production déléguée de la collection documentaire Albums de Famille (2011) avec ARTE, En Terrain Connu (2012) de Nassim Amaouche et des deux longs-métrages du réalisateur palestinien Raed Andoni, qui ont remporté plus d’une trentaine de prix: Fix Me (2009) et Ghost hunting, Prix du meilleur film documentaire Berlinale 2017 et candidat de la Palestine aux Oscars en 2018.

Palmyre Badinier exerce depuis 2017 ses fonctions de productrice au sein d’Akka Films à Genève. Elle a signé la production déléguée de La voie normale de la réalisatrice tunisienne Erige Sehiri présenté en compétition à Visions du Réel en 2018, puis entre autres à IDFA, Lussas, Cinemed, et la coproduction de Tiny souls, premier documentaire long-métrage de de Dina Naser, présenté en compétition internationale à CPH–DOX 2019.

Entre autres projets, Palmyre Badinier développe notamment Heirloom le premier long-métrage de science-fiction de l’artiste palestinienne Larissa Sansour.

Elle est membre du réseau européen de production audiovisuelle EAVE. En parallèle, elle intervient régulièrement comme experte dans des ateliers professionnels et des comités de sélection. Début 2022, elle rejoint Rita Productions notamment pour y développer le pôle documentaire.

Nicholas Lens est un compositeur de musique contemporaine, particulièrement connu pour ses opéras (dernière parution chez Deutsche Grammophon).

Né à Ypres, la légendaire petite ville de guerre près de la frontière française en Flandre, Belgique, il a commencé à étudier le violon avec son parrain à l’âge de cinq ans. Plus tard, alors qu’il étudie au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles, il commence à composer professionnellement pour des projets théâtraux, cinématographiques et télévisuels. Membre de l’Orchestre National de Belgique, le chef d’orchestre Mendi Rodan lui propose un contrat de contrebassiste à l’Israël Sinfonietta à Beersheeva en Israël. Il doit faire un choix important entre une carrière de musicien professionnel et les conditions de vie incertaines d’un compositeur autodidacte. Il fait son choix.

Entre-temps, il a été attrapé par le virus du globe-trotter. Inspiré par les voyages aventureux, il en a développé de nombreuses images dans son univers musical.

Son œuvre est publiée par Schott Music, Mainz et Mute Ltd London, ses CD sont distribués par Universal Music et Sony BMG. En 2020, Nicolas Lens signe avec Deutsche Grammophon. Il vit à Bruxelles et à Venise.

Rachel M. Cholz est née le 25 juin 1991 en France. Elle a commencé ses études artistiques à l’École des Beaux-Arts de Rouen. Elle s’installe à Bruxelles en 2010 où elle entreprend un cursus à l’École nationale supérieure d’arts visuels de La Cambre. Suite à un bachelor en Espace urbain (Art dans l’Espace Public) avec option son et print-making, elle monte un atelier de gravure et y travaille quatre années tout en s’impliquant dans un collectif de performance porté par David Zagari et en se professionnalisant en tant qu’éclairagiste. Elle développe en parallèle un travail d’écriture, décidant de se spécialiser dans l’écriture pour l’installation/performance et le théâtre.

Elle effectue ensuite un master en écriture théâtrale à l’INSAS (Institut National Supérieur des Arts du Spectacle), de 2016 à 2018. Aujourd’hui, elle participe à des micros-ouverts, écrit dans le cadre de petites revues, pour de l’installation-performance et pour le théâtre.

En dehors de ses textes écrits pour la lecture ou dans le cadre de rassemblements autour de la poésie sonore, elle a jusqu’ici écrit deux pièces de théâtre: Octobre, ma fortune (à paraître aux Éditions Lansman), Trois pour cent sauvages, ainsi qu’une nouvelle appelée: Dédale (Éditions Papier-Machine).

Écrivaine et artiste visuelle, Rachel M. Cholz fait des lectures publiques, des performances, publie dans des revues et participe à des expositions.

Aurélia Lüscher commence à développer sa pratique en arts plastiques en même temps que celle du théâtre au Conservatoire de Genève. De 2012 à 2015, elle intègre l’École de la Comédie de Saint-Étienne (42) et obtient un DNSPC et une licence en lettres modernes. Elle imagine des formes liant matière, jeu et écriture. Parallèlement elle fait également des stages dans le milieu du funéraire et mène un travail de recherche sur la gestion des cadavres en Occident. Sa pratique se situe entre le théâtre et la performance, elle aime mêler le réel à la fiction, flouter les frontières entre documentaire et fable. Le collectif a pour elle un sens important dans la création et elle travaille volontiers en lien avec d’autres praticien·nes venant d’autres disciplines, ainsi qu’avec des chercheur·euse·s.

En 2015, elle fonde la compagnie Le désordre des choses avec l’auteur Guillaume Cayet et met en scène plusieurs spectacles dont Neuf mouvements pour une cavale et La Comparution…

Le prochain projet qu’elle portera au sein de la compagnie sera créé en mars 2024 au Studio-Théâtre de Vitry et posera la question: pourquoi nous sommes-nous tant éloigné·e·s de la gestion des morts en Occident? Ce projet allie performance plastique, fiction et documents et aura pour titre Les Corps Incorruptibles. Il sera accompagné de la création d’une performance/atelier Les Liens invisibles cocréée avec la plasticienne Aline Morvan. Elle mène régulièrement des ateliers amateurs ainsi que des formations auprès des médiateur·ice·s du Centre Pompidou.

En 2017, elle fonde également le Collectif Marthe implanté à Saint-Étienne, avec Marie-Ange Gagnaux, Clara Bonnet et Itto Mehdaoui. Elles écrivent, jouent, mettent en scène et construisent de manière collective leurs projets. Toujours sous un prisme féministe, elles s’emparent d’œuvres théoriques ou œuvres non théâtrales, afin de les porter au plateau.

En 2013, Mélissa Zenher intègre l’École de la Comédie de Saint-Étienne, elle y sera notamment dirigée par Simon Delétang, Yann-Joël Collin, Caroline Nguyen, Marion Aubert, Marion Guerrero, Arnaud Meunier, Michel Raskine ou encore Alain Françon. Depuis sa sortie de l’école en juin 2015, elle a joué pour le Théâtre de l’Esquif dans Cyber, une pièce sur le transhumanisme écrite par Marion Aubert et dirigée par Hélène Arnaud, et pour la Compagnie Tire pas la nappe avec le spectacle Tumultes de Marion Guerrero. Elle fait aussi partie du Collectif X où elle participe activement à Villes # et à Hôpital # en région Auvergne-Rhône-Alpes. En parallèle, elle s’implique dans le développement de la Compagnie de théâtre jeune public Si Sensible en tant que collaboratrice artistique au côté d’Antonio Carmona. Elle y développe un travail d’écriture et de mise en scène avec son premier spectacle Une tête brûlée sous l’eau une adaptation librement inspirée de La petite sirène de Hans Christian Andersen. Le spectacle a gagné le Prix Coup de cœur du jury du cluster Prémisses 2018 dirigée par Claire Dupont.

Elle continue de développer son goût pour les planches, en 2019 en intégrant l’Atelier-Cité au CDN de Toulouse pour la saison 19/20 sous la direction de Galin Stoev, elle joue dans Des Cadavres qui respirent, mise en scène de Chloé Dabert. En 2020, elle joue dans L’éveil du printemps, mis en scène par Sébastien Bournac. En 2021, elle joue dans une mise en scène de Maia Sandoz et Paul Moulin: Beaucoup de bruit pour rien et elle participe à une nouvelle création autour du harcèlement en étroite collaboration artistique avec l’auteur Antonio Carmona: Il a beaucoup souffert Lucifer, spectacle en tournée en 2021–22.

Luca Fiorello est né en 1993 dans les montagnes de Savoie. Il commence une formation musicale dès son plus jeune âge où il apprend le piano, le solfège et le chant. En parallèle, passionné par la scène, Luca fera du cirque, de la danse et du théâtre en milieu associatif. Au lycée, il fonde le collectif la Grande Magouille, collectif de théâtre et musique encore actif aujourd’hui, et cela le mène à continuer ses études au conservatoire de Lyon, en théâtre et en chant.

Il réussit ensuite le concours de la comédie de Saint-Étienne et il intégrera la promotion parrainée par Pierre Maillet, avec qui il nouera une relation amicale et artistique forte par la suite. Il part créer un spectacle à Los Angeles, écrit par Aleshea Harris, et cette expérience lui donne une affection particulière pour ce pays ainsi que la possibilité d’y revenir régulièrement et y travailler, notamment en tant qu’assistant réalisateur. 

Il fondera la Compagnie La Dernière Baleine à la suite de son école et toujours aussi passionné de théâtre et de musique, il continuera de creuser ces thématiques dans ses propres mises en scène. Il dirige et met en scène également plusieurs projets musicaux, professionnels et amateurs. Il joue également pour d’autres, tels qu’Alice Laloy, Baptiste Guitton, Alex Crestey. Il continue de creuser son lien artistique avec Pierre Maillet en l’assistant (dramaturgiquement et musicalement), ainsi qu’en jouant dans nombre de ses spectacles, en tant que comédien instrumentiste.

Alex Crestey, originaire de la Loire Atlantique, est comédien, metteur en scène, pianiste, coiffeur et photographe. De 2011 à 2015, ill se forme au Conservatoire de Nantes puis de Lyon. Très sensible à la prégnance de la musique sur scène, il met en scène une première pièce en 2014: Ex Machina, un théâtre visuel et d’atmosphère. En 2015, il est membre fondateur du collectif l’Assemblée Sauvage.

En tant que comédien, au plateau ou devant la caméra, il a joué avec Gilles Pastor (Affabulazione, OEdipe), Richard Brunel (En finir avec Eddy Bellegueule), Benjamin Groëtzinger, Léonce, Elodie Guibert (Taking care of baby), Alban Dussin, Florient Bardet… Autant d’artistes et d’univers variés avec lesquels il aime travailler et cultiver sa diversité.

Il multiplie ses expériences de metteur en scène pour le Festival des Nuits d’été qui lui commande un cabaret sur une pièce d’Erik Satie, et renouvelle l’expérience en 2016 en adaptant l’Orphée et Eurydice de Gluck. En 2016, il rencontre l’autrice Béatrice Bienville, et met en scène Odyssée Méditerranée dans le festival EN ACTE. En 2019, ils travaillent de nouveau ensemble sur Thomas et Judith, et créent la pièce dans le cadre des controverses de la Comédie Itinérante de Valence. Il collabore régulièrement sur les mises en scène de Richard Brunel, à la Comédie de Valence (Diner en ville, Otages), mais aussi avec l’école de l’ERAC, et depuis peu il apporte son regard à la compagnie circassienne L’un passe.

Depuis 2017, il est membre fondateur du collectif de Drag Queen et du spectacle portant le même nom: les 12 travelos d’Hercule. Depuis 2017, il travaille avec Grégoire Blanchon avec qui il crée INTRANQUILLE, un concert de chanson française, dont ils sont tous deux les compositeurs. ll renouvelle l’expérience avec Kevin Blanchard, en 2018, avec qui il écrit un duo de chanson française plus tournée sur les musiques pop et synthétiques.

En 2018, la photographie argentique prenant une part essentielle dans sa création, il monte une première exposition au Théâtre des Clochards Célestes. Dans toutes ses activités, il est avant tout passionné par l’Humain et son fonctionnement, l’art et donc l’art Vivant.

Céline Nidegger sort diplômée du Conservatoire d’Art Dramatique de Lausanne en 1999. Elle collabore dès lors avec différent·es met- teur·es en scène et dans de nombreuses institutions théâtrales. Entre autres : Andrea Novicov, Marielle Pinsard, Emmanuel Demar- cy-Mota, Denis Maillefer, Gérard Desarthe, Dominique Ziegler, Jean Liermier, Ludovic Chazaud, Diane Müller, Julien Basler. En parallèle de son travail d’interprète et dans une volonté de création, elle fonde en 2009 la compagnie Superprod avec Bastien Semenzato. Elle fait partie de l’Ensemble du POCHE /GVE durant trois saisons. En 2020 et 2021, elle mène Le Projet Léger: un projet au long cours constitué de Généalogie Léger, un seul-en-scène qu’elle écrit et joue pour La Bâtie, et Miss None, un spectacle pour 4 actrices écrit par Guillaume Poix. Elle est co-directrice du théâtre de l’Orangerie depuis janvier 2024.

Julie Monot est titulaire d’un Bachelor en Arts Visuels de la HEAD à Genève (2017) et d’un Master en Arts Visuels de l’ECAL à Lausanne (2019). Sa pratique artistique s’inscrit dans différents médiums tels que la performance, l’installation et la vidéo. Ses recherches se sont, entre autres, concentrées sur les zones limites de l’extériorité corporelle et ses modes de représentations. La notion de figure fait partie de ses intérêts spécifiques, car cette notion est polysémique et mouvante, mais surtout, car elle permet un espace figural, critique sur nos constructions sociales. L’accessoire de transformation, le costume, la prothèse, le “mobilier corporel” et ses objets en lien à une praxis font partie de ses réflexions quotidiennes.

Après un parcours dans différents conservatoires de musique en violon, piano et direction d’orchestre Azelyne Cartigny commence à se former théâtralement auprès de Raymond Acquaviva et Clara Pirali avant de rejoindre la Manufacture – Haute École des Arts de la Scène en 2016. Durant ses trois ans de formation elle travaille entre autres avec François Gremaud, Oskar Gomez Matta, Pascal Rambert, Krystian Lupa et Ursula Meier. Une fois diplômée, elle joue sous la direction de Pascal Rambert au Festival la Bâtie dans Nos parents et dans Entre chien et loup de Christiane Jatahy.

Après une formation à la HEAD (Haute École d’Art et de Design de Genève), dans laquelle il obtient un Bachelor en performance et où il fait la rencontre d’artistes qui le marqueront comme La Ribot, Sophie Nys ou Wim Cuyvers, Louis Bonard est artiste associé à L’Abri–Genève pendant la saison 2019–2020. En septembre 2019, il co-signe sa première création, Nous sommes des professionnels, au Théâtre de l’Usine, aux côtés de Sarah André et Yvonne Harder. Il travaille régulièrement en tant que comédien, dramaturge ou collaborateur artistique avec Marion Duval et la Compagnie Chris Cadillac (Las Vanitas, Claptrap, Cécile, Avant la retraite, Le spectacle de merde), Aurélien Patouillard (Pachinko, Avant la retraite, Farwest), Marco Berrettini (Claptrap, DISK.O, Music All), Jonathan Capdevielle (Spring Rolle, Music All), Joris Lacoste (Jukebox, Manèges), Julia Perazzini (Le Souper, Waves On), Adina Secretan (Place, Black Buvette, Hoy x Hoy), mais encore Claire Dessimoz, Léa Katharina Meier, Clara Delorme ou Renée van Trier.

Vanessa Bettane se forme auprès de Lucien Marchal au Théâtre Parenthèse, à l’École des Enfants Terribles et aux ateliers du CDN d’Aubervilliers avec Brigitte Jacques et François Regnault. Elle joue sous la direction de Véronique Caye, Valérie Thomas, Serge Tranvouez, Pauline Ribat, Hakim Djaziri, Quentin Defalt, François Boursier, Laurent Maurel, Enki Bilal, Zakarya Gouram, Sophie Akrich, Yan Allégret, Valérie Vogt…

Elle tourne avec les réalisateur·ice·s Yasmina Benguigui, Pascal Thomas, Olivier Mégaton, Augustin Burger, Jonathan Rio, Véronique Caye, Conce Codina, A.Water et M.Matray (Film primé à la Mostra de Venise).

Elle enregistre différents livres audio pour Gallimard et notamment la Fille de Christophe Blain avec Barbara Carlotti, Blutch et Arthur H (adapté et joué à La Ferme du Buisson en 2013). Enki Bilal lui donne carte blanche et elle crée avec Sabrina Compeyron une performance autour de la BD Bleu Sang. Avec Valérie Thomas et toute une équipe de femmes, elle joue à travers l’Europe une performance organisée par Médecins du monde, contre les violences faites aux femmes. Elle est à l’initiative de la création de Allah n’est pas obligé avec Caroline Filipek mis en scène par Laurent Maurel, spectacle joué plus de 150 dates à travers le monde (en Europe, en Afrique, en Amérique du Sud et dans les DOM-TOM).

En 2021–2022, elle joue dans Audrey d’Hakim Djaziri. Elle rejoint l’équipe du spectacle Dans les cordes mis en scène par Pauline Ribat.

Depuis 2013, elle travaille avec Séphora Haymann. Ensemble, elles ont écrit, joué et mis en scène deux créations A Better Me (Étoile du Nord, Théâtre Paris-Villette et Théâtre de Belleville), Maintenant que nous sommes debout (soutenu par le 104, le Théâtre Paris-Villette et La Ferme du Buisson), création au Théâtre de Belleville en 2016, repris à la Manufacture d’Avignon en 2017 suivi d’une tournée en 2018–2019. Et leurs cerveaux qui dansent est le troisième volet de leur trilogie. Pour ce texte, elles sont lauréates de l’aide à l’écriture de la mise en scène de la Fondation Beaumarchais-SACD.

Originaire de Savoie, Pauline Ribat intègre en 2004 l’Académie Théâtrale Françoise Danell – Pierre Debauche à Agen et rencontre Pierre Debauche, pionnier de la décentralisation théâtrale, ainsi que Françoise Danell et Robert Angebaud. Cette école lui donne le goût de la troupe et de la création.

Depuis sa sortie en 2009, elle joue sous la direction de Jacques Kraemer, Benoît Weîler, Guy Pierre Couleau, Stéphanie Tesson, Grégoire Callies. Ce dernier l’associe au Théâtre Roublot à Fontenay-sous-Bois entre 2014 et 2017. Sur la saison 22–23, elle retrouve l’auteur-metteur en scène Nicolas Kerszenbaum pour sa nouvelle création Kairos dont la première a eu lieu les 3 et 4 mars à la Maison de la Culture d’Amiens et elle collabore avec Charlotte Lagrange – autrice et metteuse en scène – pour la reprise des Petits Pouvoirs (CDN Limoges, Nest, Chatillon…)

En 2013, parallèlement à sa carrière d’actrice, elle se lance dans l’écriture de son premier texte Depuis l’aube (ode aux clitoris) soutenu par la Chartreuse-CNES. Le spectacle a été créé dans une mise en scène de l’actrice-autrice à l’automne 2016 à la Scène nationale de Chambéry, et repéré en Avignon-OFF 2017 au 11-Gilgamesh. À ce jour, il compte près de 60 représentations.

Dans le même temps, elle fonde le collectif Traverse avec les auteurs et autrices Adrien Cornaggia, Riad Gahmi, Kevin Keiss, Julie Ménard et Yann Verburgh.

En 2016, elle écrit Amélie Jackson – une courte pièce de douze minutes – dans le cadre de A la marge, soirée du collectif Traverse et du comité de lecteurs du JTN, qu’elle met elle-même en espace. Elle a créé en novembre 2019 à la Scène nationale de Chambéry, son deuxième projet d’écriture et de mise en scène: Dans les cordes.

Actrice, autrice, Pauline Ribat affirme peu à peu sa position de metteuse en scène. Depuis l’aube (ode aux clitoris), sa première mise en scène rencontre un vrai succès public et compte à ce jour près de 60 représentations.

Après avoir obtenu sa maturité latine au Collège Calvin, elle se forme comme comédienne professionnelle en Italie à la Bottega Teatrale dirigée par Vittorio Gassman. Après sa formation, elle travaille comme comédienne autant à Rome qu’à Genève.

Elle travaille aussi comme voix off pour la RTS et la radio. Dès l’âge de huit ans, elle est en contact direct avec le monde du théâtre et de la musique, et participe à l’enregistrement de pièces radiophoniques. En 2003, elle se certifie en Technique F.M. Alexander à la Basler Schule für F.M. Alexander-Technik, méthode pédagogique en équilibre postural.

Passionnée par l’art du récit (contes) depuis sa formation théâtrale, elle se forme, entre autres, auprès de Lorette Andersen, Deirdre Foster, Philippe Campiche, Casilda Regueiro, Gilles Decorvet, Patrick Mohr, Cathy Sarr, etc. Côté musique, Suzanne obtient un Certificate of Advanced Studies HES-SO en Pédagogie Dalcrozienne. Depuis, elle crée ses propres chansons, dont elle écrit les paroles et la musique, ainsi que des histoires qui s’adressent aux enfants.

Elle écrit les chansons du spectacle Île MaZik, créé en 2018 par la Compagnie Zikids à la Traverse et mis en scène par Chine Curchod, dans lequel elle joue et chante accompagnée par trois musiciens du ZikiZik Band. Scénographie de Valeria Pacchiani, lumières d’Alex Kurth, costumes d’Anna Pacchiani. En 2020, elle est lauréate d’une Bourse SSA pour l’écriture scénique du conte musical Les Aventures de Fenouilhéro, créé à la Traverse fin octobre 2020 et mis en scène par Julie Burnier. Scénographie de Valeria Pacchiani, lumières David Kretonic, costumes d’Anna Pacchiani.

En 2023, Suzanne Forsell est lauréate d’une Bourse de recherche dans le contexte COVID-19 pour le projet Dessine-moi un conte (domaines de recherche : art du récit, illustration, écriture / projet en cours).

Né en 1968 en Allemagne et aujourd’hui résident en Suisse à Rikon, Günther Baldauf est acteur, metteur en scène, enseignant et organisateur de projets culturels. Il suit une formation professionnelle en Théâtre de mouvement auprès de la Haute Ecole suisse la Scuola Teatro Dimitri (1990-93). Il fonde en 1998 la compagnie Voland et devient de 2006 à 2013, directeur artistique de Chastè da cultura, espace culturel et théâtre situé à Fuldera (CH). Il est depuis 2015, membre du comité de la KTV / ATP, association d’intérêts de portée nationale, active dans le domaine des arts du spectacle. Il met en scène de nombreuses pièces parmi celles-ci: Alice im Wunderland (2012), Warwankutta (2013) au Circolino Pipistrello/Rikon (CH), Das Leben ist ein Heimweg (2012)-Olten (CH), Huhnsinn (2012) avec la Compagnie Rosa Canina (Lenzburg/freiburg). Milchbüechlirächnig (2015). Grenzwertig (2016). Leonce et Lena - Flucht ins Paradies (2016) à l’Atelierschule de Zürich, Der gute Doktor (2016) à l’Amvietheater Bad Waldsee, Stille Kracht (de 2012 à 2018) au Casino Theater Winterthur. En tant que comédien, il participe à plusieurs projets en 2017 et 2018: Die Verknotete Prinzessin, Pinocchio und die blaue Fee et Vol/ daneben avec la Companie Voland & Kunstdüng.

Marjolaine Minot, née à Paris en 1978, est auteure, comédienne et metteuse en scène; elle enseigne le théâtre de mouvement. Elle commence sa formation de comédienne à Paris en 2001, entre art clownesque et art dramatique. Son goût pour le mariage de la tragédie et de la comédie ne la quittera plus. En 2004, Marjolaine Minot s’installe en Suisse pour poursuivre sa formation à la Scuola Teatro

Dimitri. En 2007, son diplôme en poche, elle s’engage dans le cursus de master en théâtre proposé en partenariat par les hautes écoles de théâtre suisses (SUPSI, ZHdK, La Manufacture et HKB). La même année, son travail de diplôme lui vaut le Prix SUPSI. Elle recevra également le Prix d’études Migros, un Prix du Pour-cent culturel Migros destiné aux jeunes talents. En 2016, elle fonde sa propre troupe de théâtre La Minotte et compagnie, qu’elle rebaptise Compagnie Marjolaine Minot en septembre 2017.

Elle développe son propre langage théâtral en jouant avec les limites entre les genres. Dans son premier spectacle en solo, J’aime pas l’bonheur (2013), qu’elle a présenté plus d’une centaine de fois (en français et en allemand) en Suisse, en Allemagne et en France, elle se met dans la peau de Claudine, une vieille femme qui, quoiqu’elle n’aime pas le bonheur, dévoile au public, grâce au grand talent de la comédienne, des facettes tout à fait adorables de l’humanité.

Ses productions ultérieures, comme La 4e Personne du Singulier (2017), aussi représentée en allemand, ou Je suis la femme de ma vie (2018), se caractérisent à chaque fois par un nouveau style, tantôt dansant, tantôt clownesque, mais sont toujours remarquablement interprétées. Comme metteuse en scène, Marjolaine Minot a créé avec la Compagnie Les Diptik le spectacle Hang Up (2015), grand succès de comédie salué par le public dans toutes les régions de Suisse.

Sam et Fred Guillaume naissent le 7 octobre 1976 à Fribourg en Suisse. Ils se lancent dans l’animation en 1998 en réalisant leur premier court-métrage, Le petit manchot qui voulait une glace. Enthousiasmés par cette première expérience, les deux frères décident d’en faire leur métier et réalisent des films de commande, des pubs,des films scientifiques et des courts-métrages… toujours en y intégrant de l’animation. De 2003 à 2007, c’est l’aventure du premier long-métrage avec Max & Co (CH-F-B-UK) qui est distribué dans plus de 20 pays et remporte notamment le Prix du public au Festival d’Annecy. En 2012, ils remportent le prix du cinéma suisse avec le film d’animation documentaire La Nuit de l’Ours. En 2019, ils réalisent le court-métrage Le Renard et l’Oisille (CH-F-B) qui compte 53 millions de vues sur YouTube à ce jour. En 2022, ils réalisent le moyen-métrage documentaire Sur le Pont (CH-F), qui remporte notamment le Prix Best of Show du Indiefest. Parallèlement aux films de cinéma, ils travaillent dans le domaine de la scénographie pour le théâtre et l’Opéra: Une Maison de poupée (Théâtre de Carouge – 2023), L’étrange incident du chien pendant la nuit (Théâtre des Osses – 2023), I hate New Music (Nouvel Opéra de Fribourg, Théâtre des Martyrs (Bruxelles), 2023, l’Illusion Comique (Théâtre des Osses – 2015), Le Loup des sables (Théâtre des Osses – 2018), Laïka le chien de l’espace (Nouvel Opéra de Fribourg – 2019) et de muséographie (Musée d’histoire naturelle de Fribourg, Château de Gruyères, Nouvelle maison du Gruyère…). En 2021, ils montent le projet de mapping urbain Les Réparateurs en collaboration avec le duo les Diptiks.

Très intéressés par les nouvelles technologies, ils développent des outils et participent à des projets de recherche au service de la narration. Sam et Fred Guillaume interviennent régulièrement en Suisse et à l’étranger dans le cadre de formations. Fred Guillaume est responsable des formations dans le domaine de l’animation chez Focal. Sam Guillaume est membre de la commission animation de l’Office fédérale de la culture (OFC) et Fred Guillaume de la commission animation de la Zürcher Filmstiftung (ZFS). Ils sont tous deux membres de l’Académie du Cinéma Suisse.

Guillaume Bosson (aka BILLY JET PILOT) est un musicien né en 1985 à Annecy. Il est membre fondateur du collectif Coming Soon dont il est auteur-compositeur, bassiste et chanteur. Remarqué dès la sortie de leur premier album New Grids en 2008, Coming Soon a depuis sorti 5 disques et de nombreux EP témoins d’une longue décennie d’explorations musicales.

Billy Jet Pilot a par ailleurs collaboré avec Olivia Ruiz, Étienne Daho, The Wave Pictures (…) Fasciné par la scène musicale new-yorkaise des années 2000 (The Strokes, The Moldy Peaches, LCD Soundsystem…), il voyage avec Coming Soon à New York en 2005. Une amitié naît avec Adam Green et Kimya Dawson. Avec cette dernière, ils forment un groupe éphémère appelé ANTSY PANTS, dont deux morceaux seront choisis par Jason Reitman pour son film JUNO (2008). Le lien avec la bande new-yorkaise est établi, Billy Jet Pilot accompagne régulièrement Adam Green dans ses tournées européennes.

Au fil de son parcours, Guillaume Bosson a souvent côtoyé le monde du théâtre, après un premier spectacle Dark Spring en 2011, il rencontre Pierre Maillet, véritable coup de foudre artistique et participe à la musique de Little Joe/ New York 68 en 2013. Depuis la collaboration n’a pas cessée Little Joe/Hollywood 72 (2015), La Cuisine d’Elvis (2016), One Night With Holly Woodlawn (2018), Underground Café en 2020 et Théorèmes(s) en 2021. Au fil des créations, Guillaume Bosson devient progressivement créateur sonore, au même titre que musicien et compositeur.

Luca Fiorello est né en 1993 dans les montagnes de Savoie. Il commence une formation musicale dès son plus jeune âge où il apprend le piano, le solfège et le chant. En parallèle, passionné par la scène, Luca fera du cirque, de la danse et du théâtre en milieu associatif. Au lycée, il fonde le collectif la Grande Magouille, collectif de théâtre et musique encore actif aujourd’hui, et cela le mène à continuer ses études au conservatoire de Lyon, en théâtre et en chant. Il réussit ensuite le concours de la comédie de Saint-Étienne, et il intégrera la promotion parraînée par Pierre Maillet, avec qui il nouera une relation amicale et artistique forte par la suite. 

Il part créer un spectacle à Los Angeles, écrit par Aleshea Harris, et cette expérience lui donne une affection particulière pour ce pays ainsi que la possibilité d’y revenir régulièrement et y retravailler par la suite, notamment en tant qu’assistant réalisateur. Il fondera la Compagnie La Dernière Baleine à la suite de son école et toujours aussi passionné de théâtre et de musique, il continuera de creuser ces thématiques dans ses propres mises en scène. Il dirige et met en scène également plusieurs projets musicaux, professionnels et amateurs. Il joue également pour d’autres, tels qu’Alice Laloy, Baptiste Guitton, Alex Crestey. Il continuera de creuser son lien artistique avec Pierre Maillet en l’assistant (dramaturgiquement et musicalement), ainsi qu’en jouant dans nombre de ses spectacles, en tant que comédien instrumentiste.

Anouk Werro se forme au jeu à la RADA, à Londres, soutenue par la Fondation Vincent Merkle. Elle se forme à la mise en scène par divers assistanats en Suisse (pour la Compagnie Opus 89) et stages en Allemagne (Theater an der Parkaue, Stadttheater Heidelberg et Schaubühne), puis par le Master Théâtre de La Manufacture. Sa pratique de comédienne et metteure en scène s’accompagne de l’écriture.

En 2015, elle écrit et met en scène Les 3 Ophélies. Elle poursuit son travail d’écriture avec The London Anxiety Monologues en 2017, puis Fièvre nocturne sur l’iceberg (FriScènes, 2018). Elle s’intéresse ensuite à la notion de témoignage en interrogeant ses grands-parents dans Heritage, puis, en 2019, en montant une installation audio, Assis·e en face du silence, composée de témoignages sur la question du suicide chez les jeunes.

De ces deux projets, ainsi que d’autres lectures performées et collaborations, découlent l’écriture d’un solo, Une Femme S. (Les Impromptu·e·s, 2020), une étape de travail de Chakra de la gorge en surexploitation (Belluard Festival, 2021), puis l’écriture de Bains en famille, qu’elle présente comme son spectacle de sortie de La Manufacture, en collaboration avec Mélissa Rouvinet.

Durant son master, elle assiste Yves-Noël Genod sur C’est le silence qui répond (Arsenic, 2020) et Claire Dessimoz sur Current Currents (Arsenic, 2021).

Depuis sa sortie, elle a présenté une étape de travail de sa première pièce professionnelle, VULTURES, sélectionnée au Creative Art Platform en 2019, en collaboration avec Fleur Bernet (Festival Weekend Prolongé, Fribourg, 2021). Elle reçoit en 2022 une bourse de la Fondation Lombard-Odier pour travailler sur le Café littéraire Molière au féminin au Théâtre des Osses et y animer un atelier de médiation autour du spectacle. Elle a aussi repris son solo Chakra de la gorge en surexploitation (Festival Weekend Prolongé, Fribourg, 2022 ; Fais comme chez toi, Sion, 2022).

En parallèle de ses projets, elle assiste, joue pour ou collabore avec les metteurs en scène Robert Cantarella, Tomas Gonzalez, Igor Cardellini, Yan Duyvendak, Geneviève Pasquier, Nicolas Rossier et François Gremaud.

Stéphane Bouquet a publié des livres de poésie et un récit chez Champ Vallon, ainsi que des traductions de poètes américains : Robert Creeley, Le Sortilège (Éditions Nous, 2006), Paul Blackburn, Villes (José Corti, 2011), et Peter Gizzi, L’Externationale (José Corti, 2013).

Il a animé, avec Laurent Goumarre, l’émission Studio Danse sur France Culture, a été critique littéraire à Libération et collaborateur auprès du Monde. Il a également été pensionnaire à la Villa Médicis en 2002 et 2003.

Stéphane Bouquet a par ailleurs écrit les textes de (et joué dans) La Traversée, long-métrage autobiographique, ainsi que les scénarios de divers films de Sébastien Lifshitz (Les Corps ouverts, Presque rien, Wild Side, Les Terres froides), de Valérie Mréjen (La Défaite du rouge-gorge), de Yann Dedet (Le Pays du chien qui chante) et de Robert Cantarella.

Il a été longtemps critique aux Cahiers du cinéma et a publié des études sur Gus Van Sant (Éd. Cahiers du cinéma, 2009, coécrit avec Jean-Marc Lalanne), sur Eisenstein (Éd. Cahiers du cinéma, 2008) et sur L’Évangile selon saint Matthieu de Pasolini (Éd. Cahiers du cinéma, 2003).

Il a participé, en 2002, en tant que danseur, à la création chorégraphique de Mathilde Monnier, Déroutes, et, en tant que danseur-scénariste, à sa pièce Frère & sœur, créée au Festival d’Avignon en 2005.

Alice Schwab a créé la Compagnie Prosodie en 2019, compagnie qu’elle dirige aujourd’hui (direction artistique). En 2022–2023, elle écrit et met en scène Libre de cojear, un spectacle en espagnol inspiré de Frida Kahlo. Ana Lorvo interprète l’artiste peintre mexicaine. (Saint-Denis, Festival du Pescet, Parc Floral de Paris, Institut Culturel du Mexique, Ambassade d’Argentine, Théâtre La Flèche — janvier à mars 2023)

Pour la saison 2023–2024, Alice Schwab écrit et met en scène Quelques kilomètres dans le silence. Louise Depardieu interprète Suzanne et en est également coautrice. La première résidence est accueillie à la Maison Jacques Copeau.

Pour la saison 2024–2025, c’est autour de la pièce de l’auteur suisse Lukas Bärfuss, Le Voyage d’Alice en Suisse, qu’Alice Schwab travaillera. La première résidence de recherche est prévue à La Ménagerie de Verre, à Paris.

Elle jouera également dans Souviens-toi l’hiver prochain (2022–2023), écrit par Lolita de Villers et dirigé par Guillaume Camous. La première résidence est au Moulin de l’Hydre et au Théâtre 13 (Prix Jeune Metteur en Scène).

Au cours de sa formation, Alice Schwab aura l’occasion de travailler avec divers corps de métier du théâtre — de la danse à la scénographie — notamment avec Jeanne Valory, la Compagnie Non Nova, le Théâtre du Radeau, la Compagnie Louis Brouillard, Katrijn Baeten et Saskia Louwaard, le Collectif des Possédés, la Compagnie MXM (Cyril Teste), Brigit Ensemble, la Compagnie Ariadne et Thierry Thieû Niang.

Elle a suivi, de 2016 à 2019, la formation de l’acteur du Cours Florent et un master de théâtre à la Sorbonne Nouvelle – Paris 3.

Comédienne suisse formée à l’INSAS à Bruxelles, Céline Bolomey travaille depuis 1998 sur les scènes suisses romandes dans une cinquantaine de spectacles, avec notamment Enrique Diaz, Omar Porras, Anne Bisang, Brigitte Jacques-Wajeman, Robert Sandoz, Sandra Amodio, David Bobée, Sandro Palese, Dorian Rossel et Denis Maillefer. Elle travaille pendant huit ans avec le metteur en scène bulgare Galin Stoev, notamment sur les créations francophones de l’auteur Ivan Viripaev (Oxygène, Genèse n°2), avec lesquelles elle joue au Festival In d’Avignon, au Festival TransAmériques de Montréal, à Moscou, Paris et en tournée internationale.

On a pu la voir ces dernières saisons à la Comédie de Genève sous la direction de Gian Manuel Rau dans Schmürz, de José Lillo dans Femmes amoureuses de Mélanie Chappuis, et au Théâtre POCHE/GVE sous la direction de Pascale Güdel et Fabrice Gorgerat, dans des textes d’Antoinette Rychner et Catherine Léger. 

Elle a intégré le spectacle PATRIA – Viento Divino du collectif suisse-chilien Alternance Théâtre, en octobre 2018, pour les représentations à Genève, Valparaíso et Santiago, et fera partie de la création No En Mi Nombre, qui sera créée au Parque Cultural de Valparaíso (Chili). Elle fait également partie du collectif OH! OUI, qui a créé son premier spectacle Tout le plaisir est pour moi, mis en scène par Manon Krüttli au Théâtre du Loup en juin 2021.

Elle a mis en scène Je crois que manger seule me convient, d’après La Grossesse de Yoko Ogawa, créé au Théâtre de l’Usine à Genève en 2013.

Au cinéma, elle a joué dans une quinzaine de films et a reçu le Quartz de la meilleure actrice ainsi que le prix Shooting Star à la Berlinale en 2009 pour son interprétation dans le film de Vincent Pluss, Du bruit dans la tête — leur deuxième film ensemble après On dirait le Sud en 2003 (Quartz du meilleur film suisse). On peut la voir également dans le rôle de Joëlle Baupain dans la série Sacha (RTS – ARTE – Rita Productions).

En 2022, elle coécrit et joue Une si parfaite journée avec la comédienne Coraline Clément et le metteur en scène Ludovic Chazaud, au Théâtre Saint-Gervais à Genève. Elle conçoit et réalise avec la photographe Magali Dougados l’exposition icon-audio Causerie, produite par la Comédie de Genève, en partenariat avec les Bains des Pâquis à Genève.

Parallèlement à son travail d’actrice, elle s’est formée en médiation culturelle à la HETS de Lausanne, a obtenu son CAS en 2013, et a mené des mandats ponctuels pour le Théâtre POCHE/GVE, le Théâtre Saint-Gervais et pour des compagnies indépendantes. Elle a terminé un Bachelor en histoire de l’art et en langue et littérature françaises à l’Université de Genève en 2023.

Née à Annecy en 1972, Delphine Lanza vit et travaille à Genève. D’abord comédienne, elle joue tant au théâtre qu’au cinéma. Au théâtre, elle est engagée, entre autres, par Matthias Langhoff, Patrice Kerbrat, Rezo Gabriaze, Andrea Novicov, Christian Geffroy-Schlittler ; et au cinéma, elle collabore avec Claude Goretta, Michel Deville, Pierre Maillard, Jacob Berger, Nicole Borgeat et David Chidlow.

Elle a reçu le Prix d’interprétation féminine du cinéma suisse pour son rôle dans Attention aux chiens (1999) de François-Christophe Marzal.

En 2004, avec Dorian Rossel, elle fonde la Compagnie STT (Super TropTop). Elle œuvre à la collaboration artistique de tous les travaux de la compagnie depuis le début, et, depuis six ans, co-signe la mise en scène des différents spectacles de la Compagnie STT.

Pierre Maillet est acteur, metteur en scène et membre fondateur des Lucioles, collectif d’acteurs basé à Rennes depuis 1994.

Sensible aux auteurs liés d’une manière ou d’une autre au cinéma, il a mis en scène : Rainer Werner Fassbinder, Peter Handke, Philippe Minyana, Laurent Javaloyes, Lars Noren, Jean Genet, Rafaël Spregelburd, Tanguy Viel, Paul Morrissey, Copi, Lee Hall, Thierry Voeltzel, Michel Foucault…

Récemment il a créé One Night with Holly Woodlawn, Le bonheur (n’est pas toujours drôle) d’après 3 films de Reiner Werner Fassbinder et Théorème(s) d’après Pier Paolo Pasolini, tous trois actuellement en tournée. Il travaille régulièrement comme comédien avec : Marcial Di Fonzo Bo, Élise Vigier, Guillaume Béguin.

Il a également joué sous la direction de Bruno Geslin (Pierre Molinier dans Mes Jambes si vous saviez quelle fumée…), Matthieu Cruciani, Marc Lainé, Émilie Capliez, Patricia Allio, Sonia Chiambretto et Yoann Thommerel, Jean-François Auguste, Christian Colin, Hauke Lanz, Zouzou Leyens, Laurent Sauvage, Marc François, Frédérique Loliée, Mélanie Leray…

Au cinéma il a travaillé avec Ilan Duran Cohen, Émilie Deleuze, Louis Garrel, Justine Triet, Pierre Schoeller, Stephan Castang

Né en 1990 à la Ciotat, Maurin Olliès intègre en 2009 le Conservatoire de Marseille où il suit les cours de Pilar Anthony et Jean-Pierre Raffaelli. Il entre à l’École Supérieure d’Art Dramatique de la Comédie de Saint-Étienne. En 2012 à sa sortie, il joue dans Un beau ténébreux mis en scène par Matthieu Cruciani, Letzlove Portrait Foucault mis en scène par Pierre Maillet, Tumultes mis en scène par Marion Guerrero, Truckstop, mis en scène par Arnaud Meunier et présenté à La Chapelle des Pénitents Blancs au Festival d’Avignon 2016. Son spectacle jusqu’ici tout va bien créé avec de jeunes comédien·ne·s amateur·ice·s de Saint-Étienne sur la question de la justice pour mineurs, est programmé dans le cadre du Festival Contre Courant à Avignon en 2015, ainsi que dans le cadre des tournées culturelles de la CCAS à l’été 2016. En 2017, il retrouve Matthieu Cruciani avec Au plus fort de l’orage, pour le Festival d’Art Lyrique d’Aix-en-Provence. En 2018, il travaille de nouveau avec Arnaud Meunier dans J’ai pris mon père sur mes épaules de Fabrice Melquiot et avec Paul Pascot dans L’Amérique de Serge Kribus. Parallèlement il co-réalise avec Clara Bonnet, A cause de Mouad, un court-métrage tourné avec des adolescent·e·s stéphanois.

À l’automne 2018, il participe au dispositif régional Culture et Santé coordonné par la Comédie de Saint-Étienne. Il crée dans ce cadre le spectacle Pour l’amour de quoi ? et tourne dans une trentaine d’établissements de santé de la Loire. Il collabore avec le Collectif Marthe en tant que regard extérieur sur Le Monde renversé et Tiens ta garde. La saison 2019–2020, il reprend la tournée de Saïgon de Caroline Guiela Nguyen. Avec sa compagnie la Crapule créée en 2016, il mène un travail pluridisciplinaire sur des thématiques sociales, liées aux institutions publiques et aux marginalités. La première création de la compagnie, Vers le Spectre, voit le jour à l’automne 2021 à la Comédie de Saint-Étienne. Elle reçoit les Prix du public et des lycéens du Festival Impatience et les encouragements d’Artcena.

Ayant grandi en Île-de-France, Ferdinand Garceau obtient un BTS audiovisuel en 2013. Après quelques voyages, il commence à travailler sur des tournages, en tant que régisseur. Parallèlement, il participe à des projets audiovisuels bénévoles entre amis : fiction, documentaires, etc. Passé la Loire est le deuxième film qu’il réalise.

Passionnée par les mots, la poésie et la musique, Blandine Robin s’est spécialisée depuis 2017 dans les spectacles jeunes publics, pour les enfants de 0 à 3/4 ans. Elle écrit, compose, arrange et chante ses berceuses Le Tout doux (une soixantaine de concerts en 2017, presque autant en 2018 et 2019). L’album Le Tout doux sort avec un livre-doudou fin 2019, et elle crée cette année-là la comédie musicale Nid d’ange (marionnettes).

En 2020, elle grandit un peu et crée pour les adolescents le spectacle transfrontalier Le Berceau, qui aborde le sujet de la transmission dans l’évolution de la place de la femme.

Elle participe aussi, dès 2019, en tant qu’auteure et narratrice, au spectacle musical 40th memories, sur le corps militaire féminin des WASP. Elle a également été meneuse du projet La vie Kexplose, un tour de chant avec un trio pop-rock, comme autrice-compositrice-interprète de 2005 à 2017.

Elle effectue des tournées de concerts en France, en Suisse et au Québec (Voix de fête, Fête de l’Espoir, Lavoir Moderne Parisien, Coups de cœur francophones de Montréal…). Deux albums studio ont couronné cette aventure.

Née en 1982, elle a appris très tôt le chant et la flûte traversière en École de musique, s’est formée au théâtre avec la compagnie enfantine et itinérante Les Allumeurs de lune, et au cirque avec le Cirque Plume. Elle a terminé sa formation par deux ans de formation aux métiers de la scène aux ACP à Paris, puis plus tard par deux ans de formation à l’École de la Voix Odile Wieder.

Aujourd’hui, elle travaille comme musicienne et anime des ateliers dans plusieurs structures genevoises.

Fondée en 2000, la compagnie Karim Slama a produit jusqu’à présent onze spectacles dont quatre solos jusqu’en 2013 sous les mises en scènes de Daniel Monnard, Jean-Luc Barbezat ou encore Michel Courtemanche.

Depuis 2008, je joue sur scène et lors de quelques passages en télévision mes spectacles aussi en Suisse-Alémanique. J’y ai cumulé plus de 100 représentations bien que j’appelle mon bilinguisme: une sorte d’approximation décomplexée de Welschdütch.

En 2016, le projet d’envergure Titeuf, le Pestacle d’après la bande dessinée de Zep mis en scène par Jean-Luc Barbezat a réuni 16’000 spectateurs de toute la Suisse Romande. La RTS était partenaire.

En 2018, L’évadé, mis en scène par Robert Sandoz, encore joué, est salué par le public et la critique pour son originalité, son humour et sa force émotionnelle. 

La Smala en lampes-marionnettes est créée en 2019 au TML, mis en scène de Robert Sandoz. Ce spectacle a été repris après deux ans d’interruption pour cause de pandémie. En janvier 2022, Monsieur est créé au Théâtre Boulimie de Lausanne, sous une mise en scène de Marjolaine Minot.

La compagnie de théâtre Uranus est une association à but non lucratif fondée en 2004, dont le but est de monter, créer et réaliser des projets de théâtre. La Compagnie Uranus crée une interaction entre l’art, l’acte créatif et le spectateur, permettant un échange, une proximité, poussant le spectateur à être lui aussi acteur de ce qui lui est proposé. À travers ses projets, la Compagnie Uranus cherche avant tout la rencontre. Elle souhaite approfondir la rencontre avec l’Autre et c’est pour cette raison que plusieurs de ses projets se sont aussi inscrits dans des univers aussi variés, que des centres pour femmes migrantes, des foyers pour demandeurs d’asile, des zones de conflits (lsraël/Palestine), des quartiers pauvres dans les villes: Matanza (Cuba), Antanarivo (Madagascar). Les histoires que Valentine Sergo développe dans ses pièces, sont souvent l’écho de toutes ces expériences vécues. Au travers des parcours de vie l’autrice s’attache à mettre en lumière ces étincelles d’humanité qu’elle a pu voir et partager via tous ces projets qu’elle a mené à l’étranger.

Rachel M. Cholz est née le 25 juin 1991, en France. Elle a commencé ses études artistiques à l’École des Beaux-Arts de Rouen. Elle s’installe à Bruxelles en 2010 où elle entreprend un cursus à l’École nationale supérieure d’arts visuels de La Cambre. Suite à un bachelor en Espace urbain (Art dans l’Espace Public) avec option son et print-making, elle monte un atelier de gravure et y travaille quatre années tout en s’impliquant dans un collectif de performance porté par David Zagari et en se professionnalisant en tant qu’éclairagiste. Elle développe en parallèle un travail d’écriture, décidant de se spécialiser dans l’écriture pour l’installation/performance et le théâtre.

Elle effectue ensuite un master en écriture théâtrale à l’INSAS (Institut National Supérieur des Arts du Spectacle), de 2016 à 2018. Aujourd’hui, elle participe à des micros-ouverts, écrit dans le cadre de petites revues, pour de l’installation-performance et pour le théâtre.

En dehors de ses textes écrits pour la lecture ou dans le cadre de rassemblements autour de la poésie sonore, elle a jusqu’ici écrit deux pièces de théâtre: Octobre, ma fortune (à paraître aux Éditions Lansman), Trois pour cent sauvages, ainsi qu’une nouvelle appelée: Dédale (Éditions Papier-Machine).

Écrivaine et artiste visuelle, Rachel M. Cholz fait des lectures publiques, des performances, publie dans des revues et participe à des expositions.

Nicholas Lens est un compositeur de musique contemporaine, particulièrement connu pour ses opéras (dernière parution chez Deutsche Grammophon).

Né à Ypres, la légendaire petite ville de guerre près de la frontière française en Flandre, Belgique, il a commencé à étudier le violon avec son parrain à l’âge de cinq ans. Plus tard, alors qu’il étudie au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles, il commence à composer professionnellement pour des projets théâtraux, cinématographiques et télévisuels. Membre de l’Orchestre National de Belgique, le chef d’orchestre Mendi Rodan lui propose un contrat de contrebassiste à l’Israël Sinfonietta à Beersheeva en Israël. Il doit faire un choix important entre une carrière de musicien professionnel et les conditions de vie incertaines d’un compositeur autodidacte. Il fait son choix.

Entre-temps, il a été attrapé par le virus du globe-trotter. Inspiré par les voyages aventureux, il en a développé de nombreuses images dans son univers musical. Son œuvre est publiée par Schott Music, Mainz et Mute Ltd London, ses CD sont distribués par Universal Music et Sony BMG. En 2020, Nicolas Lens signe avec Deutsche Grammophon. Il vit à Bruxelles et à Venise.

Depuis 2021, elle co-crée avec des artistes des performances surprenantes urbaines à bord d’un Vaisseau d’Art, un ancien bibliobus métamorphosé en espace scénique itinérant et innovant. En 2023, elle pousse plus loin le Vaisseau d’Art en y initiant un voyage alliant réalité augmentée–monde virtuel et réel. Elle a à cœur de partager une expérience avec le public, celle de voyager entre les mondes.

Latifa Djerbi est autrice, comédienne, performeuse et porteuse de projet pour Les Faiseurs de Rêves. Ses pièces piétinent les bons sentiments et dynamitent les faux-semblants. Ruant joyeusement dans les brancards, elle place dans la bouche de ses personnages des vérités sans fard. Des réalités conventionnellement tues, que sa position de Franco-Suisso-Tunisienne lui permet d’exprimer en toute légitimité. Sa pièce La danse des affranchies éditée chez Lansman est traduite et éditée en allemand et en roumain et a été présentée au Maxi Gorki Theater fin 2022. Militants, ses textes n’en sont pas moins intimes. Jouant de l’autodérision comme de l’autofiction, ils se fraient un chemin émouvant et singulier vers les questions universelles de l’identité et de la liberté. Parallèlement elle s’initie depuis 2016 au théâtre urbain accompagnée du regard sans complaisance de Jacques Livchine.

Aux origines de ce projet, Dorothée Thébert et Filippo Filliger ont travaillé sur la Déclaration universelle des droits humains. Comme pour interagir avec ce texte, elles l’ont écrit sur les trottoirs de la ville. Ce geste simple a provoqué des rencontres avec les passantes, chargées de questionnements quant à l’action politique, de craintes quant à la dégradation de nos conditions de vie sur Terre.

Grâce à un détour dans un jardin, grâce à un temps suspendu, le duo a poursuivi sa réflexion entre droits humains et rapport à la nature, deux univers étroitement liés et interdépendants. Si cette relation au vivant est en ruine aujourd’hui, il en va de même pour les relations à l’échelle humaine, qui sont elles aussi fragilisées par le capitalisme. Ainsi, Dorothée Thébert et Filippo Filliger invitent les spectatrices dans leur jardin alchimique le temps d’une expérience à la fois sensible et réflexive. Un espace de joyeuse résistance, pour affirmer l’importance de soigner les liens que nous partageons toutes.

Dorothée Thébert, née à la Chaux-de-Fonds en 1977, vit et travaille à Genève. Photographe de formation, elle travaille essentiellement dans le champ de la photographie de scène. Elle développe alors, seule ou avec la complicité de son mari, Filippo Filliger, des créations qu’elle conçoit de l’écriture à la réalisation. 

Depuis 2016, elle découvre le livre comme un espace où la mise en scène est aussi possible. L’artiste développe un nouvel intérêt pour l’écriture littéraire, qui est encore balbutiante mais qu’elle souhaite poursuivre. Dans cet élan,elle participe à la Bibliothèque des femmes, un projet d’écriture collective de Julie Gilbert, pour lequel elle dresse le portrait de la poétesse américaine Audre Lorde.

Né en 1947, Claude Thébert suit une formation de comédien à l’École Grotowsky. Il devient comédien permanent au Théâtre Populaire Romand dès les années 1970. Jusqu’en 1985, il participe à plus de 40 spectacles joués en Suisse, en France, Belgique, Allemagne, Italie, Tunisie et au Mexique, jouant dans des pièces tant classiques que contemporaines.

Il s’installe à Genève en 1985 et travaille comme comédien indépendant, jouant en Suisse, France et Belgique avec nombre de metteurs en scène: Jean Liermier, Claude Stratz, Jean-Louis Hourdin, Philippe Sireuil, Denis Guénoun, Philippe Morand, J. Voeffrav et Anne Vouilloz, Michèle Fauchet, Michel Voïta…

II fonde le Théâtre du Sentier avec Anne-Marie Delbart et Gilles Lambert en 1993. Il crée plusieurs spectacles de Robert Walser, Emmanuel Bave, Heinrich von Kleist, Hugo Loetscher, Corinna Bille, Georges Haldas, Jacques Probst, Jean-Marie Piemme, Thomas Hürlimann, Amélie Plume, Christophe Gallaz, Antoine Jaccoud, Anne-Lou Steininger. Plus récemment : Je ne sais pas où je vais, mais j’y vais, j’y vais…, Hommage à Omar Khayyam, La Vie errante de Yves Bonnefoy, le Bal à la sauvette, La Valise rouge, Perdre le nord.

Depuis 1998, il donne des lectures publiques dans la rue, les cafés, les librairies, les bibliothèques, les galeries d’art, les musées, les écoles, les théâtres, des caves, des parcs, etc.

Artiste sonore et musicienne, née en Sibérie et basée à Genève. Elle s’intéresse à tout ce qui est audible indépendamment du médium, explore des paysages sonores aux échelles variées, parfois inaccessibles à l’oreille humaine, privilégie une prise de son minutieuse, mais expérimente aussi dans des circonstances où le matériel d’enregistrement est mis à l’épreuve. Elle se sert des sources ainsi obtenues pour créer des compositions ou improvisations électroacoustiques multicanales, des bandes son, des pièces radiophoniques, des performances ou des installations sonores dans l’espace public.

Formée en arts visuels, mon travail se situe à la frontière entre art et artisanat, soin et transmission. Dans ma pratique et mes réflexions, je m”inspire et me nourris principalement du travail de penseur.x.se.s, d’activistes et d’(éco)philosophes femmes* et de Mystiques.

Dans ma recherche actuelle de plasticienne, je questionne de manière intuitive et organique l’intime, nos liens au Vivant, nos relations entre tout Être. Je convoque et me laisse convoquer par multitudes de matières et objets, ainsi que par mon histoire personnelle, des vivant.x.e.s et des mort.x.e.s qui la peuplent. En leur compagnie je me laisse guider par mon intuition pour les tisser, nouer, emmêler, broder, entrelacer, modeler en leur portant soin et gratitude.

Invoquant la force Créatrice Universelle, mes œuvres douces et colorées transmettent joie de vivre, bienveillance et tendresse. J’interviens aussi régulièrement auprès de personnes en situation de vulnérabilité depuis 25 ans, et je transmets mon savoir-faire autour du fil et du textile.

Depuis 2014, je conçois et animes des ateliers et actions de création collective et sympoïétique dans différents contextes artistiques, et en collaboration avec d’autres artiste.x.s et institutions. Ces ateliers ont pour but de créer et d’offrir des espaces de réconfort, de soin et de reliance au Vivant, d’activer les possibles et de changer notre rapport au Monde.

L’atelier Giona Bierens de Haan Architectures dessine des lieux, des bâtiments et des installations ancrées dans une pensée liée au plaisir et à l’optimisme. Nous dissolvons la limite entre l’architecture, le design, l’art et la psychologie afin de dessiner des projets frappants, se démarquant par leur forte identité. Nous construisons des arrière-plans de vie et d’émotions au travers d’histoires.

«Low costs, high pleasure»! L’économie de moyens est une catégorie esthétique autant qu’un outil de conception qui nous permet de faire des projets exceptionnels. Nous croyons dans la différence et pensons que l’architecture a le pouvoir de créer un monde plus inspirant, inclusif et joyeux.

Né en 1993 à Sion, Lionel Fournier se forme au métier de comédien à l’École des Enfants Terribles à Paris, dont il ressort diplômé en juin 2018. En août 2016, il assiste la mise en scène du spectacle chorégraphique Einstein, créé en plein air à Sion par la Boll & Roche Compagnie, et reprend un rôle dans ce même spectacle lors de la tournée 2018. En 2017, il fonde la Compagnie Étéya, avec laquelle il crée Blanc la même année. En 2018, il assiste la mise en scène de The Golden Vanity, un opéra de Benjamin Britten créé avec la Maîtrise de la Loire au Théâtre des Pénitents à Montbrison. En 2019, il anime pendant six mois un atelier de théâtre avec un groupe d’élèves du Cycle d’Orientation de Crans-Montana. Il crée avec eux le spectacle 264 Heures.

En 2019-2020, il assiste la mise en scène d’Ivanov, création de la Compagnie l’Éternel Été, en France. Son premier texte : 12, Rue du Paradis (seul en scène) est créé en octobre 2019 au Théâtre du Raccot à Monthey, dans la programmation du Théâtre du Crochetan. En mai 2020 il est accueilli durant quatre semaines en résidence d’écriture aux Maisons Mainou à Genève, pour laquelle il reçoit une bourse de la Société Suisse des Auteurs. 

En novembre 2020, Ophélie au bord de l’eau, nouvelle création de la Compagnie Étéya, voit le jour au Hik et Nunk Festival à Monthey. En 2021, il joue Danse, nouvelle création de la Compagnie l’Éternel Été commandée pour 60 dates par le Théâtre du Lucernaire à Paris ; il est assistant à la mise en scène pour Le Puits, nouvelle création de la Boll & Roche Compagnie au Petithéâtre de Sion et au TLH-Sierre ; et il joue dans Gabriella 1842, nouvelle création de la Compagnie Résilience à la Belle Usine de Fully.

Née en 1986 en Picardie, Charlotte Filou est comédienne, metteure en scène et autrice. Elle fait ses débuts dans le théâtre musical à Paris (Cabaret, Un Violon sur le toit, La Mélodie du Bonheur, Grease, Fame et Les Fiancés de Loches, Molière 2016 du Spectacle Musical) et travaille aux Opéras de Marseille, Avignon, Metz, Reims, Massy avec les metteurs en scène Jérôme Savary, Didier Henry, Jacques Duparc.

Elle collabore à des créations théâtrales en Suisse sous la direction de Fabrice Melquiot (C’est ça la vie de Willy Dupond; Nyx), Françoise Courvoisier (Oldamir Alsmatoff; Séance; La remplaçante), Joan Mompart (La reine des neiges; Ventrosoleil; L’opéra de quat’sous), Dorian Rossel (Le dernier métro), Frédéric Polier (Chemins de sang; Vera), Robert Bouvier (Les Merveilles), Dominique Ziegler (Neolithica), José Lillo (La République), Dylan Ferreux (Yaacobi et Leidental).

À la Cinémathèque Française de Paris, elle crée en 2013 une performance à l’occasion de l’exposition Le Monde enchanté de Jacques Demy. À la télévision, elle joue dans les séries Mes amis, mes amours, mes emmerdes (TF1) et Au Service de la France (Arte). 

Titulaire d’un Master mise en scène et dramaturgie à l’Université Paris Nanterre, elle signe en 2017 sa première mise en scène Variations Énigmatiques et assiste Marie-José Malis pour la création de Vêtir ceux qui sont nus de Luigi Pirandello au Centre Dramatique National La Commune à Aubervilliers.

Elle collabore à deux reprises avec la Cie Mokett pour les créations collectives DUKUDUKUDUKU conférence sur la sexualité (Centre culturel des Grottes, 2019) et DÉGUEU (Théâtre Am Stram Gram, 2023).

Elle crée avec le comédien Antoine Courvoisier deux spectacles musicaux-comiques, CABARET Antoine & Charlotte (2019) et Au Tribunal du Ça s’fait pas (2021) créés aux Amis musiquethéâtre et qui partent très régulièrement en tournée.

En 2019, elle fonde le Filou Théâtre avec lequel elle développe ses propres créations, proches de l’autofiction et du théâtre documentaire. Elle écrit et met en scène Hétérotopies (Théâtre du Loup, Festival C’est déjà demain, 2019). Fin 2021, elle aboutit la création de M’PI ET JEAN-LOUIS forme hybride mêlant cinéma et théâtre à la Parfumerie (Genève) et en tournée en France.

En 2023, elle crée LOUISE aux Amis musiquethéâtre faisant renaître les flammes révolutionnaires de Louise Michel. Fin 2023, elle met en scène Plus Jamais Demain spectacle-performance d’Angelo Dell’Aquila à la Parfumerie.

Né le 24 juillet 1993 à Aix-en-Provence. Après deux années de classes préparatoires littéraires (Option Théâtre puis Philosophie) au Lycée Thiers de Marseille - pendant lesquelles il écrit de la poésie - , ainsi qu’une année de licence Lettres et Cinéma à l’Université Paris Diderot, il s’initie au jeu au Conservatoire du Centre de Paris, écrit sa première pièce : Ces trous de lumière loin loin dans la ville (créée en janvier 2015 au Théâtre du Gouvernail), et y tient le rôle du narrateur. En 2016, il rejoint pour deux ans le Conservatoire du Vlllème arrondissement de Paris - en parallèle duquel il achève un master de Lettres portant sur les dramaturgies contemporaines -, puis entre en septembre 2017 à la Classe Libre du Cours Florent (Promotion XXXVIII), où Jean-Pierre Garnier, Félicien Juttner, Carole Franck, Julie Recoing ou encore Philippe Baronnet le dirigent. En 2018, il intègre l’École du Nord (Ecole professionnelle supérieure d’art dramatique) en parcours auteur (promotion 2018-2021). Entre 2015 et 2017, il écrit trois pièces courtes d’une quinzaine de minutes, La Pomme (2015), Pavillon E (2016), Disparition, sur la plage (2017), qui sont montées consécutivement au Théâtre du Rond-Point dans le cadre du concours Conservatoires en scène, alors parrainé par Pierre Notte.

Il écrit Ici dans le cadre du concours De l’encre sur le feu présidé par David Lescot et organisé par Soy Création. La pièce est primée et mise en espace par Sol Espèche le 22 mars 2016 au Théâtre 13. Apnée, un monologue, a été sélectionné au Festival Texte en cours, où il a été lu en mai 2017. Il écrit Radar en 2018 et met en scène la pièce dans le cadre des Travaux de fin d’étude du Cours Florent ; avec Héloïse Janjaud dans le rôle de Helena et Andranic Manet dans celui de Henrik. Pavillon A a été mis en lecture par Nelson-Raphaell Madel à l’occasion du Festival d’Avignon 2018, au Conservatoire d’Avignon (à l’invitation de la SACD), au Théâtre 11 Gilgamesh et au Théâtre du Train-Bleu. Le texte a également été sélectionné par le comité de lecture du CDN Orléans/Centre-Val de Loire en janvier 2019.

Nicolas Girard-Michelotti entretient par ailleurs un lien étroit avec la musique. Il a appris le piano dans l’enfance, s’est produit plus tard comme parolier et claviériste dans un groupe de rock, puis a composé la bande-son de courts-métrages et d’une partie de ses spectacles.

Comédienne suisse formée à l’INSAS à Bruxelles, Céline Bolomey travaille depuis 1998 sur les scènes suisses romandes dans une cinquantaine de spectacles, avec notamment Enrique Diaz, Omar Porras, Anne Bisang, Brigitte Jacques-Wajeman, Robert Sandoz, Sandra Amodio, David Bobée, Sandro Palese, Dorian Rossel et Denis Maillefer. Elle travaille pendant huit ans avec le metteur en scène bulgare Galin Stoev, notamment sur les créations francophones de l’auteur Ivan Viripaev (Oxygène, Genèse n°2), avec lesquelles elle joue au Festival In d’Avignon, au Festival TransAmériques de Montréal, à Moscou, Paris et en tournée internationale.

On a pu la voir ces dernières saisons à la Comédie de Genève sous la direction de Gian Manuel Rau dans Schmürz, de José Lillo dans Femmes amoureuses de Mélanie Chappuis, et au Théâtre POCHE/GVE sous la direction de Pascale Güdel et Fabrice Gorgerat, dans des textes d’Antoinette Rychner et Catherine Léger. 

Elle a intégré le spectacle PATRIA – Viento Divino du collectif suisse-chilien Alternance Théâtre, en octobre 2018, pour les représentations à Genève, Valparaíso et Santiago, et fera partie de la création No En Mi Nombre, qui sera créée au Parque Cultural de Valparaíso (Chili). Elle fait également partie du collectif OH! OUI, qui a créé son premier spectacle Tout le plaisir est pour moi, mis en scène par Manon Krüttli au Théâtre du Loup en juin 2021.

Elle a mis en scène Je crois que manger seule me convient, d’après La Grossesse de Yoko Ogawa, créé au Théâtre de l’Usine à Genève en 2013.

Au cinéma, elle a joué dans une quinzaine de films et a reçu le Quartz de la meilleure actrice ainsi que le prix Shooting Star à la Berlinale en 2009 pour son interprétation dans le film de Vincent Pluss, Du bruit dans la tête — leur deuxième film ensemble après On dirait le Sud en 2003 (Quartz du meilleur film suisse). On peut la voir également dans le rôle de Joëlle Baupain dans la série Sacha (RTS – ARTE – Rita Productions).

En 2022, elle coécrit et joue Une si parfaite journée avec la comédienne Coraline Clément et le metteur en scène Ludovic Chazaud, au Théâtre Saint-Gervais à Genève. Elle conçoit et réalise avec la photographe Magali Dougados l’exposition icon-audio Causerie, produite par la Comédie de Genève, en partenariat avec les Bains des Pâquis à Genève.

Parallèlement à son travail d’actrice, elle s’est formée en médiation culturelle à la HETS de Lausanne, a obtenu son CAS en 2013, et a mené des mandats ponctuels pour le Théâtre POCHE/GVE, le Théâtre Saint-Gervais et pour des compagnies indépendantes. Elle a terminé un Bachelor en histoire de l’art et en langue et littérature françaises à l’Université de Genève en 2023.

Né en 1968 en Allemagne et aujourd’hui résident en Suisse à Rikon, Günther Baldauf est acteur, metteur en scène, enseignant et organisateur de projets culturels. Il suit une formation professionnelle en Théâtre de mouvement auprès de la Haute Ecole suisse la Scuola Teatro Dimitri (1990-93). Il fonde en 1998 la compagnie Voland et devient de 2006 à 2013, directeur artistique de Chastè da cultura, espace culturel et théâtre situé à Fuldera (CH). Il est depuis 2015, membre du comité de la KTV / ATP, association d’intérêts de portée nationale, active dans le domaine des arts du spectacle. Il met en scène de nombreuses pièces parmi celles-ci: Alice im Wunderland (2012), Warwankutta (2013) au Circolino Pipistrello/Rikon (CH), Das Leben ist ein Heimweg (2012)-Olten (CH), Huhnsinn (2012) avec la Compagnie Rosa Canina (Lenzburg/freiburg). Milchbüechlirächnig (2015). Grenzwertig (2016). Leonce et Lena - Flucht ins Paradies (2016) à l’Atelierschule de Zürich, Der gute Doktor (2016) à l’Amvietheater Bad Waldsee, Stille Kracht (de 2012 à 2018) au Casino Theater Winterthur. En tant que comédien, il participe à plusieurs projets en 2017 et 2018: Die Verknotete Prinzessin, Pinocchio und die blaue Fee et Vol/ daneben avec la Companie Voland & Kunstdüng.

Marjolaine Minot, née à Paris en 1978, est auteure, comédienne, metteuse en scène et professeure en théâtre de mouvement. Elle grandit dans une famille de danseuses et de musiciens, mais s’oriente plutôt d’abord vers les arts plastiques, et elle écrit. En 2000, elle écrit un premier roman épistolaire : Je ne te laisse qu’une enveloppe. 

Elle commence sa formation de comédienne à Paris en 2001, entre art clownesque et art dramatique. Son goût pour le mariage tragédie/comédie ne la quittera plus. En 2004, Marjolaine s’installe en Suisse pour suivre la formation professionnelle de la Haute Ecole de Théâtre de Mouvement : la Scuola Teatro Dimitri. Elle est diplômée en 2007 et gagne le prix SUPSI pour son travail de diplôme. Elle poursuit avec une formation Master en partenariat avec les hautes Ecoles de Théâtre de Zürich (Zürcher Hochschule der Künste) et de Berne (Hochschule der Künste Bern) et gagne le Prix d’Etude Migros.

Marjolaine Minot a pu développer son propre langage et avance à la frontière des genres. Elle est l’auteure et l’interprète de plusieurs pièces : J’aime pas l’bonheur, seule en scène joué une centaine de fois depuis 2013 en français et en allemand, La 4e Personne du Singulier, duo de théâtre chorégraphique mis en scène par Philippe Minella, ou encore Hang Up, qu’elle met en scène et coécrit avec la compagnie Les Diptik.

Marjolaine enseigne le Théâtre de Mouvement. D’août 2016 à juin 2017, elle accompagne notamment, la 3ème année du CCN (Théâtre du Pommier à Neuchâtel) puis écrira et mettra en scène, sur la base d’improvisations des élèves, la pièce de théâtre poétique et absurde : En attendant Robert. En 2016, Marjolaine crée la Minotte, compagnie qui deviendra, en septembre 2017, la compagnie Marjolaine Minot. Elle créé Je suis la femme de ma vie en mai 2018 au Théâtre Nuithonie à Fribourg.

Né en 1970 à Genève, Dominique Ziegler est auteur et metteur en scène. Ses pièces ont été jouées à Genève, Paris, Bruxelles, Bienne, Avignon et ailleurs. Parmi celles-ci : N’Dongo revient (Théâtre de Carouge, 2004), Affaires privées (Théâtre de Poche, 2008), Patria Grande avec Coline Serreau (Théâtre Saint-Gervais, 2011), Le Trip Rousseau (Théâtre Saint-Gervais, 2012), et Pourquoi ont-ils tué Jaurès ? (Théâtre de Poche, 2013 ; Théâtre du Chêne Noir – Festival d’Avignon, 2014).

Ses pièces Ombres sur Molière et La Route du Levant (2015) ont été créées à Genève et ont fait l’objet de tournées en France, Suisse et Belgique, avec un mois de représentations au Festival d’Avignon en 2017. La Route du Levant a également été jouée au Théâtre National de Bruxelles-Wallonie, au Canada (Toronto Fringe Festival, 2019, version anglaise) et en Allemagne (Der Weg ins Morgenland, Théâtre-Orchestre Bienne-Soleure, 2019). Ombres sur Molière, après sa création au Théâtre Alchimie à Genève en 2015, a connu plusieurs tournées suisses et une longue série de représentations au Théâtre Kléber Méleau à Lausanne en 2019.

Dominique Ziegler revendique un théâtre politique, historique et populaire, souvent ludique. Ses spectacles récents incluent Le Rêve de Vladimir (Lénine) (Théâtre Alchimie, 2017 ; Théâtre de Carouge, 2018), Helvetius (2020), Der Rousseau Trip (2021), Morrison’s Blues (2021) et Neolithica (2022), présenté de manière itinérante grâce au Camion-Théâtre du Théâtre de Carouge.

En dehors du théâtre, il publie des adaptations officielles de romans d’Agatha Christie en bande dessinée (Miss Marpte : Un cadavre dans ta bibliothèque, 2017 ; Miss Marple: Al’Hotel Bertram, 2021), ainsi que des romans policiers (Du Sang sur la Treille, 2018 ; Les Aventures de Pounif Lapez, 2016). Il est chroniqueur régulier au journal romand Le Courrier depuis 2011 et a reçu à trois reprises le Prix Plume d’Or de la Société Genevoise des Écrivains.

Ses pièces ont été publiées dans des intégrales : N’Dongo revient et autres pièces – Théâtre Complet 2001-2008 (Éd. Campiche), Calvin (monologue, Éditions Labor et Fidès) et Théâtre Complet 2011-2017 (Éditions Slatkine, 2019).

Depuis ses débuts, Dominique Ziegler explore les fondements du pouvoir, des inégalités et des hiérarchies de manière ludique et accessible à un public diversifié, synthétisant sa démarche artistique à la croisée du théâtre, de l’histoire et de la réflexion politique.

Delphine Polet est plongée dès son plus jeune âge dans le milieu musical. Elle se forme au chant, puis à la musique assistée par ordinateur, au management et au mapping vidéo, et pratique la danse en amateur pendant sept ans. Formée à la pédagogie, elle enseigne également le chant pendant dix ans. Elle écrit, compose, arrange et interprète. Tous ses projets ont donné lieu à plusieurs albums. Ses dernières créations sont La Lignée, duo électro vocal, et Le Berceau.

Issu d’une famille de musiciens professionnels, Florian Polet s’intéresse à la création de musique assistée par ordinateur. Il intègre une école d’audiovisuel et de production de médias numériques (SAE Institute de Paris), où il obtient un diplôme d’ingénieur du son. Depuis plusieurs années, il collabore aux côtés de sa sœur, Delphine Polet, sur des projets contemporains et interdisciplinaires tels que Alice and the Alphamen, La Lignée et Le Berceau.

Pauline Haudepin, née à Paris en 1991, est autrice, metteuse en scène et comédienne. Après un master en Lettres, Arts et Pensées contemporaines à Paris, elle se forme au jeu à l’École du Théâtre National de Strasbourg.

En tant qu’actrice, elle travaille ensuite avec Mathilde Delahaye, Maëlle Dequiedt, Blandine Savetier et Julien Gosselin. Elle crée la compagnie THERAPHOSA BLONDI, implantée à Strasbourg.

Pauline Haudepin est l’autrice de plusieurs pièces, dont elle signe elle-même la mise en scène : Les Terrains vagues, Roman-Photo et Chère Chambre. Chère Chambre est créée en novembre 2021 au Théâtre National de Strasbourg et en janvier 2022 au Théâtre de la Cité Internationale à Paris, dans une mise en scène de l’autrice. La pièce est publiée dans les Tapuscrits de Théâtre Ouvert.

Elle mène régulièrement des ateliers de transmission et est artiste associée au Théâtre National de Strasbourg depuis 2019, ainsi qu’artiste en résidence au Théâtre de la Cité Internationale à Paris depuis 2020.

Après des études d’arts appliqués, Blanche Adilon Lonardoni intègre l’ENSAD Montpellier en 2013. Elle y travaille notamment avec Julie Deliquet, Bérangère Vantusso, Damien Manivel et Pascal Kirsch, et joue dans 4x11 au CDN d’Aubervilliers : 4 spectacles mis en scène par Jean-Pierre Baro, Gildas Milin, Robert Cantarella et Alain Françon.

En 2017, elle joue dans Les Restes de Charly Breton au Printemps des Comédiens. Elle intègre en 2018 l’ensemble artistique du CDN de Tours et tourne sous la direction de Virgile Fraisse dans Nationbuilder, présenté à la Fondation Ricard pour l’art contemporain. Elle est assistante et dramaturge de Mathilde Delahaye sur la création de Maladie ou Femmes Modernes au Festival Ambivalence(s) en 2019.

La même année, elle commence la création de Diorama, son premier spectacle. En 2020-21, elle joue dans L’Île des Esclaves, mise en scène de Jacques Vincey.

Après avoir terminé son Bachelor en Langue et littérature françaises et anglaises, elle intègre la filière d’Art dramatique du Conservatoire de Genève, où elle se forme auprès de Juan Antonio Crespillo, Pascale Vachoux, Jacques Maitre, Mariama Sylla ou encore Julien George, qui la dirige notamment dans La Réunification des Deux Corées de Joël Pommerat.

Durant ses études, elle participe au festival CTRL-J organisé par cinq théâtres genevois, dont le POCHE/GVE. Dans ce cadre, elle joue et met en scène collectivement Exposé sur le Cirage de Mathilde Soulheban.

En parallèle de sa formation, elle suit le CAS en Dramaturgie et Performance du texte, dirigé par Danielle Chaperon à Lausanne.

Dès sa sortie du Conservatoire, elle joue dans Central Park West de Woody Allen mis en scène par Didier Carrier au Théâtre du Crève-Coeur, assiste divers metteurs en scène et réalise sa première création scénique Mais n’te promène donc pas toute nue! de Georges Feydeau au Théâtricul, qui reçoit un franc succès et se joue à guichets fermés.

En 2020, elle assiste Lou Ciszewski pour son spectacle de sortie de La Manufacture, Ce que vous voudrez, une adaptation de La Nuit des Rois de William Shakespeare, et joue dans Chez Michou, spectacle musical mis en scène par Françoise Courvoisier aux Amis musiquethéâtre.

Plus récemment, elle est l’assistante de Françoise Courvoisier pour sa création d’Une Laborieuse entreprise d’Hanokh Levin. Après une reprise de Chez Michou en décembre 2021, elle joue Chroniques d’autre-scène de Jean Perrin, dans le cadre des six solos du projet Rêves d’acteur(e)s aux Amis musiquethéâtre en mars 2022.

Marina Skalova est née en 1988 à Moscou. Elle émigre en France dans l’enfance avec ses parents, avant de déménager en Allemagne. Après des études de philosophie entre Paris et Berlin, elle s’installe en Suisse en 2013, où elle est diplômée de la Haute école des Arts de Berne. À la fois matériau plastique et flux, son travail creuse différentes formes (poésie, prose poétique, théâtre) pour interroger l’exil, l’étrangeté, le franchissement de frontières et leur inscription dans le corps. Traductrice littéraire, son écriture est intimement liée aux passages d’une langue à l’autre.

Elle a été invitée à faire des lectures en Suisse, en France, en Allemagne, mais aussi en Ukraine et en Russie. Elle anime régulièrement des ateliers d’écriture, notamment avec des demandeurs d’asile. Elle a été auteure en résidence et dramaturge au théâtre POCHE/GYE à Genève pour la saison 2017/2018, où sa première pièce, La Chute des comètes et des cosmonautes, sera mise en scène en février 2019. Elle a également bénéficié de résidences aux Francophonies en Limousin, au Château de Lavigny, au Literarisches Colloquium de Berlin et a été auteure en résidence à Moscou avec Pro Helvetia.

Clara Bonnet se forme au Conservatoire du VIIIème arrondissement de Paris, sous la direction de Marc Ernotte puis elle intègre l’École de la Comédie de Saint-Étienne. À sa sortie, elle joue dans Notre peur de n’être de Fabrice Murgia, créé au Festival d’Avignon, édition 2012, ainsi qu’à la Biennale de Venise 2015.

Elle travaille ensuite avec Matthieu Cruciani qui la met en scène dans Un beau ténébreux de Julien Gracq. En 2017, elle joue avec Alexis Forestier pour le projet Modules Dada, présenté au Théâtre de Vidy Lausanne. En 2018, elle cofonde le Collectif Marthe et crée Le Monde Renversé suivi de Tiens ta garde en 2020 au Théâtre de la Cité Internationale à Paris.

Elle continue sa collaboration avec Fabrice Murgia pour la pièce Sylvia, création autour de la poétesse américaine Sylvia Plath au Théâtre National de Bruxelles. Parallèlement, elle joue pour le cinéma et la télévision sous la direction de Nicolas Klotz, Benoît Cohen, James Huth, Jean-Antoine Raveyre, Jean-Philippe Amar et Fabrice Murgia.

Elle co-réalise également un moyen-métrage avec Maurin Olles, À cause de Mouad, dans le cadre d’un projet de cinéma social. En 2021, elle a travaillé avec lui en tant que comédienne pour sa prochaine création, Vers le spectre.

Aurélia Lüscher s’inscrit en 2008 au Conservatoire de Musique de Genève en filière art dramatique. De 2012 à 2015, elle intègre l’École de la Comédie de Saint-Étienne. Avec la compagnie le désordre des choses qu’elle co-fonde en 2014 avec l’auteur Guillaume Cayet, iels créent en 2015 Les Immobiles au Théâtre du Verso Saint-Étienne, en 2017 B.A.B.A.R (le transparent noir) à la Maison des Arts du Léman et en 2021 La Comparution, en production déléguée avec la Comédie de Valence, à la Comédie de Clermont.

Toujours avec la compagnie, elle joue dans les lycées avec Innocent.e.s mis en scène par Fleur Sulmont et met en scène Neuf mouvements pour une cavale en 2019, co-produit par la Comédie de Clermont-Ferrand – scène nationale et le Théâtre des Îlets – CDN de Montluçon.

Elle fonde également le Collectif Marthe implanté à Saint-Étienne, avec Marie-Ange Gagnaux, Clara Bonnet et Itto Medhaoui. Avec Le Monde Renversé, le collectif est accompagné par Prémisses Production pour trois années et pour une résidence au Théâtre de la Cité Internationale à Paris. Leur seconde création Tiens ta garde voit le jour en mars 2020 à la Comédie de Saint-Étienne. Elles créent en 2022 Rembobiner, une petite forme autour de la réalisatrice suisse Carole Roussopoulos.

En 2013, Mélissa Zenher intègre l’École de la Comédie de Saint-Étienne, elle y sera notamment dirigée par Simon Delétang, Yann-Joël Collin, Caroline Nguyen, Marion Aubert, Marion Guerrero, Arnaud Meunier, Michel Raskine ou encore Alain Françon. Depuis sa sortie de l’école en juin 2015, elle a joué pour le Théâtre de l’Esquif dans Cyber, une pièce sur le transhumanisme écrite par Marion Aubert et dirigée par Hélène Arnaud, et pour la Compagnie Tire pas la nappe avec le spectacle Tumultes de Marion Guerrero. Elle fait aussi partie du Collectif X où elle participe activement à Villes # et à Hôpital # en région Auvergne-Rhône-Alpes. En parallèle, elle s’implique dans le développement de la Compagnie de théâtre jeune public Si Sensible en tant que collaboratrice artistique au côté d’Antonio Carmona. Elle y développe un travail d’écriture et de mise en scène avec son premier spectacle Une tête brûlée sous l’eau une adaptation librement inspirée de La petite sirène de Hans Christian Andersen. Le spectacle a gagné le Prix Coup de cœur du jury du cluster Prémisses 2018 dirigée par Claire Dupont.

Elle continue de développer son goût pour les planches, en 2019 en intégrant l’Atelier-Cité au CDN de Toulouse pour la saison 19/20 sous la direction de Galin Stoev, elle joue dans Des Cadavres qui respirent, mise en scène de Chloé Dabert. En 2020, elle joue dans L’éveil du printemps, mis en scène par Sébastien Bournac. En 2021, elle joue dans une mise en scène de Maia Sandoz et Paul Moulin: Beaucoup de bruit pour rien et elle participe à une nouvelle création autour du harcèlement en étroite collaboration artistique avec l’auteur Antonio Carmona: Il a beaucoup souffert Lucifer, spectacle en tournée en 2021–22.

Après un master en histoire et civilisations à l’Université Paris 7 Diderot, Joëlle Bélard-Ruchonnet concentre ses recherches sur le processus de patrimonialisation et la hiérarchisation des identités au Guatemala. Ces études l’amèneront à voyager puis à s’établir quelques années en Colombie. L’enseignement de l’histoire sera alors l’occasion d’étudier la langue espagnole, de saisir ses complexités et usages quotidiens.

De retour en Suisse, encouragée par différentes expériences en traduction scientifiques, elle se spécialise en traduction littéraire à l’Université de Lausanne. Elle obtient la maîtrise en traduction de l’Université de Genève (mention traductologie) en proposant une recherche sur la traduction d’une pièce guatémaltèque contemporaine (El Jurado de las Cuatro Grandes, d’Eugenia Gallardo). Passionnée par le théâtre depuis toujours, la traduction lui permet d’entrer dans cet univers par une nouvelle porte.

En 2021, elle traduit Makers, une création de la Compagnie l’Alakran et commence la traduction de L’origine des espèces publié en juin 2022.

Née à Paris en 1995 d’une mère brésilienne et affublée d’un patronyme polonais, la genevoise Lou Ciszewski obtient son Bachelor en Philosophie et Littérature anglaise en 2017. Elle poursuit ses études par un CAS en Dramaturgie et Performance du Texte en 2018, puis obtient son Master en Mise en scène à la Manufacture (Haute école des arts de la scène) en 2020. Elle s’initie à l’écriture et la mise en scène en réalisant sa première pièce en 2015, puis collabore avec l’association Stop Suicide à l’occasion d’une performance en 2016. Elle crée en 2018 Carré Rond, un spectacle pluridisciplinaire où elle applique un processus d’écritures conjointes. En 2020, elle présente Ce que vous voudrez, une adaptation de La Nuit des Rois de William Shakespeare, version comédie musicale. Actuellement elle travaille sur Bolts of Melody, une création scénique à partir de poèmes d’Emily Dickinson ; ainsi qu’à l’écriture de Miettes, une comédie absurde. Elle est également assistante à la mise en scène auprès d’Yvan Rihs, Joël Maillard, Olivia Csiky Trnka.

Anna Budde grandit à Lausanne, dans une famille passionnée de théâtre et de musique. Enfant, elle intègre la Maîtrise du Conservatoire ainsi que l’école Gérard Diggelmann, où elle suivra des cours pendant 7 ans. De 2015 à 2017, elle se spécialise en chant et en composition dans une école de musique actuelle à Brighton, en Angleterre. Elle commence ensuite à pratiquer l’hypnose ericksonienne, en parallèle de sa formation à l’EDT91 (école départementale de théâtre de l’Essonne). Aujourd’hui elle continue de se former, notamment en clown auprès de Magali Bassa et a fondé sa compagnie, Merci Bravo. Elle compte une dizaine de projets professionnels à son actif en tant que comédienne, chanteuse, compositrice et – plus récemment – autrice et metteure en scène. En 2020, Anna coécrit et met en scène Salam, Abdel met son cœur à nu, une comédie créée au Théâtre de l’Oriental de Vevey. Ce projet lui donne le goût de l’écriture de théâtre, l’envie d’aller plus loin. Pour écrire sa première pièce seule, elle est accueillie aux Maisons Mainou à Vandoeuvres.

Passionnée par les mots, la poésie, et la musique, Blandine Robin s’est spécialisée depuis 2017 vers les spectacles jeunes publics. Pour les enfants de 0 à 3/4 ans elle écrit, compose, arrange et chante ses berceuses Le Tout doux (une soixantaine de concerts en 2017, presque autant en 2018 et 2019). Sortie de l’album Le Tout doux avec un livre doudou fin 2019, et crée cette année la comédie musicale et bébés Nid d’ange (marionnettes). En 2020, elle grandit un peu et crée pour les adolescents avec le spectacle transfrontalier Le Berceau, qui aborde le sujet de la transmission dans l’évolution de la place de la femme. Participe aussi dès 2019 en tant qu’auteure et narratrice au spectacle musical 40th memories, sur le corps militaire féminin des WASP. A été meneuse du projet La vie Kexplose, un tour de chant avec un trio pop rock, comme autrice/compositrice/interprète de 2005 à 2017. Tournées de concerts en France, Suisse et Québec (Voix de fête, Fête de l’Espoir, Lavoir Moderne Parisien, Coups de cœur francophones de Montréal…). Deux albums studio ont couronné cette aventure.

Née en 1982, elle a appris très tôt le chant et la flûte traversière en école de musique, s’est formée au théâtre avec la Cie enfantine et itinérante des Allumeurs de lune, et au cirque avec Le Cirque Plume. Elle termine sa formation par deux ans de formation des métiers de la scène aux ACP à Paris, puis plus tard par deux ans de formation à l’École de la Voix Odile Wieder. Elle apprend le piano et la guitare de manière autodidacte. Travaille comme musicienne et anime des ateliers dans plusieurs structures genevoises.

Latifa Djerbi a été choisie en 2018 par la Sélection suisse en Avignon en tant qu’auteure pour participer au projet Les Intrépides, initié par la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques en partenariat avec la Société Suisse des Auteurs, pour promouvoir les écritures théâtrales féminines. De ce dispositif est né le texte Basta, c’est arabe qui a été édité dans Basta! aux éditions L’Avant-Scène Théâtre, coll. Des Quatre Vents en 2018. En 2017, elle a été lauréate TEXTES-en-SCÈNES avec sa pièce La danse des affranchies, créée au Théâtre Saint-Gervais à Genève en 2018 et éditée la même année aux éditions Lansman, coll. Théâtre à Vif.

Latifa Djerbi a été artiste en résidence de 2013 à 2015 au Théâtre Saint-Gervais, puis en 2016-17 au Théâtre l’Arsenic. Lors de sa résidence au Théâtre Saint-Gervais de 2013-15, elle y a écrit, mis en scène et joué L’improbable est possible… J’en suis la preuve vivante ! qui tourne en Suisse et en France. C’est lors de cette création qu’elle a collaboré étroitement pour la première fois avec Jacques Livchine, précurseur d’un théâtre de qualité, populaire et engagé en France depuis plus de 40 ans, ancien codirecteur de la Scène Nationale de Montbéliard durant 10 ans. Cette rencontre a été le déclencheur d’une complicité, d’une créativité débordante et féconde depuis lors.

Elle est aussi cheffe de troupe de la compagnie Les Faiseurs de Rêves fondée en 2000. Douze spectacles ont été créés depuis, dont plusieurs créations totales : écriture et conception. Ses pièces questionnent, avec un certain sens de l’autodérision, les thèmes de l’identité et de l’affranchissement de l’être. Elles piétinent allègrement les bons sentiments et dynamitent les faux-semblants. Ruant joyeusement dans les brancards, Latifa Djerbi place dans la bouche de ses personnages des vérités sans fard, des réalités conventionnellement tues, que sa position de Franco-Tuniso-Suisse lui permet d’exprimer en toute légitimité. Militants, ses textes n’en sont pas moins intimes. Jouant de l’autodérision comme de l’autofiction, ils se fraient un chemin émouvant et singulier vers les questions universelles de l’identité et de la liberté.

Comédienne de théâtre et de cinéma, Alexandra Tiedemann joue sur les scènes romandes et internationales depuis 1993. Parmi ses spectacles marquants : Le Père de Florian Zeller, mise en scène de Pietro Musillo (2022) ; Femmes amoureuses de Mélanie Chappuis, mise en scène de José Lillo (2019) ; Sexe/ure variation arcan tryp-tique de Nelly Arcan, mise en scène de Marcela San Pedro (2017) ; Le Garçon du dernier rang de Juan Mayorga, mise en scène de Paul Desveaux (2016) ; Le Plaisir d’être honnête de Luigi Pirandello, mise en scène de Marie-José Malis (2012) ; Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand, mise en scène de Frédéric Polier et Séverine Bujard (2009) ; et Le Jeu de l’amour et du hasard de Marivaux, mise en scène de Jean Liermier (2008).

En 2021, elle crée au Théâtre du Loup à Genève, avec son collectif la Compagnie OH ! OUI, son premier spectacle Tout le plaisir est pour moi, mis en scène par Manon Krüttli, autour du thème du plaisir féminin. Une tournée est prévue au printemps 2024.

Au cinéma, elle est nominée pour le Prix du Cinéma Suisse en 2000 pour Pas de télé, pas de café, pas de sexe de Romed Wyder (meilleure interprétation féminine) et joue régulièrement dans des longs-métrages, courts-métrages et séries télévisées.

De 2012 à 2021, elle développe à Genève l’audiodescription des spectacles vivants en faveur du public aveugle et malvoyant, en collaboration avec l’association Dire Pour Voir. Depuis 2022, elle poursuit cette activité avec l’association So Close. Elle prête régulièrement sa voix pour des doublages, annonces, post-synchronisations et voice-over pour diverses entreprises ainsi que pour la RTS (Temps présent, Les Docs, Doc à la une, etc.).

Chanteuse lyrique mezzo-soprano depuis 2002, elle participe à des concerts, renforts de chœur, récitations et événements musicaux tels que L’Histoire du soldat de Charles Ferdinand Ramuz et Igor Stravinski.

Actualités pour la saison 2022-2023 : Délits mineurs de Nicole Borgeat (production Alva Films/RTS) et L’Abattage rituel de Gorge Mastromas de Dennis Kelly, mise en scène de Bastien Blanchard (du 7 au 26 février 2023, Théâtre La Parfumerie, Genève).

Célia Sapart est climatologue, glaciologue et autrice, aujourd’hui directrice Communications et Sciences Climatiques chez C02 Value Europe. Elle est passionnée par les pôles de longue date et a eu la chance de les découvrir à travers de nombreuses missions sur le terrain en Arctique et en Antarctique. Sur la base de ces expériences, elle donne de nombreuses conférences, mais elle a également écrit un livre illustré pour enfants intitulé Sol au Pôle Nord (https://www.solaupolenord.org/). A travers ce livre, elle souhaite faire découvrir les beautés des pôles aux plus jeunes, mais aussi la dure réalité de ce qui s’y passe du fait du réchauffement climatique. Son conte a été adapté au théâtre par Emilie Blaser et Yann Verburgh et sera produit par Am Stram Gram au mois d’avril 2022.

Née à Annecy en 1972, elle vit et travaille à Genève. D’abord comme comédienne, elle joue tant au théâtre qu’au cinéma. Au théâtre, elle est engagée, entre autres, par Matthias Langhoff, Patrice Kerbrat, Rezo Gabriadze, Andrea Novicov, Christian Geffroy-Schlittler, et au cinéma avec Claude Goretta, Michel Deville, Pierre Maillard, Jacob Berger, Nicole Borgeat, David Chidlow. Elle a reçu le prix d’interprétation féminine du cinéma suisse pour son rôle dans Attention aux chiens (1999) de François-Christophe Marzal. En 2004, avec Dorian Rossel, elle fonde la Cie STT (Super TropTop). Elle œuvre à la collaboration artistique de tous les travaux de la Cie STT depuis le début, et depuis 6 ans co-signe la mise en scène des différents spectacles de la Cie.

Née en 1977 à Volgograd (anciennement Stalingrad), Julia Batinova entame des études à l’Université d’Etat de Volgograd afin de devenir traductrice/interprète, mais elle part s’installer à Bruxelles quelques temps après et commencera des études en Architecture d’intérieur à l’Institut Saint-Luc de Bruxelles. Elle va ensuite bifurquer vers le théâtre en 2001 pour rejoindre l’Ecole Supérieure D’art Dramatique de Genève et en sortira en 2004. Depuis elle exerce son métier en Suisse.

On a pu la voir jouer dans plusieurs mises en scènes de Alain Maratrat, Valentin Rossier, Françoise Courvoisier, José Lillo, Pascal Gravat, Vincent Bonillo, Serge Tranvouez. Elle a travaillé plusieurs fois avec ces metteurs en scène du fait de sa persévérance et de la finesse dans son jeu et elle a porté à plusieurs reprises les rôles titres.

Dernièrement, on a pu la voir aux Amis Musiquethéâtre dans la pièce Les larmes amères de Petra von Kant de Rainer Werner Fassbinder où elle incarne une bourgeoise autoritaire et perverse, pleine de bonnes et mauvaises intentions. Sa récente prestation dans La Star locale, où on a pu découvrir ses talents de chanteuse, a été fort remarquée. Elle sera en tournée en 2023 avec le spectacle Cirque Astéroïde de la chorégraphe Marie Caroline Hominal.

Pour sa première mise en scène au théâtre, le spectacle Wild women don’t have the blues, elle réalise un montage des poèmes de poétesses russes, qu’elle a traduit elle-même. Le spectacle s’est joué au Théâtre du Galpon en octobre 2017 ; elle a mis en scène 5 actrices de différents âges, allant de la plus petite de 7 ans à la plus âgée de 75 ans. Une mise en scène qui lui a valu un succès à guichets fermés.

Elle travaille actuellement sur un projet, en tant que metteuse en scène, basé sur une pièce russe en deux actes de Ivan Viripaev intitulée : Ivres. Ce n’est pas la première fois qu’elle traduit et adapte pour le théâtre : elle a participé à l’adaptation du roman russe de Fiodor Dostoïevski Les Démons mis en scène au Théâtre du Loup, elle a traduit avec René Zahnd les poèmes de Vladimir Maïakovski au Théâtre de Vidy pour le projet sur le mythe d’Orphée dans une mise en scène de Vladimir Pankov, elle a travaillé comme traductrice pour le projet Vij de Nicolas Gogol mis en scène par Vlad Troitskij dans le même théâtre une année plus tard. Récemment, elle a traduit La double inconstance de Marivaux, une commande de Théâtre Russe de la Jeunesse (PAMT) à Moscou, qui sera mis en scène par Alain Maratrat.

Au cinéma, on a pu la voir dans les films La Traductrice d’Helena Hazanov, Paul s’en va d’Alain Tanner, Au large de Bad Ragaz de Christophe Marzal, Puta libre de Kevin Haefelin, Blaise Villars et Stach’ Brothers, ainsi que dans les courts métrages suivants : A quoi tu joues de Jean-Guillaume Sonnier, Si j’étais Dieu de Jean-François Vercasson, Tout est fini de Benoît Avis, Zénith de Camille Tomatala, qui a remporté un Grand Bridge Award au Dumbo Film Festival à New York en 2020.

À la télévision, on a pu la voir dans le rôle de Roxana dans la série Helvetica sur RTS réalisée par Romain Graf, série qui a reçu un prix de la meilleure fiction étrangère francophone au Festival de la Rochelle. Récemment, elle a tourné dans un long métrage de Jean Laurent Chautems, le réalisateur à qui on doit la série DIX. Julia Batinova a également participé, à plusieurs reprises, à des sketchs de l’émission 120 minutes et 52 minutes de Vincent Kucholl et Vincent Veillon, la dernière en date diffusée en septembre 2022.

Karo, artiste visuelle formée aux arts graphiques et à la narration, vit et travaille à Bruxelles depuis 15 ans. Dans son atelier, situé aux abords du canal Bruxelles-Charleroi, elle tisse une démarche artistique et crée des univers visuels pour de nombreux projets allant de la création d’identités graphiques à la peinture murale, en passant par la conception de livres et de spectacles illustrés. Tout dans le travail de Karo part d’une vision qui l’habite depuis toute petite : la part de Beauté et de poésie du réel, décelable en toutes  choses et qu’elle tente de transmettre au mieux par différents médiums. Ce qui lui importe - par son travail de peinture, d’écriture, de dessin - c’est avant tout de transmettre un émerveillement et, ce faisant, créer du lien avec toute personne qui reçoit son travail. Cette dimension profonde, de partage et de lien, fait également échos à son autre activité, enseignante de yoga.

Metteur en scène, comédien, éditeur et traducteur. Après avoir réalisé des études de théâtre à Mexico, il s’installe et travaille à Paris depuis 2000. Durant cette période, il poursuit ses études et recherches en tant que comédien et metteur en scène de ses propres spectacles, aussi bien à Paris qu’à Mexico. Il a été conseiller théâtre de l’Institut du Mexique à Paris de 2002 à 2005.

Depuis 2004, il dirige la maison d’édition et la compagnie de théâtre Le Miroir qui fume, avec lesquelles il diffuse en France les nouvelles écritures théâtrales mexicaines et vice-versa.

En tant que traducteur, il a fait des versions en espagnol de pièces d’auteurs comme Philippe Minyana, Fabrice Melquiot, Joël Pommerat, Fréderic Sonntag ou, plus récemment, Julie Rossello-Rochet, Laura Tirandaz et Guillaume Poix, entre autres. Vers le français, il a traduit l’auteur mexicain Luis E. Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM).

Après avoir intégré la filière pré-professionnelle du Conservatoire de Genève pendant une année, Margot Le Coultre entre à La Manufacture. Durant ces trois années, sa formation lui permet de développer plusieurs outils grâce à une approche active du processus créatif, ainsi qu’aux cours techniques (tai-chi, danse, chant) suivis tout au long du cursus et à la pluralité des pratiques rencontrées avec les divers.es intervenant.es. Elle a notamment l’occasion de jouer Titania dans Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare, mis en scène par Oscar Gomez Mata, à travers l’exercice du bouffon.

Elle travaille également avec Philippe Serre qui la dirige avec son approche très corporelle du texte, dans Love and Money de Dennis Kelly, avec Valeria Bertolotto qui met en scène un Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand chanté, dansé et joué en chœur, ou encore Jonathan Capdevielle et sa mise en scène décalée de Caligula d’Albert Camus.

En 2020 elle a l’occasion de participer au festival jeune public Place au Soleil où elle crée et joue un solo intitulé Le temps de le dire et ça disparaît. Après avoir joué dans Sur la voie Royale d’Elfriede Jelinek, spectacle de sortie mis en scène par Maya Bosch, elle est diplômée en juillet 2021. En 2022, elle joue le premier rôle dans Des araignées dans le cœur, le dernier court-métrage de Céline Dondénaz (ECAL).

Diplômée de l’École Supérieure d’art dramatique de Genève (ESAD), Marie Druc joue principalement sur les scènes romandes, mais aussi belges et françaises. Elle travaille entre autres sous la direction de Georges Guerreiro dans Les Serpents de Marie Ndiaye, Le Dieu du Carnage de Yasmina Reza et Quadrille de Sacha Guitry ; de Valentin Rossier dans Qui a peur de Virginia Woolf d’Edward Albee, La seconde surprise de l’amour de Marivaux, Richard III de William Shakespeare, Platonov d’Anton Tchekhov, Lisbeth de Fabrice Melquiot et L’Île des esclaves de Marivaux ; ou encore de Jean Liermier dans Le médecin malgré lui de Molière et Peter Pan de J.-M. Barrie.

Elle joue également dans Alice et autres merveilles de Fabrice Melquiot et Arlequin poli par l’amour de Marivaux mis en scène par Dominique Catton, dans Nuit d’ivresse de Josiane Balasko mis en scène par Antony Mettler, Palavie de Valérie Poirier mis en scène par Julien George ou encore dans Derniers remords avant l’oubli de Jean-Luc Lagarce mis en scène par Michel Kacenelenbogen.

Sous la direction de Joan Mompart, elle joue dans Le mariage de Figaro de Beaumarchais et dans Le Songe d’une nuit d’été de William Shakespeare. Récemment, on a pu la voir dans Une dernière soirée de Carnaval de Carlo Goldoni mis en scène par Clément Hervieu-Léger, Love love love de Mike Bartlett mis en scène par Pietro Musillo, Le moche de Marius von Mayenburg monté par Valentin Rossier et Les femmes savantes de Molière, dans une mise en scène de Vincent Bonillo.

Née aux États-Unis en 1979, Rachel Gordy déménage en France à l’âge de deux ans. Après un baccalauréat à option internationale et une année à l’Université d’Édimbourg, elle se forme au jeu dramatique et obtient son diplôme à l’École Supérieure d’Art Dramatique de Genève en 2003.

Au théâtre, elle travaille sous la direction de Dominique Catton, Laurence Calame, Erika von Rosen, Cyril Kaiser, Joan Mompart, Marie-José Malis, Sarah Marcuse, Geneviève Pasquier et Nicolas Rossier, Robert Sandoz, José Lillo, Eric Devanthéry, Fabrice Huggler, Trisha Leys, Manon Krüttli et Nathalie Sandoz. De 2006 à 2010, elle fait partie de la compagnie Take Off, dédiée à la création de spectacles interactifs en anglais pour les élèves des cycles et collèges suisses, visant à faire découvrir de façon ludique les œuvres de William Shakespeare et d’Oscar Wilde. Depuis 2004, elle collabore avec le metteur en scène Eric Devanthéry pour créer des performances questionnant le rapport à la violence et la place de l’être humain dans le monde.

Au cinéma, elle tourne avec Alain Tanner, Gilbert Merme, Jean-Stéphane Bron et Pascal Forney. À la télévision, elle participe aux séries DIX de Jean-Laurent Chautems, Quartier des banques réalisé par Fulvio Bernasconi, ainsi qu’aux émissions 26 minutes, 120 minutes et 52 minutes de Vincent Kucholl et Vincent Veillon.

Elle co-écrit le spectacle Louis-e, autour de la vie de Louise Bourgeois, présenté au Théâtre du Grü tli en mars 2020. Avec le collectif OH ! OUI, elle initie un projet autour du plaisir féminin, Tout le plaisir est pour moi, joué au Théâtre du Loup en juin 2021. En 2021, elle reçoit une bourse de recherche de la Ville de Genève pour son projet sur les femmes alpinistes.

Née en 1978 à Genève. Stéfanie Lang parle le français avec un accent italien, l’italien avec un accent espagnol, l’espagnol avec un accent allemand et l’allemand avec un accent français. Elle étudie le piano et le chant à Genève. Sa formation d’enseignante en poche, elle change de direction professionnelle et étudie le théâtre de mouvement à la Scuola Teatro Dimitri (2006). Pour compléter sa formation, elle va étudier le clown à Paris chez Philippe Gaulier, en 2013. En 2006 elle fonde le duo luna-tic avec Judith Bach et tourne avec une centaine de spectacle par année en Suisse, France et Allemagne.

En parallèle au duo luna-tic, elle participe à d’autres projets tels que les commedia dell’arte David et Goliath et Luciferino dans le cadre du Festival Origen aux Grisons, elle joue dans Privatsphäre avec la compagnie Zapzarap, la pièce Stück für Stück pour laquelle elle écrit un monologue, et Blanche-Neige avec la Cie Eisenbarth. Quand elle n’est pas sur scène, elle a une vie toute normale, avec des courses à faire, des plats à cuisiner et des listes to do assez longues.

Depuis 2008, Valerio Fassari accompagne la Compagnia Baccalà (Simone Fassari et Camilla Pessi) en tant que collaborateur artistique, metteur en scène et responsable technique. Ils reçoivent le Prix de la Scène Suisse en 2016. En 2018, il signe la mise en scène de leur nouvelle production, avec laquelle la compagnie tourne encore actuellement. Né en Sicile en 1967, il a commencé sa vie artistique en tant que saxophoniste au théâtre. Au milieu des années 1990, il développe ses compétences théâtrales dans une compagnie de théâtre de rue, puis il étudie le théâtre physique avec Yves le Breton, Pantakin, James Slowiak et Jairo Cuesta. Le travail de clown l’a alors particulièrement intéressé. Il s’est produit en solo, en duo et avec de nombreuses compagnies avant de prendre la direction du Teatro Club de Catane (Sicile) avec Paola Greco, créant une compagnie résidente et organisant de multiples festivals et ateliers.

Auteur et dramaturge, Yann Verburgh collabore régulièrement avec le metteur en scène roumain Eugen Jebeleanu, avec qui il fonde deux compagnies, la Cie 28 en Roumanie, et la Cie des Ogres en France. Il est accueilli en résidence d’écriture à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, au Moulin du Marais de Lezay, au Festival Univers des mots à Conakry en Guinée, participe à des rencontres internationales d’auteurs à la Salla Becket de Barcelone, au Festival Interplay Europe en Suède et en Lettonie, avec le soutien de la SACD.

Ses pièces sont publiées chez Quartett Editions et aux Solitaires Intempestifs, traduites en anglais, roumain, turc, arabe et catalan, lues à la Comédie Française, mises en ondes sur France Culture, distinguées par de nombreux prix et bourses, sont adaptées en opéra et sont jouées en France et en Roumanie : CDN de Valence, CDN de Caen, CDN de Béthune, Théâtre Ouvert, Tinel de la Chartreuse, Réseau des ATP, Espace 1789 à St Ouen, Théâtre de Vanves, Théâtre de la Ville de Bucarest, Théâtre Gong de Sibiu, etc.

Yann Verburgh est membre du collectif d’autrices et d’auteurs Traverse, fondé à la Chartreuse, avec Adrien Cornaggia, Riad Gahmi, Kevin Keiss, Julie Ménard et Pauline Ribat. Collectif avec lequel il répond à plusieurs commandes d’écritures, dont Pavillon Noir, création du Collectif Os’o. Cette saison, il répond à des commandes d’écritures pour les CDN de Caen et de Béthune et intègre, en formation continue, l’Atelier scénario de la Fémis - École nationale supérieure des métiers de l’image et du son - où il développe l’écriture de son premier scénario de long-métrage.

Valentine Sergo est metteuse en scène, auteure et comédienne. Diplômée de l’École Serge Martin en 1992, elle travaille dans le milieu professionnel depuis 1993. Elle est directrice artistique de la Cie Uranus (Suisse) et anime également des ateliers de théâtre, y compris à visée thérapeutique.

En mise en scène, elle crée Chaos (2021, Limoges et Genève), Sois belle et t’endors pas (2020, coécrit et joué en rue), Et pourtant ça tourne Opus 2 (2019), Le petit sac rose (2019), et Si tout est vrai ne m’endors pas (2017, d’après La vie est un songe de Caldéron). Elle a aussi mis en scène Au bord du monde (2014), La divergence des trajectoires (2013), et Le Malade Imaginaire (2010–2011). Elle conçoit également des événements culturels, notamment Tous les chemins mènent à Meyrin (2011).

Côté écriture, elle reçoit deux fois le prix SSA pour ses textes La divergence des trajectoires (2010) et Palpitations (2012). Elle publie aussi des nouvelles dans Histoires de la porte d’à côté (2008) et À la Frontière (2014).

En tant que comédienne, elle collabore avec des metteur·euse·s tels que Marielle Pinsard, Jérôme Richer, Sandra Amodio, et Jacques Livchine. Elle a également été assistante à la mise en scène pour plusieurs projets de Marielle Pinsard.

À l’international, elle mène des projets artistiques en Inde, à Madagascar, à Cuba, en Israël et dans les Territoires Palestiniens, notamment avec le Théâtre de l’Opprimé de Calcutta et dans le cadre de projets interculturels et sociaux.

Dès son plus jeune âge, Antonin Noel pratique la musique puis le théâtre. Après deux ans en tant qu’animateur socio-culturel, il intègre en 2015 la section préprofessionnelle d’art dramatique du Conservatoire de Fribourg. En 2016, il est admis à La Manufacture – Haute École des Arts de la Scène – dont il sort diplômé d’un Bachelor de comédien en juillet 2019. Depuis, il joue à la Comédie de Genève dans Nos Parents de Pascal Rambert, puis dans un diptyque consacré à Nicolaï Erdman avec le collectif XSAMIZDAT, ainsi qu’avec l’Orchestre de Chambre de Lausanne, pour lequel il co-crée un spectacle jeune public. En parallèle de ces spectacles, il a l’occasion d’animer plusieurs ateliers de théâtre pour enfants de 9 à 16 ans. Il cofonde également la Cie Tendo dont le travail explore la rencontre du design d’interaction et des arts vivants au travers de formes alliant théâtre, performance et nouvelles technologies pour requestionner la notion d’interaction avec le public.

La variété des projets auxquels participe Antonin accentue son goût prononcé pour la recherche, le collectif et les projets pluridisciplinaires. Une fibre sociale nourrit continuellement sa démarche artistique, qu’il souhaite utile et ouverte, quitte à côtoyer les frontières, où il se plaît.

Après un parcours dans différents conservatoires de musique en violon, piano et direction d’orchestre Azelyne Cartigny commence à se former théâtralement auprès de Raymond Acquaviva et Clara Pirali avant de rejoindre la Manufacture – Haute École des Arts de la Scène en 2016. Durant ses trois ans de formation elle travaille entre autres avec François Gremaud, Oskar Gomez Matta, Pascal Rambert, Krystian Lupa et Ursula Meier. Une fois diplômée, elle joue sous la direction de Pascal Rambert au Festival la Bâtie dans Nos parents et dans Entre chien et loup de Christiane Jatahy.

Né en 1982, Bastien Semenzato est diplômé de la première volée de La Manufacture (Haute École de Théâtre de Suisse Romande). 

Au théâtre, il collabore entre autres avec le Théâtre en Flammes, notamment sur In love with Federer coécrit et co-mis en scène avec Denis Maillefer, Françoise Courvoisier, Jean Liermier, José Lillo, Joan Mompart et joue dans la plupart des institutions romandes. A la télévision, il reçoit le prix Swissperform du meilleur comédien en 2009 pour Les Caprices de Marianne réalisé par Helena Hazanov et joue un des rôles principaux de la série 10. En parallèle de son travail d’interprète et dans une volonté de création, il fonde avec Céline Nidegger la compagnie Superprod avec laquelle il vient de produire le spectacle La Maladie de la famille M. Il collabore également avec la compagnie l’Alakran, notamment sur le spectacle La Maison d’Antan dont il signe la version jouée dans les classes du Cycle d’orientation. Dès septembre 2016, il rejoint La Manufacture comme intervenant pédagogique pour le module « présence ».

Bastien Semenzato a remporté le Prix d’études d’art dramatique de la Fondation des coopératives Migros/Pour-cent culturel et le Prix d’études d’art dramatique de la Fondation Friedl-Wald en 2005-05 et 2005-06.

Passionnée par les mots, la poésie, et la musique, Blandine Robin s’est spécialisée depuis 2017 vers les spectacles jeunes publics. Pour les enfants de 0 à 3/4 ans elle écrit, compose, arrange et chante ses berceuses Le Tout doux (une soixantaine de concerts en 2017, presque autant en 2018 et 2019). Sortie de l’album Le Tout doux avec un livre doudou fin 2019, et crée cette année la comédie musicale et bébés Nid d’ange (marionnettes). En 2020, elle grandit un peu et crée pour les adolescents avec le spectacle transfrontalier Le Berceau, qui aborde le sujet de la transmission dans l’évolution de la place de la femme. Participe aussi dès 2019 en tant qu’auteure et narratrice au spectacle musical 40th memories, sur le corps militaire féminin des WASP. A été meneuse du projet La vie Kexplose, un tour de chant avec un trio pop rock, comme autrice/compositrice/interprète de 2005 à 2017. Tournées de concerts en France, Suisse et Québec (Voix de fête, Fête de l’Espoir, Lavoir Moderne Parisien, Coups de cœur francophones de Montréal…). Deux albums studio ont couronné cette aventure.

Née en 1982, elle a appris très tôt le chant et la flûte traversière en école de musique, s’est formée au théâtre avec la Cie enfantine et itinérante des Allumeurs de lune, et au cirque avec Le Cirque Plume. Elle termine sa formation par deux ans de formation des métiers de la scène aux ACP à Paris, puis plus tard par deux ans de formation à l’École de la Voix Odile Wieder. Elle apprend le piano et la guitare de manière autodidacte. Travaille comme musicienne et anime des ateliers dans plusieurs structures genevoises.

Célia Sapart est climatologue, glaciologue et autrice, aujourd’hui directrice Communications et Sciences Climatiques chez C02 Value Europe. Elle est passionnée par les pôles de longue date et a eu la chance de les découvrir à travers de nombreuses missions sur le terrain en Arctique et en Antarctique. Sur la base de ces expériences, elle donne de nombreuses conférences, mais elle a également écrit un livre illustré pour enfants intitulé Sol au Pôle Nord (https://www.solaupolenord.org/). A travers ce livre, elle souhaite faire découvrir les beautés des pôles aux plus jeunes, mais aussi la dure réalité de ce qui s’y passe du fait du réchauffement climatique. Son conte a été adapté au théâtre par Emilie Blaser et Yann Verburgh et sera produit par Am Stram Gram au mois d’avril 2022.

Christa Barrett est née en 1990 à Fribourg. À l’âge de 17 ans, en tant que jeune artiste, elle participe aux créations et aux tournées du Cirque Chnopf et ensuite du Cirque de Loin durant trois saisons. Elle suit la formation professionnelle en théâtre de mouvement à l’Accademia Teatro Dimitri à Verscio et obtient son diplôme en 2014. Elle gagne deux fois le prix d’étude de Migros Kulturprozent en théâtre de mouvement. Depuis, Christa est engagée dans des projets de théâtre différents, comme Poyo Furioso, mis en scène par Hermes Gaido, Fiorenza Ensemble, mis en scène par Eveline Ratering, Commedia Origen Festival, mis en scène par Fabrizio Pestilli, Aufbruch Deutsche Oper Berlin, mis en scène par Selina Thüring. Depuis 2016, elle est membre de la compagnie MUMMENSCHANZ avec laquelle elle tourne dans le monde entier, notamment avec les pièces You&Me et 50 Years. Depuis 2020, Christa travaille avec la Compagnie Marjolaine Minot en tant que comédienne dans la pièce La Poésie de l’Échec, mise en scène par Günther Baldauf et Marjolaine Minot. Cette pièce est actuellement en tournée en Suisse et en France.

Après sa licence à l’Université du Québec à Montréal et un Master d’Etudes Théâtrales (Université Paris VIII), Coline Bardin intègre en 2014 l’école de théâtre La Scène sur Saône à Lyon. En 2016 elle entre en Bachelor théâtre à la Manufacture - Haute École des Arts de la Scène de Suisse Romande et intègre la promotion J. A sa sortie elle présente son seule en scène J’ai voulu revoir - Adieu à la ferme dans le cadre du festival Soli à la Comédie de Genève. Pour le festival Out 6, elle joue dans Prenez soin de vous, écrit et mis en scène par Audrey Liebot, puis elle interprète son propre rôle dans l’Anniversaire, un film improvisé en un acte à la Tour-de-Peilz. En 2020, elle crée un spectacle déambulatoire Love is in the air avec le collectif Et Maintenant. Pendant le premier confinement, elle anime une émission radiophonique hebdomadaire Les dessous de la quarantaine sur Radio 40 en compagnie de Davide Brancato. De cette collaboration naît (No) sex friends qu’elle présente au Théâtre du Loup en 2021, dans le cadre de C’est déjà demain ! Depuis sa sortie, elle travaille notamment avec Bastien Semenzato, Nina Negri, Nicolas Zlatoff, l’Orchestre de Chambre de Lausanne, Cosima Weiter et Alexandre Simon.

Davide Brancato est originaire de Delémont dans le Jura suisse où il effectue un apprentissage de cuisinier de ses 15 à ses 18 ans. Il part à Paris pour se former au Cours Florent. En 2016, il tente le concours de la Manufacture qui le fera entrer dans la promotion J. Il travaille sous la direction de Luk Perceval, Kristian Lupa, Oscar Gomez Mata, Ursula Meyer, Frédéric Fonteyne, Alexandre Doublet, Natacha Koutchoumov, et bien d’autres encore. À sa sortie, il joue dans Eventfully Tender m.e.s. par Natasza Gerlach dans le cadre du festival OUT6. En septembre 2019, il se produit à la Comédie de Genève pour la reprise de Nos parents m.e.s. par Pascal Rambert. Depuis 2019, il travaille notamment avec Nicolas Zlatoff, Natasza Gerlach, Bastien Semenzato. En avril 2020, il anime avec Coline Bardin une émission radiophonique, Les Dessous de la Quarantaine, sur Radio 40. C’est aussi l’opportunité pour lui d’intégrer L’Abri à Genève. 

Cette année, il jouera dans la re-création de Eventfully Tender dans le cadre du Festival Emergencia à Genève ainsi que dans la prochaine création de Pascal Rambert, Stars, présentée à la Comédie de Genève en mars 2022. En avril 2021, il joue également dans (No) sex Friends au Théâtre du Loup dans le cadre du festival C’est Déjà Demain 9. En septembre 2021, il passera un mois en résidence à Barcelone – Nau Ivanow – qui lui permettra de travailler sur l’élaboration d’un solo accompagné par Yan Duyvendack.

Née à Annecy en 1972, Delphine Lanza vit et travaille à Genève. D’abord comédienne, elle joue tant au théâtre qu’au cinéma. Au théâtre, elle est engagée, entre autres, par Matthias Langhoff, Patrice Kerbrat, Rezo Gabriaze, Andrea Novicov, Christian Geffroy-Schlittler ; et au cinéma, elle collabore avec Claude Goretta, Michel Deville, Pierre Maillard, Jacob Berger, Nicole Borgeat et David Chidlow.

Elle a reçu le Prix d’interprétation féminine du cinéma suisse pour son rôle dans Attention aux chiens (1999) de François-Christophe Marzal.

En 2004, avec Dorian Rossel, elle fonde la Compagnie STT (Super TropTop). Elle œuvre à la collaboration artistique de tous les travaux de la compagnie depuis le début, et, depuis six ans, co-signe la mise en scène des différents spectacles de la Compagnie STT.

Emmanuel Besnault est formé au Conservatoire National supérieur d’Art dramatique de Paris dans les classes de Sandy Ouvrier, Nada Strancar et Xavier Gallais. Il y travaille également sous la direction de Robin Renucci, Stuart Seide, Mario Gonzales, Eloi Recoing. En tant que metteur en scène, il fonde la compagnie de L’Éternel Été à 19 ans, devient artiste associé du Théâtre de Noisy-le-Grand de 2015 à 2017, puis du Théâtre de Montbrison en 2017/2018. Il compte 15 mises en scène à son actif : Il était une fois … Le Petit Poucet, La Vraie Fiancée, Les Fourberies de Scapin, Le Cercle de craie, Ivanov… Mais aussi A Contrario, une création collective au festival international de Spoleto en Italie, 60° Nord de Lucie Digout avec 12 acteurs du CNSAD, Novecento d’Alessandro Baricco avec Julien Frison, The Golden Vanity, un opéra de Benjamin Britten avec la Maîtrise de la Loire, et La Moitié du ciel avec le Collectif Dixit. Il anime également de très nombreux stages et ateliers : Programme Education et Proximité à la Colline, option théâtre du Lycée Victor Hugo à Paris, école d’art dramatique des Enfants Terribles, Collège André Malraux à Asnières-sur-Seine… En tant que comédien, il joue dernièrement dans les créations de Wajdi Mouawad (Littoral, au théâtre national de la Colline), Olivier Py (Le Cahier Noir, au Centquatre) et Xavier Gallais (King Lear Conférence, de Florient Azoulay). Il joue plus de 400 fois le rôle-titre d’Arlequin valet de deux maîtres de Goldoni à la Comédie Italienne de Paris.

Après dix ans de pratique théâtrale à Sion et une Maturité gymnasiale bilingue fr/all option Espagnol et Cinéma en poche, Estelle Bridet décide de se consacrer entièrement à sa passion : elle étudie alors 2 ans au Conservatoire de Genève en filière préprofessionnelle d’art dramatique, avant d’intégrer en 2016 le cursus de Bachelor Théâtre de la Manufacture, à Lausanne. Elle y travaille notamment avec Oscar Gómez Mata, Ursula Meier, Krystian Lupa ainsi qu’avec la compagnie italienne MOTUS. Suite à sa formation en 2019, elle s’engage dans plusieurs projets théâtraux avec Nicolas Zlatoff, et en tant que comédienne dans le projet pluridisciplinaire OperaLab.ch, présenté en septembre 2021 au festival de La Bâtie à Genève. La saison 2020-2021 est pour elle marquée par un rôle principal dans une série RTS diffusée en novembre 2021 et par l’assistanat de Pascal Rambert à la mise en scène de STARs en février 2021. En novembre 2021, elle jouera dans une pièce en réalité virtuelle au TLH à Sierre, mêlant réalité et fiction, corps présent et corps virtuel.

Florian Albin est né en 1989 en France. Il s’est formé professionnellement auprès de l’école Atree, théâtre du jour à Agen (FR) puis à l’Accademia Dimitri en Suisse. De retour en France, il joue dans de nombreuses créations variées depuis 1996 (pièces du répertoire classique et contemporain, monologues, théâtre jeune public, cabarets, variétés, comédies musicales, opérettes, opéras, performances, solos théâtre gestuel, danse, Théâtre de rue.) Il interprète entre autres Lorenzo dans Lorenzaccio de Musset, Peter Pan dans un spectacle adapté de l’œuvre de J.M Barrie, Prosper dans La vie Parisienne d’Offenbach, Montparnasse dans la comédie musicale Les Misérables adapté du roman de Victor Hugo et Mr Martin dans La Cantatrice Chauve d’Eugène Ionesco. Il crée son premier spectacle de théâtre sans parole en 2011 : Big Bang Machine puis un spectacle jeune public en 2013 : Au fil du rêve. Depuis 2015 il joue Un fils de notre temps, monologue adapté du roman de Ôdon von Orvàth. En 2016, il adapte le roman Le quatrième mur de Sorj Chalandon pour le théâtre et explore, seul en scène, la mise en espace et le jeu. L’été 2017 il adapte également deux autres romans du même auteur : Le petit Bonzi et Profession du père actuellement en tournée.

Gaspard Boesch est un acteur romand, membre fondateur de la Compagnie Confiture, qui produit plus de soixante spectacles et lance un abonnement qui recueille jusqu’à deux mille trois cents abonné(e)s par saison. De 2009 à 2014, la Ville de Genève lui confie l’organisation de la Revue Genevoise qu’il dirige pendant six ans avec Philippe Cohen. Il a écrit, mis en scène et joué dans une centaine de pièces, de nombreuses séries et a interprété plusieurs rôles au cinéma.

Né en 1968 en Allemagne et aujourd’hui résident en Suisse à Rikon, Günther Baldauf est acteur, metteur en scène, enseignant et organisateur de projets culturels. Il suit une formation professionnelle en Théâtre de mouvement auprès de la Haute Ecole suisse la Scuola Teatro Dimitri (1990-93). Il fonde en 1998 la compagnie Voland et devient de 2006 à 2013, directeur artistique de Chastè da cultura, espace culturel et théâtre situé à Fuldera (CH). Il est depuis 2015, membre du comité de la KTV / ATP, association d’intérêts de portée nationale, active dans le domaine des arts du spectacle. Il met en scène de nombreuses pièces parmi celles-ci: Alice im Wunderland (2012), Warwankutta (2013) au Circolino Pipistrello/Rikon (CH), Das Leben ist ein Heimweg (2012)-Olten (CH), Huhnsinn (2012) avec la Compagnie Rosa Canina (Lenzburg/freiburg). Milchbüechlirächnig (2015). Grenzwertig (2016). Leonce et Lena - Flucht ins Paradies (2016) à l’Atelierschule de Zürich, Der gute Doktor (2016) à l’Amvietheater Bad Waldsee, Stille Kracht (de 2012 à 2018) au Casino Theater Winterthur. En tant que comédien, il participe à plusieurs projets en 2017 et 2018: Die Verknotete Prinzessin, Pinocchio und die blaue Fee et Vol/ daneben avec la Companie Voland & Kunstdüng.

Né en 1974, Jérôme Richer vit et travaille à Genève. A partir de 1992, il poursuit des études universitaires en droit avec, à la clef, un diplôme en histoire du droit, des faits sociaux et des institutions et un mémoire sur Le théâtre pendant la Révolution française à Lyon. C’est dans ce cadre universitaire qu’il commence son parcours théâtral. Dans un premier temps, essentiellement comme comédien puis metteur en scène. En 1999, il arrête totalement cette activité pour devenir éducateur spécialisé avec des personnes mentalement handicapées. En 2005, il décide de revenir au théâtre comme auteur et metteur en scène. Il fonde sa propre compagnie et présente un premier spectacle au Théâtre de l’Usine à Genève, inspiré de textes de Pier Paolo Pasolini. Il alterne alors la mise en scène de ses propres textes et de ceux d’autres auteurs.

En tant qu’auteur, il reçoit deux fois le Prix de la Société suisse des auteurs (SSA) pour ses pièces : Naissance de la violence (2006) et Écorces (2008). Il est lauréat d’une bourse littéraire de Pro Helvetia, fondation suisse pour la culture, en 2010, et d’une autre de Beaumarchais-SACD en 2011. Il est en résidence d’écriture à la Comédie de Genève au cours de la saison 2009-2010 et à la Maison des auteurs du Festival des Francophonies à Limoges en 2012.

Ses pièces sont représentées en Suisse, en France, en Belgique et au Luxembourg. Depuis 2009, il est en résidence en tant qu’auteur et metteur en scène à Saint Gervais Genève Le Théâtre. Il est publié en français aux éditions Campiche et Aina. En 2011, il fonde avec quatre autres auteurs de théâtre suisse romand le collectif Nous sommes vivants, actif en Suisse et en France.

Après toute une suite de petits boulots, la rencontre avec l’improvisation théâtrale a ouvert à Jérôme Sire un nouveau champ de perspective : le plaisir de la scène et l’extraction sans douleur de soi. Le partage d’imaginaire et la construction avec l’autre d’une chose inutile et éphémère certes mais oh combien réjouissante, une histoire. Et par cette histoire, de notre vision du monde. Parfaire ce plaisir a depuis lors été son but. Il l’a conduit dans des théâtres amateurs puis dans une école professionnelle, et le mène joyeusement de rencontres en réflexions et en spectacles. Pourvu que ça dure.

Karo, artiste visuelle formée aux arts graphiques et à la narration, vit et travaille à Bruxelles depuis 15 ans. Dans son atelier, situé aux abords du canal Bruxelles-Charleroi, elle tisse une démarche artistique et crée des univers visuels pour de nombreux projets allant de la création d’identités graphiques à la peinture murale, en passant par la conception de livres et de spectacles illustrés. Tout dans le travail de Karo part d’une vision qui l’habite depuis toute petite : la part de Beauté et de poésie du réel, décelable en toutes  choses et qu’elle tente de transmettre au mieux par différents médiums. Ce qui lui importe - par son travail de peinture, d’écriture, de dessin - c’est avant tout de transmettre un émerveillement et, ce faisant, créer du lien avec toute personne qui reçoit son travail. Cette dimension profonde, de partage et de lien, fait également échos à son autre activité, enseignante de yoga.

Latifa Djerbi est autrice, comédienne, performeuse et porteuse de projet pour Les Faiseurs de Rêves. Ses pièces piétinent les bons sentiments et dynamitent les faux-semblants. Ruant joyeusement dans les brancards, elle place dans la bouche de ses personnages des vérités sans fard. Des réalités conventionnellement tues, que sa position de Franco-Suisso-Tunisienne lui permet d’exprimer en toute légitimité. Sa pièce La danse des affranchies éditée chez Lansman est traduite et éditée en allemand et en roumain et a été présentée au Maxi Gorki Theater fin 2022. Militants, ses textes n’en sont pas moins intimes. Jouant de l’autodérision comme de l’autofiction, ils se fraient un chemin émouvant et singulier vers les questions universelles de l’identité et de la liberté. Parallèlement elle s’initie depuis 2016 au théâtre urbain accompagnée du regard sans complaisance de Jacques Livchine.

Né en 1993 à Sion, Lionel Fournier se forme au métier de comédien à l’École des Enfants Terribles à Paris, dont il ressort diplômé en juin 2018. En août 2016, il assiste à la mise en scène du spectacle chorégraphique Einstein (Boll & Roche Compagnie), et reprend un rôle dans ce même spectacle lors de la tournée 2018. 

En 2017, il fonde la Compagnie Étéya. En 2019-2020, il assiste à la mise en scène d’Ivanov (Compagnie l’Éternel Été, France). Son premier texte : 12, Rue du Paradis (Compagnie Étéya) est créé en octobre 2019 dans la programmation du Théâtre du Crochetan à Monthey. En mai 2020, il est accueilli durant quatre semaines en résidence d’écriture aux Maisons Mainou à Genève, résidence pour laquelle il reçoit une bourse de la SSA. En 2020, il est lauréat de l’appel à projets de la RTS et de la SSA : De la scène à l’écran pour recréer 12, Rue du Paradis dans une version audiovisuelle. En 2021, il jouera dans Fantasia (Compagnie l’Éternel Été - Le Lucernaire, Paris) ; il sera assistant à la mise en scène pour Le Puits (Boll & Roche Compagnie - Petithéâtre de Sion / TLH-Sierre) ; et il jouera dans Gabriella 1842 (Compagnie du 17 juin - Belle Usine de Fully). En novembre 2021, il créera Ophélie au bord de l’eau (Compagnie Étéya) au Hik et Nunk Festival à Monthey.

Diplômé de l’École Serge Martin en 2014, Lorin Kopp joue dans Clowneries, reprise d’un spectacle de clown mis en scène par Jean-Claude Blanc, créé pendant ses études. Très vite, il travaille pour la création d’un spectacle dédié aux enfants, Cyranino, porté par Laurie Comtesse et Coralie Garcia. Par la suite, il se voit attribuer un rôle sous la direction de Muriel Matile dans La Paix perpétuelle, joué notamment à La Chaux-de-Fonds. Son attrait pour les marionnettes l’amène à se produire dans Le Roi tout nu au TMG, mis en scène par Isabelle Matter en 2015, et repris l’année suivante. On a pu le voir également dans Sirènes, création de la Compagnie Balor dirigée par Nadège Guenot.

Marjolaine Minot, née à Paris en 1978, est auteure, comédienne, metteuse en scène et professeure en théâtre de mouvement. Elle grandit dans une famille de danseuses et de musiciens, mais s’oriente plutôt d’abord vers les arts plastiques, et elle écrit. En 2000, elle écrit un premier roman épistolaire : Je ne te laisse qu’une enveloppe. 

Elle commence sa formation de comédienne à Paris en 2001, entre art clownesque et art dramatique. Son goût pour le mariage tragédie/comédie ne la quittera plus. En 2004, Marjolaine s’installe en Suisse pour suivre la formation professionnelle de la Haute Ecole de Théâtre de Mouvement : la Scuola Teatro Dimitri. Elle est diplômée en 2007 et gagne le prix SUPSI pour son travail de diplôme. Elle poursuit avec une formation Master en partenariat avec les hautes Ecoles de Théâtre de Zürich (Zürcher Hochschule der Künste) et de Berne (Hochschule der Künste Bern) et gagne le Prix d’Etude Migros.

Marjolaine Minot a pu développer son propre langage et avance à la frontière des genres. Elle est l’auteure et l’interprète de plusieurs pièces : J’aime pas l’bonheur, seule en scène joué une centaine de fois depuis 2013 en français et en allemand, La 4e Personne du Singulier, duo de théâtre chorégraphique mis en scène par Philippe Minella, ou encore Hang Up, qu’elle met en scène et coécrit avec la compagnie Les Diptik.

Marjolaine enseigne le Théâtre de Mouvement. D’août 2016 à juin 2017, elle accompagne notamment, la 3ème année du CCN (Théâtre du Pommier à Neuchâtel) puis écrira et mettra en scène, sur la base d’improvisations des élèves, la pièce de théâtre poétique et absurde : En attendant Robert. En 2016, Marjolaine crée la Minotte, compagnie qui deviendra, en septembre 2017, la compagnie Marjolaine Minot. Elle créé Je suis la femme de ma vie en mai 2018 au Théâtre Nuithonie à Fribourg.

Mathieu Fernandez est diplômé de l’École Serge Martin. Il a également suivi divers stages de masques, de clown et de pantomime. Au théâtre, on a pu le découvrir ces dernières années dans L’invisible chemin (texte et mise en scène de Sarah Marcuse), Celle qui n’est pas maudite (qu’il a collaboré à écrire avec Jérémie Nicolet), et Les Chronoclowns au Théâtre Waouw (Aigle), au Teatro Comico (Sion), et à L’Étincelle.

Mathilde Soutter est musicienne et comédienne, diplômée de l’École Serge Martin en 2016. Elle a joué de nombreuses pièces et est convoitée par de nombreuses compagnies telles que les Arpenteurs ou le Théâtre Spirale. Elle a collaboré étroitement avec Steven Matthews pour la mise en scène de Conte un Jean et elle a coécrit le spectacle Tu comprendras quand tu seras grand au TMG dans lequel elle jouait également.

Maud Faucherre a suivi des études de théâtre à l’École Serge Martin. Elle a également suivi des cours de danse avec Noemi Lapzeson, de chant avec Frédéric Gindraux, de marionnettes avec Neville Tranter et une formation de clown en hôpital avec la Fondation Théodora. Ces dernières années, on a pu la voir sur les planches dans Juste après ou juste avant de la Compagnie 100% Acrylique et dans Maybe - une vie de Sarah Marcuse.

Mirko Verdesca finit sa formation de comédien à l’École Serge Martin en juin 2014. Il joue dans Les 39 marches, Feydeau à Moto et La Starteupe de la Compagnie Confiture, dirigée par Philippe Cohen et Gaspard Boesch, Brasserie de Koffi Kwahulé et Lysistrata d’après Aristophane avec Le Collectif Puck, qui regroupe des artistes français, suisses et belges. Il joue dans Un thé à Tanger de Tahar Ben Jelloun et La Parfumerie de Miklos Laszlo, deux mises en scène de Michel Favre, respectivement au Théâtre Le Crève-Coeur et au Théâtre Alchimie. Il joue dans une mise en scène de Christian Gregori, Néfertiti et Grominet de Jean-Pierre Althaus au Théâtre Montreux Riviera. Également pianiste, il a suivi des cours de piano au Conservatoire de musique de Genève et à l’EJMA.

Formée à l’Académie-Théâtrale Françoise Danell-Pierre Debauche à Agen, et au CNSAD, Pauline Ribat est actrice, autrice et metteuse en scène. Elle jouera dans Kairos et Et puis s’éteint de Nicolas Kerszenbaum prochainement. Son premier texte Depuis l’aube (ode aux clitoris) – soutenu par la Chartreuse-CNES – est repéré en Avignon-Off 2017. La presse – unanime – salue l’audace de ce geste artistique ; après plus de soixante représentations, le spectacle sera repris à Paris en 22/23. En janvier 2015, elle co-écrit avec le collectif Traverse Pavillon Noir, un spectacle du collectif OS’O. Associé au CDN de Vire jusqu’en 2023, le collectif prépare sa nouvelle création. 

Actrice, autrice, Pauline Ribat s’affirme comme metteuse en scène. En 2015, elle signe avec Grégoire Callies Hors de moi (d’après des textes de Toon Tellegen) et Joséphine Serre lui confie la collaboration à la mise en scène de Amer M. ainsi que celle de Data Mossoul (Théâtre National de la Colline – 2019). En novembre 2019, elle signe son deuxième projet d’écriture et de mise en scène : Dans les cordes qui sera repris en 22/23 (Théâtre 13 …). Tout commence toujours par une histoire d’amour (soliloque autour d’une disparition) sera créé en mars 2022 à Château-Rouge – scène conventionnée d’Annemasse – où elle sera artiste-associée.

Après avoir travaillé en crèches pendant plusieurs années, Steven Matthews se lance en 2011 dans des études de théâtre à l’École Serge Martin, d’où il sort diplômé trois ans plus tard. Il joue dans de nombreux spectacles, collabore notamment avec la Compagnie Confiture, le Théâtre Spirale, la Compagnie Lesarts et la Compagnie Zikids. En 2016, il fonde la Compagnie Don’t Stop Me Now et reçoit une bourse de la Ville de Genève pour le spectacle La princesse EST le chevalier, créé en 2018 au Théâtre La Parfumerie, un succès repris en 2019. La même année, il crée au Théâtre des Marionnettes de Genève un second spectacle pour enfants, Tu comprendras quand tu seras grand, salué par le public et la presse, notamment par Cécile Dalla Torre dans Le Courrier : « Un spectacle créatif et survitaminé, intense et plein de rebondissements. » Au cinéma, Steven Matthews incarne Fritz Joss dans le film de Jacob Berger Un juif pour l’exemple, et se produit également dans La preuve scientifique de l’existence de Dieu de Fred Baillif.

Née en 1978 à Genève. Stéfanie Lang parle le français avec un accent italien, l’italien avec un accent espagnol, l’espagnol avec un accent allemand et l’allemand avec un accent français. Elle étudie le piano et le chant à Genève. Sa formation d’enseignante en poche, elle change de direction professionnelle et étudie le théâtre de mouvement à la Scuola Teatro Dimitri (2006). Pour compléter sa formation, elle va étudier le clown à Paris chez Philippe Gaulier, en 2013. En 2006 elle fonde le duo luna-tic avec Judith Bach et tourne avec une centaine de spectacle par année en Suisse, France et Allemagne.

En parallèle au duo luna-tic, elle participe à d’autres projets tels que les commedia dell’arte David et Goliath et Luciferino dans le cadre du Festival Origen aux Grisons, elle joue dans Privatsphäre avec la compagnie Zapzarap, la pièce Stück für Stück pour laquelle elle écrit un monologue, et Blanche-Neige avec la Cie Eisenbarth. Quand elle n’est pas sur scène, elle a une vie toute normale, avec des courses à faire, des plats à cuisiner et des listes to do assez longues.

Depuis 2008, Valerio Fassari accompagne la Compagnia Baccalà (Simone Fassari et Camilla Pessi) en tant que collaborateur artistique, metteur en scène et responsable technique. Ils reçoivent le Prix de la Scène Suisse en 2016. En 2018, il signe la mise en scène de leur nouvelle production, avec laquelle la compagnie tourne encore actuellement. Né en Sicile en 1967, il a commencé sa vie artistique en tant que saxophoniste au théâtre. Au milieu des années 1990, il développe ses compétences théâtrales dans une compagnie de théâtre de rue, puis il étudie le théâtre physique avec Yves le Breton, Pantakin, James Slowiak et Jairo Cuesta. Le travail de clown l’a alors particulièrement intéressé. Il s’est produit en solo, en duo et avec de nombreuses compagnies avant de prendre la direction du Teatro Club de Catane (Sicile) avec Paola Greco, créant une compagnie résidente et organisant de multiples festivals et ateliers.

Verena Lopes a suivi des études de théâtre à l’École Serge Martin. Elle a également suivi divers stages de jeu avec Benjamin Knobil, Brigitte Jaques-Wajeman, Mario Konstantin Bucciarelli et Marthe Keller. Récemment, on a pu la voir sur scène dans Heteroclite buffer-memory de Lefki Papachrysostomou, If … une odyssée verte de Domenico Carli par Chantal Bianchi et Girls & Boys (reporté) de Denis Kelly dans une mise en scène de Bastien Blanchard. (Photographie © Droits réservés)

Auteur et dramaturge, Yann Verburgh collabore régulièrement avec le metteur en scène roumain Eugen Jebeleanu, avec qui il fonde deux compagnies, la Cie 28 en Roumanie, et la Cie des Ogres en France. Il est accueilli en résidence d’écriture à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, au Moulin du Marais de Lezay, au Festival Univers des mots à Conakry en Guinée, participe à des rencontres internationales d’auteurs à la Salla Becket de Barcelone, au Festival Interplay Europe en Suède et en Lettonie, avec le soutien de la SACD.

Ses pièces sont publiées chez Quartett Editions et aux Solitaires Intempestifs, traduites en anglais, roumain, turc, arabe et catalan, lues à la Comédie Française, mises en ondes sur France Culture, distinguées par de nombreux prix et bourses, sont adaptées en opéra et sont jouées en France et en Roumanie : CDN de Valence, CDN de Caen, CDN de Béthune, Théâtre Ouvert, Tinel de la Chartreuse, Réseau des ATP, Espace 1789 à St Ouen, Théâtre de Vanves, Théâtre de la Ville de Bucarest, Théâtre Gong de Sibiu, etc.

Yann Verburgh est membre du collectif d’autrices et d’auteurs Traverse, fondé à la Chartreuse, avec Adrien Cornaggia, Riad Gahmi, Kevin Keiss, Julie Ménard et Pauline Ribat. Collectif avec lequel il répond à plusieurs commandes d’écritures, dont Pavillon Noir, création du Collectif Os’o. Cette saison, il répond à des commandes d’écritures pour les CDN de Caen et de Béthune et intègre, en formation continue, l’Atelier scénario de la Fémis - École nationale supérieure des métiers de l’image et du son - où il développe l’écriture de son premier scénario de long-métrage.

Anna Lemonaki est née à Athènes en 1982. Sociologue, metteur en scène, comédienne, elle obtient son Master en sociologie à l’Université de Fribourg (2010). En 2010, elle intègre l’école professionnelle de théâtre Serge Martin. Elle travaille avec Susan Batson à Interkunst (Berlin, 2014 et 2017). Elle fonde la compagnie Bleu en Haut bleu en Bas (2015) et met en scène Bleu (2016), P.E.T.U.L.A. bye bye (2017). Lauréate de la bourse d’aide à la création pour la recherche et l’écriture de Fuchsia saignant, elle est résidente au Théâtre Saint-Gervais (2015-2017) et au Flux Laboratory (2017-2018).  À L’Arc, elle entame une recherche autour de son nouveau projet. Fuchsia saignant est un projet de création théâtrale et chorégraphique contemporaine, fragmentée en unités, une création qui se sert de différents médiums (texte, danse, installation, musique, son, performance). Il s’agit d’un docu-fiction qui met en parallèle les passions amoureuses et ses dérives avec les volcans et le contexte géophysique de l’Islande. Elle écrit et met en scène Blanc du 5 au 17 mai 2020 au Grütli, projet pour lequel elle était résidente aux Maisons Mainou.

Après l’école Serge Martin à Genève et le conservatoire de Genève, Claire Forclaz fonde la compagnie Hyper Super en 2014 et trois spectacles voient le jour : HS/MACHINE, un projet collectif pluridisciplinaire créé au Théâtre de l’Usine, Delta du doute et Racine carrée qu’elle écrit, met en scène et interprète. Avec la poésie sonore et un travail de voix original détaché d’une esthétique du beau, elle ouvre des espaces de liberté dans un monde qui la tient serrée entre la vie et le reste. Elle utilise les fausses notes comme matière pour parler du doute et de l’incertitude. 

En tant qu’interprète, Claire passe par le Cabaret Palais Mascotte, le théâtre masqué avec Les Contes Abracadabrants mis en scène par Sylviane Tille, Les Aventures de Nathalie Nicole Nicole mis en scène par Camille Giacobino, How are you de Lucile Carré. Elle a également une expérience de performeuse. De 2018 à 2020, elle endosse le rôle d’assistante à la mise en scène dans la trilogie d’Anna Lemonaki : Bleu - Fuchsia Saignant - Blanc. Elle est dramaturge et metteure en scène sur Release Candidate de Jérémy Chevalier au festival GOGOGO au Grütli.

Dario Rodriguez est né en 1991 à La Havane et a grandi à Zurich. Il a étudié la philologie espagnole et allemande à l’Université de Bâle. Tout au long de ses études, il s’est focalisé sur la traduction de façon théorique et pratique. Pendant cette période, il faisait partie du Théâtre de l’Université de Bâle et il était également membre du collectif de théâtre Prinzip. En 2019, avec Elisa Chaim, il a organisé et contribué à la création des Tertulias Artisticas, qui encouragent les échanges culturels entre l’Amérique latine et Bâle. Il a notamment traduit en allemand des poèmes de l’écrivain chilien Waldo Rojas. Au printemps 2020, il a édité le texte manuscrit et mis en scène avec Elisa Chaim : Edipo im Nirgendwo de Raoul Ruiz au Wildt’sches Haus de Bâle. Il a été également chargé de la traduction et du surtitrage allemand. L’édition espagnole et l’adaptation de la pièce de Raoul Ruiz sera publiée par la Maison d’édition Overol (Chili) en 2021. Avec Elisa Chaim, il crée la série théâtrale : Teatro para Una qui est constituée de petites pièces de théâtre pour un.e seul.e spectateur.ice. Le spectacle initialement prévu pour décembre 2020 au Synaps-Kunst im freien Fall Plattform au Humbug (Bâle) a été reporté à 2021.

Diego Aguirre Diaz est compositeur, guitariste et improvisateur musical et a étudié la composition à l’Université du Chili. En 2000 et 2010, il a intégré le groupe Mediabanda, avec lequel il a enregistré trois albums. Il est cofondateur du projet TarabusT, axé sur la recherche sonore, l’improvisation et la musique expérimentale. En 2010, il a créé son propre groupe DAZ, qui explore le lien entre musique (jazz avant-garde) et poésie. Il a publié les albums : Esa puerta (2011), Autos de Mar (2013), Vivir dentro de esta música (2014), Alebrijes (2015), Llamin (2016), Arbot de zapatos (2017), Django Jara (2020). Il a fait le master d’improvisation à Bâle avec Fred Frith et Alfred Zimmerlin. Il travaille depuis longtemps en tant que compositeur pour divers projets théâtraux et audiovisuels.

Elisa Chaim vient du Mexique et du Chili. Elle est metteuse en scène, dramaturge et poète. Elle a étudié la philosophie à Valparaiso (Chili) et elle a achevé un Master en Littérature Comparée et un Master en Théâtre et Autres Arts à l’Université Sorbonne Nouvelle Paris 3 et à l’École Normale supérieure de Paris. Elle a été boursière de la Fondation Pablo Neruda au Chili pour l’écriture des poèmes en 2010 à Valparaiso et en 2013 à Santiago de Chile. Ses poèmes ont été lauréats au Premios Municipales Gabriela Mistral au Chili. Elle a publié des textes dans l’anthologie Entrada en Materia (2014), la revue Pensar&Poetizar (2018) et dans la revue Point de Chute (2020). Elle a obtenu une bourse d’écriture dramatique du gouvernement chilien (Fondart, 2016) pour la pièce Hacer Techo. En 2013, elle écrit et met en scène le spectacle de rue Insomnio urbano avec l’artiste Claudia Vergara à Santiago de Chile. En 2017, elle met en scène La Statue (La Estatua), la première pièce de théâtre écrite par Raoul Ruiz qui demeurait sous forme de manuscrits inédits. Le spectacle a été joué au Teatro del Puente et au Centro Cultural de Valparaiso, au Chili. En 2020, elle met en scène et adapte avec Dario Rodriguez Edipo im Nirgendwo Oder En la Tierra de Nadie, une autre pièce de théâtre inédite de Raoul Ruiz (Edipo Hiperboreo). Le spectacle a été créé en février au Wildt’sches Haus à Bâle, en Suisse. Actuellement, elle enseigne la littérature latino-américaine à l’Université de Bâle, en Suisse et, en parallèle, elle développe une thèse de doctorat sur le Théâtre situé.

Latifa Djerbi est autrice, comédienne, performeuse et porteuse de projet pour Les Faiseurs de Rêves. Ses pièces piétinent les bons sentiments et dynamitent les faux-semblants. Ruant joyeusement dans les brancards, elle place dans la bouche de ses personnages des vérités sans fard. Des réalités conventionnellement tues, que sa position de Franco-Suisso-Tunisienne lui permet d’exprimer en toute légitimité. Sa pièce La danse des affranchies éditée chez Lansman est traduite et éditée en allemand et en roumain et a été présentée au Maxi Gorki Theater fin 2022. Militants, ses textes n’en sont pas moins intimes. Jouant de l’autodérision comme de l’autofiction, ils se fraient un chemin émouvant et singulier vers les questions universelles de l’identité et de la liberté. Parallèlement elle s’initie depuis 2016 au théâtre urbain accompagnée du regard sans complaisance de Jacques Livchine.

Layla Hasan Shlonsky étudie la Philosophie et l’Histoire à l’Université de Genève. Elle se tourne ensuite vers le théâtre et sort diplômée du Cours Florent en décembre 2018. Dans le cadre de sa formation, elle écrit son premier texte Le Nez. C’est l’interprétation de ce monologue qui lui permettra d’être retenue parmi les trente dernières candidates du prestigieux Conservatoire d’Art Dramatique de Paris en 2017. En 2018, de retour à Genève, elle est choisie comme récitante du poème Ismène (version 2) de Yannis Ritsos (adaptation de Valérie Six), composé par Javier Munoz et orchestré par Pierre Bleuse, cette lecture est enregistrée et jouée au Studio Ansermet de la RTS à Genève avec le Geneva Camerata et l’Orchestre de la Haute Ecole de Musique de Genève. En mars 2019, elle participe à un stage de Julien Georges sur l’auteur Joël Pommerat. En septembre 2019, elle commence à écrire Les Interprètes. Elle poursuit l’écriture de sa pièce lors d’une résidence d’écriture en avril 2020 aux Maisons Mainou. En août 2020, elle fonde avec Pablo Burnand la Compagnie des Onomatopées.

Né en 1993 à Sion, Lionel Fournier se forme au métier de comédien à l’École des Enfants Terribles à Paris, dont il ressort diplômé en juin 2018. En août 2016, il assiste à la mise en scène du spectacle chorégraphique Einstein (Boll & Roche Compagnie), et reprend un rôle dans ce même spectacle lors de la tournée 2018. 

En 2017, il fonde la Compagnie Étéya. En 2019-2020, il assiste à la mise en scène d’Ivanov (Compagnie l’Éternel Été, France). Son premier texte : 12, Rue du Paradis (Compagnie Étéya) est créé en octobre 2019 dans la programmation du Théâtre du Crochetan à Monthey. En mai 2020, il est accueilli durant quatre semaines en résidence d’écriture aux Maisons Mainou à Genève, résidence pour laquelle il reçoit une bourse de la SSA. En 2020, il est lauréat de l’appel à projets de la RTS et de la SSA : De la scène à l’écran pour recréer 12, Rue du Paradis dans une version audiovisuelle. En 2021, il jouera dans Fantasia (Compagnie l’Éternel Été - Le Lucernaire, Paris) ; il sera assistant à la mise en scène pour Le Puits (Boll & Roche Compagnie - Petithéâtre de Sion / TLH-Sierre) ; et il jouera dans Gabriella 1842 (Compagnie du 17 juin - Belle Usine de Fully). En novembre 2021, il créera Ophélie au bord de l’eau (Compagnie Étéya) au Hik et Nunk Festival à Monthey.

Née en 1962, elle vit et travaille actuellement à Zurich et Berne. Elle a suivi une formation d’actrice de théâtre et de cinéma. En 1987, elle cofonde le Théâtre Club 111 à Berne et obtient en 1996 la bourse de la Fondation Bürgi-Willert. Elle suit également une formation continue à l’École internationale de la voix humaine en République tchèque. En 1998, elle est membre de l’Ensemble avec Ida Kelarova, à Prague. Depuis 1999, elle travaille en tant qu’actrice, oratrice et chanteuse indépendante. En 2005, elle fonde la compagnie de théâtre Label Beiruth, à Zurich, puis, en 2006, cofonde la société de réseau So&Go Gmbh avec Martin Guggisberg. Depuis 2007, elle est chargée de cours en tant que formatrice en communication dans les Hautes Écoles Spécialisées de Berne et de Zurich. De 2015 à 2019, elle suit les cours de maître à Berlin avec Susan Batson. En 2015, elle tient le rôle principal dans le long métrage Usgrachnet Gahwilers, qui remporte le Prix du Cinéma à Zurich. En 2020/21, elle collabore avec Anna Lemonaki sur le projet Blanc à Genève.

Samuel Schmidiger joue dans plusieurs groupes de rock’n’roll et travaille comme musicien pour le théâtre contemporain. Titulaire d’un Master en sciences politiques et en écologie, il a travaillé dans le domaine de l’ingénierie sociale et de la mobilité douce. Il vit à Genève. Il a une formation de violoncelliste classique et a appris la guitare et la basse en autodidacte. Membre de plusieurs groupes, il a organisé des concerts dans différents lieux depuis la fin des années 90. 

Ces dernières années, il joue principalement comme bassiste avec The Jackets, un groupe de garage punk bernois qui parcourt l’Europe depuis 2008. En tant que compositeur et performeur sonore, il collabore actuellement avec la compagnie Bleu en Haut, Bleu en Bas à Genève. Samuel Schmidiger porte un intérêt particulier à l’exploration et au développement de l’énergie et de la puissance originelle du blues et du rock, à leur transposition dans des performances live afin de créer une expérience intense et partagée entre le performeur et le public. En matière de pratique artistique, il aime explorer des formes de collaborations interdisciplinaires.

Auteur et dramaturge, Yann Verburgh collabore régulièrement avec le metteur en scène roumain Eugen Jebeleanu, avec qui il fonde deux compagnies, la Cie 28 en Roumanie, et la Cie des Ogres en France. Il est accueilli en résidence d’écriture à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, au Moulin du Marais de Lezay, au Festival Univers des mots à Conakry en Guinée, participe à des rencontres internationales d’auteurs à la Salla Becket de Barcelone, au Festival Interplay Europe en Suède et en Lettonie, avec le soutien de la SACD.

Ses pièces sont publiées chez Quartett Editions et aux Solitaires Intempestifs, traduites en anglais, roumain, turc, arabe et catalan, lues à la Comédie Française, mises en ondes sur France Culture, distinguées par de nombreux prix et bourses, sont adaptées en opéra et sont jouées en France et en Roumanie : CDN de Valence, CDN de Caen, CDN de Béthune, Théâtre Ouvert, Tinel de la Chartreuse, Réseau des ATP, Espace 1789 à St Ouen, Théâtre de Vanves, Théâtre de la Ville de Bucarest, Théâtre Gong de Sibiu, etc.

Yann Verburgh est membre du collectif d’autrices et d’auteurs Traverse, fondé à la Chartreuse, avec Adrien Cornaggia, Riad Gahmi, Kevin Keiss, Julie Ménard et Pauline Ribat. Collectif avec lequel il répond à plusieurs commandes d’écritures, dont Pavillon Noir, création du Collectif Os’o. Cette saison, il répond à des commandes d’écritures pour les CDN de Caen et de Béthune et intègre, en formation continue, l’Atelier scénario de la Fémis - École nationale supérieure des métiers de l’image et du son - où il développe l’écriture de son premier scénario de long-métrage.

Anna Lemonaki est née à Athènes en 1982. Sociologue, metteur en scène, comédienne, elle obtient son Master en sociologie à l’Université de Fribourg (2010). En 2010, elle intègre l’école professionnelle de théâtre Serge Martin. Elle travaille avec Susan Batson à Interkunst (Berlin, 2014 et 2017). Elle fonde la compagnie Bleu en Haut bleu en Bas (2015) et met en scène Bleu (2016), P.E.T.U.L.A. bye bye (2017). Lauréate de la bourse d’aide à la création pour la recherche et l’écriture de Fuchsia saignant, elle est résidente au Théâtre Saint-Gervais (2015-2017) et au Flux Laboratory (2017-2018).  À L’Arc, elle entame une recherche autour de son nouveau projet. Fuchsia saignant est un projet de création théâtrale et chorégraphique contemporaine, fragmentée en unités, une création qui se sert de différents médiums (texte, danse, installation, musique, son, performance). Il s’agit d’un docu-fiction qui met en parallèle les passions amoureuses et ses dérives avec les volcans et le contexte géophysique de l’Islande. Elle écrit et met en scène Blanc du 5 au 17 mai 2020 au Grütli, projet pour lequel elle était résidente aux Maisons Mainou.

Anne-Shlomit Deonna obtient son diplôme de l’École Supérieure d’Art Dramatique de Genève en 2000, puis un certificat de dramaturgie à l’Université de Lausanne en 2009. Elle a joué dans de nombreuses productions variées, aussi bien classiques que contemporaines : Claudel, Strindberg, Marlowe, Goethe, Albee, Novarina, Py, DeLillo, Koltès, Frisch.

Elle a travaillé avec des metteurs et metteuses en scène de divers horizons : Richard Vachoux, Jean Liermier, Valentin Rossier, Victor Gauthier-Martin, Andrea Novicov, Anna Van Brée, Julien George, Denis Maillefer, Valentine Sergo, Anne-Cécile Moser, Jo Boegli. En parallèle, elle développe une activité de dramaturge et de collaboratrice artistique avec Jérôme Richer, Valentine Sergo, Dorothée Thébert, Filippo Filiger et la Cie des Moteurs Multiples. Elle participe aux projets de la compagnie Clair-Obscur depuis ses débuts.

Diplômé de l’Université de Poitiers (Master professionnel Dramaturgie et Mise en scène) et de l’Université Sorbonne Nouvelle - Paris 3 (Master recherche Études théâtrales), il débute en Belgique auprès de Jacques Delcuvellerie et Claude Schmitz, en tant qu’assistant et comédien sur les spectacles Un Uomo dimena et Mary mother of Frankestein (le Groupov).

Puis, il travaille comme assistant à la mise en scène avec Sophie Lecarpentier sur Les 3 folles journées (compagnie Eulalie), avec Yan Allegret sur la reprise de Neiges, Le Kojiki et sur le projet de création permanente La Collecte de rêves (Cie & (So) Weiter). En 2013, il devient l’assistant de Stanislas Nordey pour Par les villages de Peter Handke, dans la Cour d’honneur du Palais des papes du Festival d’Avignon 2013, pour Lucia di Lammermoor de Donizetti mis en scène à l’Opéra de Lille et pour la dernière création, Affabulazione de Pier Paolo Pasolini en mars 2015 Vidy-Lausanne.

En parallèle de ces activités, depuis 2010, il travaille pour le Festival d’Automne à Paris en tant que médiateur culturel et intervient dans les lycées : il a notamment mis en place une plateforme d’écriture pour que les jeunes puissent s’exprimer et échanger sur les représentations auxquelles ils assistent. Eté 2015, il a fait parti de l’International Community Arts Academy (ICAA), un groupe de réflexion sur la participation d’amateurs dans les opéras, groupe mis en place par le Berliner Philharmoniker, London Symphony Orchestra et le Festival d’Aix en Provence autour du projet The Monster in the Maze, livret de Jonathan Dove et conduit par Sir Simon Rattle. 

Il créé sa compagnie La Nuit te soupire, basée à Poitiers, et met en place un atelier de réflexion sur la médiation culturelle, en partenariat de Scènes de territoire à Bressuire. Et créé le Label Jeunes textes en liberté, label qui promeut l’écriture contemporaine et la diversité sur les plateaux de théâtre, qui propose des lectures entre Paris, l’Île-de-France et la Nouvelle Aquitaine, dans les théâtres et à l’extérieur des institutions (www.jeunestextesenliberte.fr) Pour ce projet, il est lauréat 2016 de la Bourse Déclic Jeunes de la Fondation de France.

En 2017, Anthony Thibault met en scène La loi de la gravité d’Olivier Sylvestre. Ce texte publié depuis aux éditions Passage(s), a été sélectionné par le Label Jeunes textes en liberté, par le comité du Tarmac, la Mousson d’hiver, et a été primé par Artcena - Aide à la création. Une version mobile a été présentée à La Loge à Paris en mars 2017. La version plateau a été créée au Festival des Francophonies de Limoges le 21 septembre 2017.

Charlotte Riondel naît en 1987 dans le Jura. Elle obtient une maturité gymnasiale en théâtre en 2006 et quitte la Suisse pour faire un Bachelor en dramaturgie et mise en scène à l’Université Laval de Québec. Dès son retour en Suisse, elle enseigne le théâtre à l’école de culture générale et au Lycée de Porrentruy et créé plusieurs spectacles avec différents publics: enfants, adolescents en situation de handicap et jeunes adultes. 

En 2013, elle entre à l’école de théâtre Serge Martin et joue pour Serge Martin, Evelyne Castellino, Joan Mompart, Dorian Rossel et Camille Giacobino. En parallèle, elle ouvre et coordonne, avec d’autres artistes, le STAMM STUDIO, un espace de résidences artistiques interdisciplinaire à Porrentruy. Elle met en scène Cantes Urbains, à partir de textes du dramaturge québécois Yvan Bienvenue, un spectacle itinérant repris à la Plage des Six Pompes en 2017, Le Fil, une création autour des figures mythologique des Moires dans le cadre du festival Contes & Cie et co créé Sanguines avec la Cie Neurone Moteur pour les Midi, Théâtre! 16-17. En 2018, elle assiste Christian Geffroy-Schlittler pour le spectacle La Folie Lear de Serge Martin, au théâtre de Vidy-Lausanne et à la Comédie de Genève. Elle travaille actuellement à la mise en scène de Petit Gazon, la nouvelle création de la compagnie biennoise Neurone moteur.

Clea Eden et Charlotte Riondel ont fondé La Glitzer Fabrik en 2017, compagnie de théâtre installée à Genève avec laquelle elles créent actuellement le projet Matrice, spectacle programmée au Théâtre de la Parfumerie pour la saison 2020-2021.

Éclairagiste depuis 1994, Claire Firmann a fait ses débuts au Théâtre du Garage, avec le cabaret d’avant-guerre notamment. Elle compte à ce jour de très nombreuses créations lumière dans le milieu du spectacle vivant et a travaillé aux côtés de nombreux metteurs en scène tels que Didier Carrier, Pascal Berney, Geneviève Guhl, Sandra Amodio, Valentine Sergo, Claude Thébert, Gérard Guillaumat, Teatro Duo Punti, Christian Scheidt, Yvan Rihs, Juliette Ryser, Manon Hotte ou Dimitri Anzules. Elle fabrique aussi régulièrement des accessoires pour les spectacles de théâtre.

Après l’école Serge Martin à Genève et le conservatoire de Genève, Claire Forclaz fonde la compagnie Hyper Super en 2014 et trois spectacles voient le jour : HS/MACHINE, un projet collectif pluridisciplinaire créé au Théâtre de l’Usine, Delta du doute et Racine carrée qu’elle écrit, met en scène et interprète. Avec la poésie sonore et un travail de voix original détaché d’une esthétique du beau, elle ouvre des espaces de liberté dans un monde qui la tient serrée entre la vie et le reste. Elle utilise les fausses notes comme matière pour parler du doute et de l’incertitude. 

En tant qu’interprète, Claire passe par le Cabaret Palais Mascotte, le théâtre masqué avec Les Contes Abracadabrants mis en scène par Sylviane Tille, Les Aventures de Nathalie Nicole Nicole mis en scène par Camille Giacobino, How are you de Lucile Carré. Elle a également une expérience de performeuse. De 2018 à 2020, elle endosse le rôle d’assistante à la mise en scène dans la trilogie d’Anna Lemonaki : Bleu - Fuchsia Saignant - Blanc. Elle est dramaturge et metteure en scène sur Release Candidate de Jérémy Chevalier au festival GOGOGO au Grütli.

Clea Eden est née en 1992 à Genève et est une comédienne bilingue. Depuis son diplôme en 2016 à l’école de théâtre Serge Martin à Genève, elle joue avec divers metteur.euse.s en scènes en Suisse romande et alémanique.

Passionnée par l’écriture, elle coécrit et joue dans plusieurs créations pour le collectif la Compagnie Mokett, qu’elle fonde avec trois autres comédien.ne.s. Les planches ont mené Clea vers la traduction. Elle signe deux traductions françaises pour le théâtre jeune public La Grenouille, situé à Bienne.

Elle joue notamment dans le spectacle Goutte claire et la tempête mis en scène par Charlotte Huldi (théâtre La Grenouille) qui est actuellement en tournée en Suisse et en Autriche dans les deux versions linguistiques, en allemand et en français.

En 2018, elle tourne également aux côtés de Marthe Keller dans le téléfilm Dévoilées de Jacob Berger, et dans divers courts-métrages, dont La leçon de Tristan Aymon pour lequel elle reçoit le prix de la meilleure actrice dans le cadre du 24FPS Film Festival en 2016.

Parallèlement à ses 10 ans de travail au sein du Théâtre de l’Escabeau (FR), elle se forme au Conservatoire d’Orléans et aux cours du soir de Chaillot à Paris. Elle travaille durant trois ans avec des compagnies de théâtre de rue et jeune public. En 2001, elle quitte la France pour Bruxelles et étudie à l’INSAS. 

Depuis 2005, elle a travaillé avec Vincent Sornaga (Théâtre Varia), Guy Theunissen et Brigitte Bailleux (Jodoigne-Belgique), Isabelle Pousseur (Théâtre National-Bruxelles), Aurore Fattier (Théâtre Varia, Théâtre de la Balsamine-Bruxelles). Mariano Pensotti (Kunstenfestivaldesarts 2006, Bruxelles), Anne Bisang (Comédie de Genève) et Céline Bolomey (Théâtre de l’Usine, Genève). En 2005, elle tourne avec le réalisateur Thierry Binisti un court métrage pour les Talents Cannes soutenu par l’Adami. Entre temps, elle participe à l’Ecole de Maîtres orchestrée par Enrique Diaz, puis rencontre les membres du Collectif des Possédés au Nouveau Théâtre d’Angers.Elle travaille avec Agathe Chion (assistante de Christoph Schlingensief) à Berlin et joue notamment au Ballhaus Ost. En 2009 Coraline Clément rencontre le collectif De Facto et travaille à la création de Dehors avec Antoine Laubin.

Céline Bolomey s’intéresse très tôt à la scène qu’elle découvre en faisant de la danse pendant 10 ans chez Beatriz Borrajo à Lausanne. Elle anime une émission de radio culturelle et musicale sur Radio Acidule et commence le théâtre avec un spectacle de Denis Maillefer. Elle se forme en interprétation dramatique à l’INSAS à Bruxelles, d’où elle sort diplômée en 1997. Depuis elle joue dans plus de trente spectacles qui l’emmènent sur les scènes de Suisse, de France, de Belgique et dans le monde; entre autres au Festival IN d’Avignon, Festival Next Moscou, Festival Transamériques Montréal. Elle travaille pendant huit ans avec le metteur en scène bulgare Galin Stoev et fait avec lui les créations francophones du dramaturge russe Ivan Viripaev. Elle a joué sous la direction de David Bobée, Enrique Diaz, Omar Porras, Sandro Palese, Julien Basler, Anne Bisang, Brigitte Jaques, Dorian Rossel, etc …

En 2008, elle participe à l’Ecole des Maîtres avec Enrique Diaz et le Coletivo Improviso (Brésil) où elle fait la rencontre de Coraline Clément (Belgique) et avec qui elle engage une collaboration artistique. Au cinéma, elle tourne dans plusieurs long-métrages en Suisse et en France et joue notamment dans On dirait le Sud de Vincent Pluss (Prix du cinema Suisse 2003), iXième de Pierre-Yves Borgeaud et Stéphane Block (Léopard d’or vidéo 2003) et Du Bruit dans la Tête de Vincent Pluss (1er rôle), pour lequel elle reçoit le prix Shooting star à la Berlinale et le Quartz de la meilleure interprétation féminine en 2009. Elle est également juré pour divers festivals de cinéma et concours d’écriture.

Violoncelliste et passionnée de cinéma, Deborah Bombard-Golicki est une jeune compositrice de musique de films. Sa force : une véritable maîtrise de l’écriture musicale due à sa formation classique, alliant un goût et une connaissance de la scène musicale contemporaine rock, électro et indé. Ce qui lui permet une grande capacité d’ouverture, d’adaptation et de création. Diplômée du conservatoire de Paris, elle est capable de composer et de jouer de multiples instruments comme le violoncelle, la guitare, le piano et la basse. Elle a aussi en poche un diplôme de chant lyrique ainsi qu’un master de musicologie de la Sorbonne. Elle a à ce jour réalisé la musique d’une vingtaine de courts et moyens métrages, documentaires, web séries, et elle compose actuellement la musique de deux pièces de théâtre. En tant que violoncelliste, elle a joué pour Nolwenn Leroy, Élodie Frégé, Thomas Dutronc. Elle a aussi créé le VVAV Quatuor avec lequel elle a joué au Châtelet avec Loney Dear sous la direction de Yann Tiersen, à l’Olympia avec Stuck in the Sound, à la Maroquinerie avec Saint-Michel, au New Morning, etc.

Selon Deborah Bombard-Golicki, si l’on juge qu’un bon acteur est censé être capable de jouer aussi bien le rôle d’un criminel que celui d’un clown, un compositeur de musique de films doit, lui, être capable de composer dans tous les genres musicaux.

Musicienne, comédienne, Emilie Rault obtient son Master en Musique et Musicologie suite à un double cursus d’études à la Sorbonne et Colombia University (New York). Elle suit des cours d’art dramatique auprès de Jean-Laurent Cochet, Jack Garfein et Scott Williams, en passant par la Summer School de RADA à Londres. 

En 2012, elle signe sa première mise en scène : Le couronnement de Poppée (Monteverdi) qui marque son entrée sur la scène opératique. Elle assiste ensuite différent-e-s metteurs-euses en scène tels que Galin Stoev, la Compagnie 14:20, Philippe Arlaud, Alexander Polzin ou Kirsten Dehlholm, qu’elle accompagne sur des scènes nationales telles que !’Opéra National de Corée, La Monnaie de Bruxelles, le Teatro Comunale di Bologna, le Théâtre des Champs-Elysées, ou la Comédie-Française.

Parmi ses propres mises en scène figurent Roméo et Juliette (Gounod) avec l’Opéra Studio de l’Opéra National du Rhin, Pelléas et Mélisande (Debussy) avec l’ensemble Opéra 12, Faust (Gounod) avec la Cie Chorus 14, Orphée (C.W. Gluck) avec l’ensemble Orphéa, Le Barbier de Séville (Paisiello) avec Dell’Arte Opera au Rose Nagelberg Theater à New York et La Damnation de Faust (Berlioz) au Théâtre du 13e Art à Paris. Actuellement en compagnonnage avec la Compagnie 14:20, elle prépare la création de Duo pour violoncelliste seule, une pièce de Magie nouvelle dont elle signe également l’écriture.

Après une formation en art dramatique à L’ESAD, dans les classes de Georges Wod et Leyla Aubert, elle se dirige vers l’écriture et la mise en scène. Particulièrement attirée par les spectacles musicaux elle écrit et met en scène Vénus (Festival du bois de la Bâtie), Chantons sous la Psy (Café d’Edgar à Paris), La Moulinette Attitude (région PACA),et dernièrement la comédie musicale Atlantis.

Elle écrit et met en scène des contes musicaux pour enfants: Les Contes de Provence, La Cabre d’Or, La Tarasque. Pour la troupe Vivre et Chanter, elle met en scène Les Misérables, La vie parisienne et La belle Hélène/remix. Elle a également adapté de l’anglais et mis en scène Les 3 voleurs de Cardamome, Les femmes d’Ibsen. A Tahiti elle met en scène de nombreux évènements, anime une émission quotidienne de chroniques sur RFO : Le cri du lagon et écrit les paroles de l’album Paola de la chanteuse éponyme.

De retour en France elle anime Observation Satellite : reportages et critiques de spectacles sur Radio plus. Elle collabore également au Courrier de Genève pour des critiques de théâtre et de danse. A New York elle travaille pour le studio de productions musicales Huge Music. Elle écrit les paroles de l’album de Gwenola de Luze : Obsessions, un projet d’album pour Sarnia Tawil et des titres repris par des artistes suisses (Sweet People).

Elle conçoit et met en scène des spectacles éphémères, des scenarii d’événements et des Murder mysteries pour des agences évènementielles (Illico, MCI, Strastosphère, Suissanim.). Elle est l’auteur du roman policier Cavale (Editions Gallimard, Série noire).

Née en 1987, Gwendoline Soublin s’est d’abord formée en tant que scénariste à Nantes avant de prendre la route du jeu sur Paris. Fille d’ici et là, elle a grandi en voyageant beaucoup, en mélangeant souvent et aime ne pas se satisfaire des cases qui enferment. Elle a entre autres mené des ateliers d’écriture, fait de l’art-thérapie, joué sur des places de village, écrit un testament, pondu des billets, sillonné des écoles andalouses, travaillé sans paroles, mis en scène une chèvre éprise de liberté, aimé à en faire des romans, joué un peu partout et brûlé aussi, quelques fois, entre deux traversées d’océans. 

Elle est également à l’origine du collectif M’as-tu vu ? Elle a notamment écrit Swany Song (2014), aide d’encouragement du CNT, et Vert Territoire Bleu (2016), sélection par le label Jeunes Textes en Liberté (mise en espace Hakim Bah, en partenariat avec la MC93) et par le comité Le Plongeoir du Glob théâtre Bordeaux. En 2016, en résidence à la Sala Beckett à Barcelone, dans le cadre de l’Obrador d’Estiu, elle écrit une première version de Pig Boy 1986-2358, traduite en anglais/catalan. 

Elle écrit des textes pour la jeunesse : Les Monstres (2015) en résidence à la Chartreuse-CNES et lue pendant La Belle Saison; Qu’on va où? (2017), en résidence aux Maisons Mainou pour le théâtre Am Stram Gram de Genève. Elle travaille également avec des marionnettistes de l’ESNAM (Coca Life Martin 33CL - solo marionnettique pour Coline Fouilhé) et la Collective (120H). Elle anime aussi des ateliers d’écriture.

En 2017-18, elle fera partie du projet TOTEM{s) initié par la Chartreuse où elle travaillera à l’écriture de maquettes d’opéra en partenariat avec des compositeurs européens pour les Journées d’été du festival d’Avignon 2018. Elle rejoindra également l’équipe des autrices performeuses de F3, Solenn Denis, Aurore Jacob et Julie Ménard, en résidence au 104 puis en représentations à La Loge en février 2018.

Né en 1974, Jérôme Richer vit et travaille à Genève. A partir de 1992, il poursuit des études universitaires en droit avec, à la clef, un diplôme en histoire du droit, des faits sociaux et des institutions et un mémoire sur Le théâtre pendant la Révolution française à Lyon. C’est dans ce cadre universitaire qu’il commence son parcours théâtral. Dans un premier temps, essentiellement comme comédien puis metteur en scène. En 1999, il arrête totalement cette activité pour devenir éducateur spécialisé avec des personnes mentalement handicapées. En 2005, il décide de revenir au théâtre comme auteur et metteur en scène. Il fonde sa propre compagnie et présente un premier spectacle au Théâtre de l’Usine à Genève, inspiré de textes de Pier Paolo Pasolini. Il alterne alors la mise en scène de ses propres textes et de ceux d’autres auteurs.

En tant qu’auteur, il reçoit deux fois le Prix de la Société suisse des auteurs (SSA) pour ses pièces : Naissance de la violence (2006) et Écorces (2008). Il est lauréat d’une bourse littéraire de Pro Helvetia, fondation suisse pour la culture, en 2010, et d’une autre de Beaumarchais-SACD en 2011. Il est en résidence d’écriture à la Comédie de Genève au cours de la saison 2009-2010 et à la Maison des auteurs du Festival des Francophonies à Limoges en 2012.

Ses pièces sont représentées en Suisse, en France, en Belgique et au Luxembourg. Depuis 2009, il est en résidence en tant qu’auteur et metteur en scène à Saint Gervais Genève Le Théâtre. Il est publié en français aux éditions Campiche et Aina. En 2011, il fonde avec quatre autres auteurs de théâtre suisse romand le collectif Nous sommes vivants, actif en Suisse et en France.

Latifa Djerbi est autrice, comédienne, performeuse et porteuse de projet pour Les Faiseurs de Rêves. Ses pièces piétinent les bons sentiments et dynamitent les faux-semblants. Ruant joyeusement dans les brancards, elle place dans la bouche de ses personnages des vérités sans fard. Des réalités conventionnellement tues, que sa position de Franco-Suisso-Tunisienne lui permet d’exprimer en toute légitimité. Sa pièce La danse des affranchies éditée chez Lansman est traduite et éditée en allemand et en roumain et a été présentée au Maxi Gorki Theater fin 2022. Militants, ses textes n’en sont pas moins intimes. Jouant de l’autodérision comme de l’autofiction, ils se fraient un chemin émouvant et singulier vers les questions universelles de l’identité et de la liberté. Parallèlement elle s’initie depuis 2016 au théâtre urbain accompagnée du regard sans complaisance de Jacques Livchine.

De 1994 à 1997, Marie Probst suit une formation professionnelle de comédienne à l’École du Théâtre National de Bretagne (TNB) à Rennes. De 1997 à 2019, elle joue dans plus de quarante spectacles et sous la direction de divers metteurs en scène : Matthias Langhoff, Frédéric Polier, Anne Bisang, Anne Vouilloz, Éric Salama, Georges Guerreiro, Jacques Probst, Rossella Riccaboni, Ahmed Balbachir, Loulou, Juliette Ryser, François Rochaix, Manfred Karge, Laurence Calame, Fabrice Huggler, Philippe Mentha, Philippe Lüscher, Claude-Inga Barbey, Anne-Shlomit Déonna. 

L’an 2000 voit la création de la compagnie Les Faiseurs de Rêves avec Latifa Djerbi, et elle participe à trois spectacles. En 2016, création de la compagnie Le Collectif Touche Noire avec Carole Bruhin et Fanny Brunet. Leur premier spectacle Bien à vous, je t’aime, mêle lectures de correspondances amoureuses et chansons ; il est joué dans divers lieux tels que salles de spectacles et théâtres en appartement. Il est repris en 2017. Entre 2017 et 2019, création de deux concerts avec la compagnie Le Collectif Touche Noire qui sont joués dans divers lieux : théâtres, cafés, salles de concert, plein air, théâtre en appartement. Depuis 2007, elle donne des cours de théâtre pour enfants et adolescents au sein du Théâtre du Loup. En 2019, elle crée des cours de théâtre pour enfants, adolescents et adultes au sein de la compagnie Le Collectif Touche Noire.

Marion Schmid est née en 1973. Après un certificat de maturité avec option art visuel et un cursus à l’École des Beaux-Arts de Genève, elle se dirige vers la couture et obtient son diplôme de styliste-modéliste à l’École Bellecour en 1999. Elle commence par exercer une année en tant que couturière indépendante, avant d’être engagée par l’atelier de costumes du Grand Théâtre de Genève. Elle y travaillera durant neuf ans, en alternance avec son activité indépendante de costumière-couturière. Cette expérience est le déclic qui la dirige définitivement vers le costume de scène. 

Dès 2009, elle poursuit son parcours professionnel de costumière-couturière en indépendante à 100 %, pour le théâtre et la danse. Elle crée également plusieurs mini-collections de chemises. Marion Schmid vit son métier comme un “métier-passion”, qui permet une grande créativité et demande polyvalence et curiosité. Chaque projet est source de rencontres nouvelles ou de collaboration approfondie, amenant un enrichissement de connaissances et de liens humains.

Né le 24 juillet 1993 à Aix-en-Provence. Après deux années de classes préparatoires littéraires (Option Théâtre puis Philosophie) au Lycée Thiers de Marseille - pendant lesquelles il écrit de la poésie - , ainsi qu’une année de licence Lettres et Cinéma à l’Université Paris Diderot, il s’initie au jeu au Conservatoire du Centre de Paris, écrit sa première pièce : Ces trous de lumière loin loin dans la ville (créée en janvier 2015 au Théâtre du Gouvernail), et y tient le rôle du narrateur. En 2016, il rejoint pour deux ans le Conservatoire du Vlllème arrondissement de Paris - en parallèle duquel il achève un master de Lettres portant sur les dramaturgies contemporaines -, puis entre en septembre 2017 à la Classe Libre du Cours Florent (Promotion XXXVIII), où Jean-Pierre Garnier, Félicien Juttner, Carole Franck, Julie Recoing ou encore Philippe Baronnet le dirigent. En 2018, il intègre l’École du Nord (Ecole professionnelle supérieure d’art dramatique) en parcours auteur (promotion 2018-2021). Entre 2015 et 2017, il écrit trois pièces courtes d’une quinzaine de minutes, La Pomme (2015), Pavillon E (2016), Disparition, sur la plage (2017), qui sont montées consécutivement au Théâtre du Rond-Point dans le cadre du concours Conservatoires en scène, alors parrainé par Pierre Notte.

Il écrit Ici dans le cadre du concours De l’encre sur le feu présidé par David Lescot et organisé par Soy Création. La pièce est primée et mise en espace par Sol Espèche le 22 mars 2016 au Théâtre 13. Apnée, un monologue, a été sélectionné au Festival Texte en cours, où il a été lu en mai 2017. Il écrit Radar en 2018 et met en scène la pièce dans le cadre des Travaux de fin d’étude du Cours Florent ; avec Héloïse Janjaud dans le rôle de Helena et Andranic Manet dans celui de Henrik. Pavillon A a été mis en lecture par Nelson-Raphaell Madel à l’occasion du Festival d’Avignon 2018, au Conservatoire d’Avignon (à l’invitation de la SACD), au Théâtre 11 Gilgamesh et au Théâtre du Train-Bleu. Le texte a également été sélectionné par le comité de lecture du CDN Orléans/Centre-Val de Loire en janvier 2019.

Nicolas Girard-Michelotti entretient par ailleurs un lien étroit avec la musique. Il a appris le piano dans l’enfance, s’est produit plus tard comme parolier et claviériste dans un groupe de rock, puis a composé la bande-son de courts-métrages et d’une partie de ses spectacles.

Pascale Vachoux a fait sa formation de comédienne au Conservatoire de Musique de Genève, section théâtre, et a obtenu en 1988 son diplôme de l’École Supérieure d’Art Dramatique de Genève (ESAD). 

Depuis sa sortie de l’école, elle a travaillé dans divers théâtres de Suisse romande sous la direction de nombreux metteurs en scène, tels que Richard Vachoux, Claude Stratz, André Steiger, Valentin Rossier, Hervé Loichemol, François Marin, Camille Giaccobino, Frédéric Polier, Raoul Pastor, Mauro Bellucci, Françoise Courvoisier, Marcela San Pedro, Nathalie Cuenet, Pietro Musillo, Anne-Marie Delbart, Gérard Desarthe, etc.

Elle a interprété des rôles importants tant dans le répertoire classique que contemporain. En 2005, elle réalise un vieux rêve : danser, et crée Carnet de bal à partir du roman de Camille Laurens Dans ces bras-là au Théâtre du Grütli. En 2017, elle réalise sa deuxième création Filles de Roi de Claude-Inga Barbey au Théâtre du Crève-Cœur. En mars-avril 2020, elle jouera sa troisième création Sarah Bernhardt, monstre sacré !, une fois encore au Théâtre Le Crève-Cœur. 

En parallèle de son métier de comédienne, elle enseigne l’interprétation depuis 1998 au Conservatoire de Musique de Genève dans les classes préprofessionnelles. On lui a proposé également d’intervenir auprès des jeunes chanteurs lyriques afin d’améliorer leur présence scénique. À plusieurs reprises, elle intervient au sein même de cet établissement en participant à différents projets comme Les Estivales, la Fête de la musique avec le CMGO, où elle dirige les jeunes solistes de la Haute École de Musique dans Carmen.

Salimata Konan Gasparini est une scénariste-réalisatrice et comédienne. Elle est membre de l’Association Suisse des Scénaristes et Réalisateurs de Film (ARF-FDS), de la Société Suisse des Auteurs (SSA) et sociétaire du Bureau Ivoirien du Droit d’Auteur (Burida).

En 2008, elle a joué le rôle principal de Aya dans le long métrage intitulé Bla Yassaoua réalisé par Honoré N’zue Kouakou.En 2009, elle est réalisatrice et scénariste d’un court métrage intitulé Les Larmes de ta réussite. Entre 2016 et 2017, elle réalise et scénarise pour la ville d’Yverdon deux courts métrages :

Intégration et Viens et Deviens. Toujours en 2016, elle est réalisatrice, scénariste et productrice du long métrage intitulé Heucheteî, quand l’enfer vient à moï. En juillet 2019, elle est en résidence d’écriture aux Maisons Mainou pour la pièce de théâtre Profession femme. En décembre 2019, elle est assistante réalisatrice sur le film Caaching Laci pour l’ORP (Office Régional de Placement). Elle prépare pour 2020 un film documentaire sur les violences au sein du couple.

Samuel Schmidiger joue dans plusieurs groupes de rock’n’roll et travaille comme musicien pour le théâtre contemporain. Titulaire d’un Master en sciences politiques et en écologie, il a travaillé dans le domaine de l’ingénierie sociale et de la mobilité douce. Il vit à Genève. Il a une formation de violoncelliste classique et a appris la guitare et la basse en autodidacte. Membre de plusieurs groupes, il a organisé des concerts dans différents lieux depuis la fin des années 90. 

Ces dernières années, il joue principalement comme bassiste avec The Jackets, un groupe de garage punk bernois qui parcourt l’Europe depuis 2008. En tant que compositeur et performeur sonore, il collabore actuellement avec la compagnie Bleu en Haut, Bleu en Bas à Genève. Samuel Schmidiger porte un intérêt particulier à l’exploration et au développement de l’énergie et de la puissance originelle du blues et du rock, à leur transposition dans des performances live afin de créer une expérience intense et partagée entre le performeur et le public. En matière de pratique artistique, il aime explorer des formes de collaborations interdisciplinaires.

Auteur et dramaturge, Yann Verburgh collabore régulièrement avec le metteur en scène roumain Eugen Jebeleanu, avec qui il fonde deux compagnies, la Cie 28 en Roumanie, et la Cie des Ogres en France. Il est accueilli en résidence d’écriture à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, au Moulin du Marais de Lezay, au Festival Univers des mots à Conakry en Guinée, participe à des rencontres internationales d’auteurs à la Salla Becket de Barcelone, au Festival Interplay Europe en Suède et en Lettonie, avec le soutien de la SACD.

Ses pièces sont publiées chez Quartett Editions et aux Solitaires Intempestifs, traduites en anglais, roumain, turc, arabe et catalan, lues à la Comédie Française, mises en ondes sur France Culture, distinguées par de nombreux prix et bourses, sont adaptées en opéra et sont jouées en France et en Roumanie : CDN de Valence, CDN de Caen, CDN de Béthune, Théâtre Ouvert, Tinel de la Chartreuse, Réseau des ATP, Espace 1789 à St Ouen, Théâtre de Vanves, Théâtre de la Ville de Bucarest, Théâtre Gong de Sibiu, etc.

Yann Verburgh est membre du collectif d’autrices et d’auteurs Traverse, fondé à la Chartreuse, avec Adrien Cornaggia, Riad Gahmi, Kevin Keiss, Julie Ménard et Pauline Ribat. Collectif avec lequel il répond à plusieurs commandes d’écritures, dont Pavillon Noir, création du Collectif Os’o. Cette saison, il répond à des commandes d’écritures pour les CDN de Caen et de Béthune et intègre, en formation continue, l’Atelier scénario de la Fémis - École nationale supérieure des métiers de l’image et du son - où il développe l’écriture de son premier scénario de long-métrage.

Emilie Blaser, comédienne, est née à Neuchâtel en Suisse. Elle étudie l’art dramatique aux Cours Florent à Paris puis à la Manufacture - Haute Ecole des arts de la scène à Lausanne, où elle travaille notamment avec Jean-Yves Ruf, Denis Maillefer, Anton Kouznetsov, Lilo Baur. Durant ses études, elle obtient plusieurs prix (Bourse de la Fondation Jéquier, Prix d’étude d’art dramatique de la Fondation Friedl Wald) et elle est choisie en tant que jeune talent du cinéma Suisse (Junge Talente) et travaille avec Jacob Berger. Dès sa sortie d’école, Emilie Blaser travaille sous la direction de Mathieu Bertholet au Festival d’Avignon 2010, en Suisse avec Nathalie Lannuzel, Nicolas Gerber, Heidi Kipfer et Frédéric Polier. En 2014 elle rejoint la compagnie Tire Pas La Nappe de Marion Aubert et joue au Quartz, Scène Nationale de Brest, puis en 2015 en tant qu’assistante mise en scène à MA, Scène nationale de Montbéliard. Par la suite, elle collabore également avec Stefan Kaegi de Rimini Protokoll, Alexandra Badea ou Cyril Teste en France. 

En parallèle, elle entre à la RTS (Radio Télévision Suisse) où elle présente la météo entre 2012 et 2016 et prête régulièrement sa voix pour différentes émissions (Temps Présent), documentaires ou films publicitaires. En 2011, Emilie Blaser fonde La Distillerie Cie à Neuchâtel et explore la question du lien entre l’architecture, le théâtre et la mémoire. 

En 2014, avec cinq autres comédiens issus de la Manufacture, elle fonde le collectif Sur Un Malentendu. Ils montent principalement des textes contemporains dans toute la Suisse romande : Les Trublions de Marion Aubert en 2013, Tristesse Animal Noir d’Anja Hilling en 2015 et Dans le blanc des dents de Nick Gill en 2017, une commande du POCHE/GVE. En 2016, elle effectue une résidence de 6 mois à la Cité internationale des Arts de Paris dans l’atelier neuchâtelois Le Corbusier et s’entoure de Marion Aubert, Pierre Lepori, Aurélien Vernhes-Lermusiaux et Chapelier Fou, Elle continue d’explorer l’espace public et créée Les petites agonies urbaines, in situ au Centre Culturel Suisse et dans le complexe de logements sociaux d’Herzog et De Meuron dans le 14ème arrondissement. 

Depuis 2015, Emilie Blaser poursuit également sa recherche sur les lieux et la mémoire sous forme d’ateliers donnés chaque année à l’école professionnelle de théâtre Les Teintureries à Lausanne et intègre également le jury pour les auditions d’entrée en 2017. Elle est également intervenante régulière aux Cours Florent à Paris.

Auteure, metteure en scène et réalisatrice née en Roumanie, elle vit en France depuis 2003 et a choisi la langue française comme langue d’écriture. L’articulation morcelée de ses textes ouvre des espaces où l’image, le son et les corps trouvent une matière brute à laquelle se confronter en un flot ininterrompu. Le politique peut alors s’immiscer dans les consciences pour que se révèle l’indignité des conditions humaines. Une parole, sur le fil ténu d’un rasoir, qui donne de l’élan à la nécessité et à l’urgence de l’action.

Ses premiers textes Mode d’emploi, Contrôle d’identité et Burnout sont publiés en 2009 à L’Arche Éditeur. Suivront Pulvérisés et le triptyque : Je te regarde, Europe connexion, Extrêmophile ainsi que son premier roman : Zone d’amour prioritaire. Elle est également l’auteure de plusieurs fictions radiophoniques sur France Culture dont: Red line, Mondes, Europe connexion. 

Ses textes ont été mis en scène par Jacques Nichet, Aurélia Guillet, Frédéric Fisbach, Cyril Teste, Jonathan Michel, Matthieu Roy, Anne Théron, Vincent Franchi, Vincent Dussart, Thibaut Rossigneux. Par ailleurs traduits en plusieurs langues, ils sont montés en Allemagne, Grèce, Roumanie, Grande-Bretagne ou encore au Portugal. En tant que metteure en scène, elle crée une quinzaine de spectacles en France et en Roumanie, en travaillant d’abord sur des pièces d’autres auteurs tels Biljana Srbljanovic, Sarah Kane, Dea Loher, Joël Pommerat, et plus récemment sur ses propres textes. Alexandra Badea est également lauréate du Grand Prix de littérature dramatique 2013 pour sa pièce Pulvérisés.

Née en 1978, Elise David découvre le théâtre au collège, à 13 ans, et s’investit dans les ateliers théâtre qui lui permettront de participer à des festivals régionaux pendant sa scolarité et de jouer en ouverture du Festival D’Anjou sous la direction de Jean Claude Brialy. Parallèlement à sa reprise d’étude en Lettres, elle est admise au Conservatoire d’art dramatique d’Angers où elle poursuit sa formation sous l’enseignement de Yannick Renaud. Tout en participant aux projets en tant que comédienne, notamment pour les inattendus Beat generation au Musée des Beaux-Arts autour d’Hydrogen Jukebox mis en scène par Joel Jouanneau, en collaboration avec Angers-Nantes Opéra, elle s’initie à la régie lumière. Suite au stage Le clown et l’art du mouvement, animé par Norman Taylor, elle rejoint l’Ecole Internationale de mouvement Théâtre LASSAAD à Bruxelles pour compléter sa formation de comédienne et renforcer ses activités d’écriture et de mise en scène. 

Son travail de master sur la réception critique de Bonjour Tristesse de Françoise Sagan lui vaut d’intervenir au Colloque Passion Sagan sur la thématique Sagan et le Théâtre, en compagnie de Denis Westhoff, Florence Malraux, Michel Déon, Pascal Louvrier, Frédéric Beigbeder, Alain Vircondelet. En 2014, le Certificat en Animation et Médiation théâtrale à la Haute École de Théâtre de Suisse Romande - la Manufacture en poche, elle transmet sa passion du théâtre à travers les ateliers, réalise la mise en scène tout en s’intéressant à la thématique de la formation jeunesse et adulte par l’art. 

Elle poursuit ses activités d’écriture et sa pièce Le jour où j’ai dû grandir est sélectionnée dans le cadre d’un festival réunissant l’association littéraire Tulalu !? et le Théâtre 2.21 et jouée au Théâtre 2.21 à Lausanne en février 2016. Dramaturge pour les adaptations de l’Atelier théâtre de la HEP auprès de Corinne Arter, elle effectue un stage auprès de François Marin lors de la création de Petite sorcière au Petit Théâtre de Lausanne. Elle est l’auteure pour le canton de Vaud du projet 1918.ch, centenaire de la grève générale, jouée en septembre 2018 à Olten.

Après une formation en art dramatique à L’ESAD, dans les classes de Georges Wod et Leyla Aubert, elle se dirige vers l’écriture et la mise en scène. Particulièrement attirée par les spectacles musicaux elle écrit et met en scène Vénus (Festival du bois de la Bâtie), Chantons sous la Psy (Café d’Edgar à Paris), La Moulinette Attitude (région PACA),et dernièrement la comédie musicale Atlantis.

Elle écrit et met en scène des contes musicaux pour enfants: Les Contes de Provence, La Cabre d’Or, La Tarasque. Pour la troupe Vivre et Chanter, elle met en scène Les Misérables, La vie parisienne et La belle Hélène/remix. Elle a également adapté de l’anglais et mis en scène Les 3 voleurs de Cardamome, Les femmes d’Ibsen. A Tahiti elle met en scène de nombreux évènements, anime une émission quotidienne de chroniques sur RFO : Le cri du lagon et écrit les paroles de l’album Paola de la chanteuse éponyme.

De retour en France elle anime Observation Satellite : reportages et critiques de spectacles sur Radio plus. Elle collabore également au Courrier de Genève pour des critiques de théâtre et de danse. A New York elle travaille pour le studio de productions musicales Huge Music. Elle écrit les paroles de l’album de Gwenola de Luze : Obsessions, un projet d’album pour Sarnia Tawil et des titres repris par des artistes suisses (Sweet People).

Elle conçoit et met en scène des spectacles éphémères, des scenarii d’événements et des Murder mysteries pour des agences évènementielles (Illico, MCI, Strastosphère, Suissanim.). Elle est l’auteur du roman policier Cavale (Editions Gallimard, Série noire).

Evan Placey a grandi à Toronto et vit désormais à Londres. Il a écrit plus d’une dizaine de pièces pour les jeunes, parmi lesquelles Mother of Him (qui a remporté, entre autres, le prix King’s Cross des nouvelles écritures britanniques), Banana Boys, Suicide(s) in Vegas, Scarberia, How Was It For You ?, Holloway Jones (pièce lauréate du Brian Way Award 2012, meilleure pièce pour les jeunes), Pronoun, WiLd! et Consensua/. En 2017, il écrit une pièce pour le National Theatre de Londres et plusieurs projets pour le cinéma et la télévision. Ses textes ont été joués au Royaume-Uni, au Canada, en France, en Allemagne, en Israël, en Corée du Sud, en Grèce, en Italie et en Croatie. 

En France, Ces filles-là a remporté en 2015 le prix Scenic Vouth - prix des lycéens pour les nouvelles écritures de théâtre organisé par la Comédie de Béthune, en 2016 le Coup de coeur des lycéens de Loire-Atlantique, dans le cadre du Printemps théâtral de Guérande, et a été créé en 2017 dans une mise en scène d’Anne Courel.

Né en 1968 en Allemagne et aujourd’hui résident en Suisse à Rikon, Günther Baldauf est acteur, metteur en scène, enseignant et organisateur de projets culturels. Il suit une formation professionnelle en Théâtre de mouvement auprès de la Haute Ecole suisse la Scuola Teatro Dimitri (1990-93). Il fonde en 1998 la compagnie Voland et devient de 2006 à 2013, directeur artistique de Chastè da cultura, espace culturel et théâtre situé à Fuldera (CH). Il est depuis 2015, membre du comité de la KTV / ATP, association d’intérêts de portée nationale, active dans le domaine des arts du spectacle. Il met en scène de nombreuses pièces parmi celles-ci: Alice im Wunderland (2012), Warwankutta (2013) au Circolino Pipistrello/Rikon (CH), Das Leben ist ein Heimweg (2012)-Olten (CH), Huhnsinn (2012) avec la Compagnie Rosa Canina (Lenzburg/freiburg). Milchbüechlirächnig (2015). Grenzwertig (2016). Leonce et Lena - Flucht ins Paradies (2016) à l’Atelierschule de Zürich, Der gute Doktor (2016) à l’Amvietheater Bad Waldsee, Stille Kracht (de 2012 à 2018) au Casino Theater Winterthur. En tant que comédien, il participe à plusieurs projets en 2017 et 2018: Die Verknotete Prinzessin, Pinocchio und die blaue Fee et Vol/ daneben avec la Companie Voland & Kunstdüng.

Julien Paplomatas aKa Speaker B pratique le beatbox depuis 2000. Sacré vice-champion de France de beatbox 2013 en solo, champion de Suisse en 2014 et vice champion de France 2017 en duo avec Oniisan.II participe à diverses formations avec d’autres beat boxeurs tels que Fafapunk ou encore Keumart, un des meilleurs beatboxers mondiaux dans le cadre du projet Air’Box réunissant également un bassiste, un guitariste et un accordéoniste. 

Speaker-B multiplie les collaborations pluridisciplinaires s’illustrant dans les domaines de la musique, du théâtre et de la poésie en France et en Suisse. Ses plus récentes collaborations comptent Petits ragots de mauvais genres, un duo avec Sylvie Santi de human beatbox et de poésie ou encore Arbres, prenez-moi dans vos bras, création 2017 /18 du Théâtre Am Stram Gram mis en scène par Fabrice Melquiot et Mariama Sylla où se mêlent beatbox et poésie en 5 langues (anglais, français, dari, tigrigna et arabe).

Née à Lyon en 1987, elle pratique théâtre et chant dans l’enfance, intègre une classe à PAC littéraire option art dramatique puis suit des études de droit, de lettres et d’espagnol, en partie à Madrid et Montréal où elle commence à écrire.

En 2012, elle est diplômée de l’ENSATT, département d’écriture dramatique fondé par Enzo Cormann, et poursuit ses recherches en doctorat à l’ENS de Lyon. Conviée en 2017 au 2ème forum des nouvelles écritures dramatiques européennes au Théâtre royal flamand de Bruxelles (KVS), Julie Rossello-Rochet a écrit une quinzaine de textes pour acteurs et marionnettes mis en scène, en ondes, ou en voix par Fabrice Gorgerat, Eloi Recoing, Sasha Todorov, Émilie Valantin, Blandine Masson & Jacques Taroni, Guillaume Fulconis, Alexandre Plank, Julie Guichard, Christian Taponard, Michel Dydim et Lucie Rébéré. 

Parmi eux : DUO (lorsqu’un oiseau se pose sur une toile blanche), publié chez L’Entretemps (2014 ), lauréat de l’aide à la création du CNT (2012), enregistré à Théâtre Ouvert par France Culture, sélectionné par le Bureau des lecteurs de la Comédie Française, le TAPS Strasbourg, la Mousson d’été, mis en scène par Fabrice Gorgerat au Théâtre du Poche GVE (2015), sélection restreinte des Rencontres du Théâtre suisse 2016 ; ELEONORA, sélectionné dans la moisson des auteurs SACD-Entr’Actes n°72, traduit en anglais par Max McGuinness (bourse traduction Beaumarchais-SACD 2013), lu et chanté par l’auteure au Théâtre des Marronniers (2016) ; CROSS, chant des collèges, publié aux Editions Théâtrales (2017), lauréat des Journées des auteurs de Lyon (2016), sélectionné par le comité de lecture lycéens du Théâtre des Célestins, écrit pour et mis en scène par Lucie Rébéré dans le cadre des Controverses, commande de la Comédie de Valence CDN Drôme-Ardèche (spectacle en tournée). 

PART-DIEU, chant de gare, écrit pour le festival EN ACTE(S) à Lyon, lauréat du concours Avoir 20 ans de la Fondation Johnny Aubert-Tournier Maisons Mainou, mis en scène par Julie Guichard au Théâtre de l’Élysée en mars 2017 (publication à venir). Elle a traduit Le Petit Retable de Don Cristobal de Federico Garcia Lorca pour le Théâtre Aux Mains Nues (2011). Elle a été dramaturge auprès de Mathieu Bertholet pour 1913 (Comédie de Genève) et Derborence d’après l’oeuvre de Charles-Ferdinand Ramuz (Vidy-Lausanne) et elle collabore à des revues (ARTE VIVA ARTE, Biennale d’art contemporain de Venise 2017, Mouvement, arts et politique ; Le Bruit du monde). En 2014, elle a co-fondé avec la metteure en scène Lucie Rébéré la compagnie LA MAISON à Lyon pour qui elle écrit actuellement ATOMIC MAN, chant d’amour, Ambivalence(s) (2018) (Comédie de Valence, CDN Drôme-Ardèche). 

Julie Rossello-Rochet intervient ponctuellement au sein d’universités et d’écoles supérieures d’arts (ENSATT ; Académie de Théâtre de Shanghaï ; Manufacture HETSR-Lausanne ; Université Grenoble-Alpes … ), et donne des ateliers d’écriture (Maison George Sand, centre pénitentiaire de Valence, réseau Canopé, TNG-CDN Lyon … ).

Elle écrit par ailleurs poèmes et textes libres, publiés sous le nom de Simona Calder, elle a récemment prêté voix et visage à Luna Incognita, court métrage de Kiyé Simon Luang, sur une musique originale de Louise Mamfredos (Film Flamme, 2017).

Marina Skalova est née en 1988 à Moscou. Elle émigre en France dans l’enfance avec ses parents, avant de déménager en Allemagne. Après des études de philosophie entre Paris et Berlin, elle s’installe en Suisse en 2013, où elle est diplômée de la Haute école des Arts de Berne. À la fois matériau plastique et flux, son travail creuse différentes formes (poésie, prose poétique, théâtre) pour interroger l’exil, l’étrangeté, le franchissement de frontières et leur inscription dans le corps. Traductrice littéraire, son écriture est intimement liée aux passages d’une langue à l’autre.

Elle a été invitée à faire des lectures en Suisse, en France, en Allemagne, mais aussi en Ukraine et en Russie. Elle anime régulièrement des ateliers d’écriture, notamment avec des demandeurs d’asile. Elle a été auteure en résidence et dramaturge au théâtre POCHE/GYE à Genève pour la saison 2017/2018, où sa première pièce, La Chute des comètes et des cosmonautes, sera mise en scène en février 2019. Elle a également bénéficié de résidences aux Francophonies en Limousin, au Château de Lavigny, au Literarisches Colloquium de Berlin et a été auteure en résidence à Moscou avec Pro Helvetia.

Marjolaine Minot, née à Paris en 1978, est auteure, comédienne, metteuse en scène et professeure en théâtre de mouvement. Elle grandit dans une famille de danseuses et de musiciens, mais s’oriente plutôt d’abord vers les arts plastiques, et elle écrit. En 2000, elle écrit un premier roman épistolaire : Je ne te laisse qu’une enveloppe. 

Elle commence sa formation de comédienne à Paris en 2001, entre art clownesque et art dramatique. Son goût pour le mariage tragédie/comédie ne la quittera plus. En 2004, Marjolaine s’installe en Suisse pour suivre la formation professionnelle de la Haute Ecole de Théâtre de Mouvement : la Scuola Teatro Dimitri. Elle est diplômée en 2007 et gagne le prix SUPSI pour son travail de diplôme. Elle poursuit avec une formation Master en partenariat avec les hautes Ecoles de Théâtre de Zürich (Zürcher Hochschule der Künste) et de Berne (Hochschule der Künste Bern) et gagne le Prix d’Etude Migros.

Marjolaine Minot a pu développer son propre langage et avance à la frontière des genres. Elle est l’auteure et l’interprète de plusieurs pièces : J’aime pas l’bonheur, seule en scène joué une centaine de fois depuis 2013 en français et en allemand, La 4e Personne du Singulier, duo de théâtre chorégraphique mis en scène par Philippe Minella, ou encore Hang Up, qu’elle met en scène et coécrit avec la compagnie Les Diptik.

Marjolaine enseigne le Théâtre de Mouvement. D’août 2016 à juin 2017, elle accompagne notamment, la 3ème année du CCN (Théâtre du Pommier à Neuchâtel) puis écrira et mettra en scène, sur la base d’improvisations des élèves, la pièce de théâtre poétique et absurde : En attendant Robert. En 2016, Marjolaine crée la Minotte, compagnie qui deviendra, en septembre 2017, la compagnie Marjolaine Minot. Elle créé Je suis la femme de ma vie en mai 2018 au Théâtre Nuithonie à Fribourg.

Né à Genève en 1988, Robin Mir a suivi une formation aux Arts Décoratifs CFPAA en tant qu’Interactive Media Designer. Ayant toujours eu un vif intérêt pour l’audiovisuel, il décide de continuer dans cette voie et aiguiser ses connaissances d’une formation supérieure de Designer en Audiovisuel ES à l’ERACOM. C’est après une parenthèse dans le monde de la publicité dans l’agence Lausannoise Trio qu’il retourne dans la vidéo. En 2017, il écrit et réalise le clip Desert Troop pour l’artiste suisse Chris Carter.

Auteur et dramaturge, Yann Verburgh collabore régulièrement avec le metteur en scène roumain Eugen Jebeleanu, avec qui il fonde deux compagnies, la Cie 28 en Roumanie, et la Cie des Ogres en France. Il est accueilli en résidence d’écriture à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon, au Moulin du Marais de Lezay, au Festival Univers des mots à Conakry en Guinée, participe à des rencontres internationales d’auteurs à la Salla Becket de Barcelone, au Festival Interplay Europe en Suède et en Lettonie, avec le soutien de la SACD.

Ses pièces sont publiées chez Quartett Editions et aux Solitaires Intempestifs, traduites en anglais, roumain, turc, arabe et catalan, lues à la Comédie Française, mises en ondes sur France Culture, distinguées par de nombreux prix et bourses, sont adaptées en opéra et sont jouées en France et en Roumanie : CDN de Valence, CDN de Caen, CDN de Béthune, Théâtre Ouvert, Tinel de la Chartreuse, Réseau des ATP, Espace 1789 à St Ouen, Théâtre de Vanves, Théâtre de la Ville de Bucarest, Théâtre Gong de Sibiu, etc.

Yann Verburgh est membre du collectif d’autrices et d’auteurs Traverse, fondé à la Chartreuse, avec Adrien Cornaggia, Riad Gahmi, Kevin Keiss, Julie Ménard et Pauline Ribat. Collectif avec lequel il répond à plusieurs commandes d’écritures, dont Pavillon Noir, création du Collectif Os’o. Cette saison, il répond à des commandes d’écritures pour les CDN de Caen et de Béthune et intègre, en formation continue, l’Atelier scénario de la Fémis - École nationale supérieure des métiers de l’image et du son - où il développe l’écriture de son premier scénario de long-métrage.

Emilie Blaser, comédienne, est née à Neuchâtel en Suisse. Elle étudie l’art dramatique aux Cours Florent à Paris puis à la Manufacture - Haute Ecole des arts de la scène à Lausanne, où elle travaille notamment avec Jean-Yves Ruf, Denis Maillefer, Anton Kouznetsov, Lilo Baur. Durant ses études, elle obtient plusieurs prix (Bourse de la Fondation Jéquier, Prix d’étude d’art dramatique de la Fondation Friedl Wald) et elle est choisie en tant que jeune talent du cinéma Suisse (Junge Talente) et travaille avec Jacob Berger. Dès sa sortie d’école, Emilie Blaser travaille sous la direction de Mathieu Bertholet au Festival d’Avignon 2010, en Suisse avec Nathalie Lannuzel, Nicolas Gerber, Heidi Kipfer et Frédéric Polier. En 2014 elle rejoint la compagnie Tire Pas La Nappe de Marion Aubert et joue au Quartz, Scène Nationale de Brest, puis en 2015 en tant qu’assistante mise en scène à MA, Scène nationale de Montbéliard. Par la suite, elle collabore également avec Stefan Kaegi de Rimini Protokoll, Alexandra Badea ou Cyril Teste en France. 

En parallèle, elle entre à la RTS (Radio Télévision Suisse) où elle présente la météo entre 2012 et 2016 et prête régulièrement sa voix pour différentes émissions (Temps Présent), documentaires ou films publicitaires. En 2011, Emilie Blaser fonde La Distillerie Cie à Neuchâtel et explore la question du lien entre l’architecture, le théâtre et la mémoire. 

En 2014, avec cinq autres comédiens issus de la Manufacture, elle fonde le collectif Sur Un Malentendu. Ils montent principalement des textes contemporains dans toute la Suisse romande : Les Trublions de Marion Aubert en 2013, Tristesse Animal Noir d’Anja Hilling en 2015 et Dans le blanc des dents de Nick Gill en 2017, une commande du POCHE/GVE. En 2016, elle effectue une résidence de 6 mois à la Cité internationale des Arts de Paris dans l’atelier neuchâtelois Le Corbusier et s’entoure de Marion Aubert, Pierre Lepori, Aurélien Vernhes-Lermusiaux et Chapelier Fou, Elle continue d’explorer l’espace public et créée Les petites agonies urbaines, in situ au Centre Culturel Suisse et dans le complexe de logements sociaux d’Herzog et De Meuron dans le 14ème arrondissement. 

Depuis 2015, Emilie Blaser poursuit également sa recherche sur les lieux et la mémoire sous forme d’ateliers donnés chaque année à l’école professionnelle de théâtre Les Teintureries à Lausanne et intègre également le jury pour les auditions d’entrée en 2017. Elle est également intervenante régulière aux Cours Florent à Paris.

Aurélia Lüscher entre au Conservatoire de Genève en 2008 sous la direction de Anne-Marie Delbart. Après avoir travaillé à la Comédie de Genève sous la direction de Hervé Loichemol, elle entre en 2012 à l’Ecole de la Comédie de Saint-Etienne. Elle y rencontre Caroline Guiela N’Guyen, Alain Françon, Yann Joël Collin, Simon Delétang et Marion Aubert. Elle travaille à sa sortie avec Christian Duchange sur un texte de Catherine Anne : Sous l’armure et joue dans un documentaire fiction Suisse sur le peintre Oskar Kokoschka tourné par Michel Rodde : Eclats d’OK. Elle crée en 2014 la Cie du Désordre des choses avec Guillaume Cayet, auteur de la compagnie. Ils montent en 2015 Les Immobiles.

Aïcha Diarra est née en 1994 à Bamako. Élevée au milieu de nombreux frères et sœurs, cousines et tantes, elle est scolarisée dès l’âge de quatre ans dans une école de Quinzambougou, à Bamako. Selon ses proches, durant toute sa scolarité, du primaire jusqu’au baccalauréat, elle est restée première au classement des écoles qu’elle a fréquentées. Aicha Diarra a commencé à écrire ses premiers poèmes à neuf ans. C’est le poème Manteau Impérial de Victor Hugo, qui l’a beaucoup marquée. Sa référence est Victor Hugo, Demain dès l’aube est passé par là. 

Selon son éditeur, Ismaël Samba Traoré, des éditions la Sahélienne : “c’est une future écrivaine comme ça, je parie sur cette fille, tout comme sur Mohamed Hamady Coulibaly, leurs écrits sont un appel à la jeunesse de savoir qu’il y a des jeunes, qui pensent aux problèmes de notre pays, qui réfléchissent et qui ne voient pas que la vie du côté”. Adepte de football féminin, Aicha Diarra est milieu de terrain dans une équipe de Bamako qui a participé à une compétition internationale des moins de quatorze ans, en 2008 en Norvège. Super Club, son équipe, a remporté le tournoi en question, qui a vu la participation de 81 pays.

Clara Bonnet se forme au Conservatoire du Sème arrondissement de Paris, sous la direction de Marc Ernotte. En septembre 2011, elle intègre L’École de la Comédie de Saint-Étienne. A sa sortie, elle joue dans Notre peur de n’être de Fabrice Murgia, présenté dans le cadre du Festival d’Avignon, édition 2014, ainsi qu’à la Biennale de Venise 2015. Elle travaille ensuite avec Matthieu Cruciani qui la met en scène dans Un beau ténébreux, de Julien Gracq, à la Comédie de Saint-Etienne et au TNG à Lyon, notamment. En 2017, elle jouera avec Alexis Forestier pour le projet Module Dada, présenté au Théâtre de Vidy Lausanne. En 2017-2018, elle retrouvera Fabrice Murgia pour une pièce sur les femmes au sein de la Beat Generation. Parallèlement, elle participe à des projets cinématographiques sous la direction de Nicolas Klotz, Benoît Cohen, James Huth et Lucas Bernard. Elle a également co-réalisé un moyen-métrage en 2016, A cause de Mouad.

Fabrice Melquiot est auteur de pièces de théâtre, de chansons, de performances, et metteur en scène. Depuis l’été 2012, il est également le directeur du Théâtre Am Stram Gram de Genève. Fabrice Melquiot fut d’abord acteur avec Emmanuel Demarcy-Mota et la compagnie Théâtre des Millefontaines. Parallèlement il écrit…. Ses textes (à ce jour, près de 50 pièces) en font aujourd’hui l’un des auteurs contemporains les plus joués au théâtre. Ils sont publiés chez l’Arche Éditeur, dont L’inattendu, Le Diable en partage, Ma vie de chandelle, Marcia Hesse, Quand j’étais Charles, Le Poisson combattant, Pearl (d’après la biographie de Janis Joplin)… Ses textes sont également traduits dans une douzaine de langues et ont été représentés dans de nombreux pays : Allemagne, Grèce, Mexique, Etats Unis, Chili, Espagne, Italie, Japon, Québec, Russie…

Si l’essentiel de son écriture est tournée vers le théâtre, une autre passion habite Fabrice Melquiot : la poésie. Deux recueils de ses poèmes sont publiés à l’Arche Editeur, Veux-tu ? et Graceful, qui ont donné lieu à des lectures-concerts à Paris, Reims, Turin. Un troisième recueil, Qui surligne le vide avec un coeur fluo ?, est paru aux éditions du Castor Astral. En 2017, Fabrice Melquiot publie chez L’Arche Editeur : La Grue du Japon, Les Séparables, Les Tournesols, Printemps, L’homme libre ainsi que Jean-Luc aux éditions de la Joie de lire.

Camille, dès l’âge de huit ans, elle faisait du théâtre, non sans manier les arts plastiques en parallèle. Les chevaux, c’était plutôt par dessus la jambe, en regardant son oncle débourrer des poulains pour la corrida, en Camargue. Elle ne voyait pas trop l’intérêt de se coller les uns derrière les autres pour tourner en rond dans un manège. A 15 ans, elle passait un mois et demi au Théâtre du Soleil, à ne rater aucune répète. A 17/18 ans (1990/91), ayant dévoré Arthaud : Sur le théâtre balinais, elle décrochait une bourse pour rejoindre in situ l’Ecole Supérieure d’Art Indonésien, dont elle troqua les cours pour l’enseignement d’un vieux monsieur (Bapak Tutur) au fin fond d’un petit village. Parce qu’elle s’intéressait à une forme de danse particulière, très limitrophe avec le théâtre. Et parce qu’elle se trouvait précisément, sciemment, dans un pays où l’on n’élève pas de frontière entre l’acte artistique et la vie. A 19/20 ans, fraîchement rentrée de Bali et plus obnubilée que jamais par une certaine philosophie de l’art vivant, Camille rencontrait Manolo par l’intermédiaire de son cousin organisateur d’évènementiels équestres.

Manolo, à l’heure où l’on veut être boulanger ou pompier, disait qu’il voulait vivre dans un château avec des artistes et des chevaux. Tout petit déjà, il prenait des cours de théâtre, danse, mime, et l’on en passe. A 15 ans, suite à une formation classique, il faisait graine de champion dans les concours équestres. À 17 ans, il apprenait tous azimuts, voltige, dressage de haute école, équitation tauromachique, poste hongroise et autres chevauchées cosaques … L’équitation instinctive raisonnée, dit-il comme si ça allait de soi. A l’âge de 19 ans (1989), il partait (job d’été) accompagner des gamins pour des rancios d’une semaine en Bourgogne. Là, sa manie de raconteur d’histoires aidant, chaque couple ado-poney devenait personnage, le moindre tractopelle se muait en dragon, et une nuit entière pouvait être passée à “attaquer” un château du coin, le gardien des remparts aux trousses. L’année suivante, l’épopée fantastique se transformait en spectacle itinérant. Ainsi naquit le concept de «soi et sa partie animale avec qui on va vivre en symbiose 24h sur 24. Dans le même temps, Il assouvissait sa soif d’apprendre à coups de lectures sans fin et d’études variées, cours de yoga, licence de philo, IUT socioculturel, puis maîtrise et DEA de recherche sur ce qu’il appellerait bientôt !“‘acteur-centaure”, créature de son invention née de la fusion entre un équidé et un humain. 

Manolo avait 23 ans et le désir de monter un duo avec une danseuse, quand un organisateur d’évènementiels équestres lui présenta sa cousine, Camille.

Née en 1987, Gwendoline Soublin s’est d’abord formée en tant que scénariste à Nantes avant de prendre la route du jeu sur Paris. Fille d’ici et là, elle a grandi en voyageant beaucoup, en mélangeant souvent et aime ne pas se satisfaire des cases qui enferment. Elle a entre autres mené des ateliers d’écriture, fait de l’art-thérapie, joué sur des places de village, écrit un testament, pondu des billets, sillonné des écoles andalouses, travaillé sans paroles, mis en scène une chèvre éprise de liberté, aimé à en faire des romans, joué un peu partout et brûlé aussi, quelques fois, entre deux traversées d’océans. 

Elle est également à l’origine du collectif M’as-tu vu ? Elle a notamment écrit Swany Song (2014), aide d’encouragement du CNT, et Vert Territoire Bleu (2016), sélection par le label Jeunes Textes en Liberté (mise en espace Hakim Bah, en partenariat avec la MC93) et par le comité Le Plongeoir du Glob théâtre Bordeaux. En 2016, en résidence à la Sala Beckett à Barcelone, dans le cadre de l’Obrador d’Estiu, elle écrit une première version de Pig Boy 1986-2358, traduite en anglais/catalan. 

Elle écrit des textes pour la jeunesse : Les Monstres (2015) en résidence à la Chartreuse-CNES et lue pendant La Belle Saison; Qu’on va où? (2017), en résidence aux Maisons Mainou pour le théâtre Am Stram Gram de Genève. Elle travaille également avec des marionnettistes de l’ESNAM (Coca Life Martin 33CL - solo marionnettique pour Coline Fouilhé) et la Collective (120H). Elle anime aussi des ateliers d’écriture.

En 2017-18, elle fera partie du projet TOTEM{s) initié par la Chartreuse où elle travaillera à l’écriture de maquettes d’opéra en partenariat avec des compositeurs européens pour les Journées d’été du festival d’Avignon 2018. Elle rejoindra également l’équipe des autrices performeuses de F3, Solenn Denis, Aurore Jacob et Julie Ménard, en résidence au 104 puis en représentations à La Loge en février 2018.

Ismaïla Samba Traoré a travaillé d’abord à Radio Mali, puis à l’Institut des Sciences Humaines comme chercheur. Ensuite, il a occupé des fonctions de directeur national, de conseiller technique, de chargé de mission et de chef de cabinet, au ministère chargé de la culture et au ministère de l’éducation de base.

Comme écrivain, il a dirigé l’Union des Écrivains Maliens (entre 1984-1988) et l’Union des Poètes et Écrivains d’Afrique (Congrès de Grand Bassam, 1985). Il a publié en français des romans et chroniques, des essais sur les filières artistiques et agricoles, des monographies, des recueils de poésie, des livres pour enfants. Il écrit et publie également en bamanankan.

Ismaila Samba Traoré est né à Bamako. Il fait ses études primaires à l’école de Niomirambougou et secondaires à l’Institut National des Arts avant d’être recruté par Radio Mali où il va travailler comme Producteur Réalisateur. En 1974, il arrive en France où il va mener des études pluridisciplinaires de Communication, Sociologie de la littérature et Anthropologie aux Universités de Bordeaux 2 et 3.

En 1993, lorsqu’il quitte la fonction publique, il crée La Sahélienne, qui est à la fois bureau d’études spécialisé dans les problèmes de culture et société et en analyse situationnelle. La Sahélienne est considérée comme n°1 de l’édition en bamanankan. Il est Prix ASHOKA de l’entrepreneuriat social. Il a fondé en 2009 le Mouvement Malivaleurs qui comporte un programme appelé Médiateurs dans la cité.

Itto Mehdaoui est née en 1991 à Paris. Elle commence par fréquenter le théâtre de l’Echangeur à Bagnolet au début des années 2000 où elle suit des cours réguliers de théâtre amateur. En 2011, elle entre à l’Ecole de la comédie de Saint Etienne. A sa sortie en 2014, elle crée le rôle de Jean dans Un été à Osage County de Tracy Letts, mis en scène par Dominique Pitoiset. Elle crée à partir de 2014, la performance théâtre/concert Volia Panic sur le cosmisme russe en co-mise en scène avec Alexis Forestier, de la compagnie Les Endimanchés. En 2016, elle joue dans le spectacle jeune public Quand j’étais petit je voterai, mis en scène par Emilie Capliez à la Comédie de Saint-Etienne. Elle jouera en 2017,

dans le spectacle Module Dada d’Alexis Forestier, créé au Théâtre de Vidy, à Lausanne. Elle participe également depuis 2014, à la création d’un lieu de vie, et de travail collectif La Quincaillerie à Venarey-les-Laumes, en Bourgogne.

Né à Genève le 1er août 1951, Jacques Probst est un auteur dramatique, metteur en scène et comédien suisse. Il a joué dans plus de soixante spectacles, avec une prédilection pour les pièces de William Shakespeare, Webster, Samuel Beckett, Heiner Müller, Harold Pinter, Brendan Francis Behan, Edward Bond. Il est l’auteur depuis 1969 d’une vingtaine de pièces pour le théâtre, allant du monologue (Torito, Le Banc de touche, La Lettre de New York, Ce qu’a dit Jens Munk à son équipage, Lise, l’île…) à des pièces de dix, quinze, voire plus de 20 personnages (La Septième Vallée, Sur un rivage du lac Lé­man, On a perdu Ferkap, La Route de Boston) ou encore des pièces de trois, cinq, sept personnages (Jamais la mer n’a rampé jusqu’ici, L’Amérique, Le Quai, Missaouir la ville, Le Chant du muezzin, Un gué sur l’Aumance…). 

Ces pièces ont été représentées en Suisse, en France, en Belgique, dans des mises en scène signées par Philippe Mentha, Fran­çois Berthet, Charlie Nelson, Roland Sassi, François Marin, Denis Maillefer, Joël Jouanneau, Jean-Pierre Denefve, Liliane Tondellier, Claude Thébert et Jacques Probst lui-même. 

Jacques Probst a souvent, et particulièrement pour les monologues, travaillé avec des musiciens, parmi lesquels Raul Esmerode, Patrick Mamie, Maurice Magnoni, Matthias Desmoulin, Popol Lavanchy, Pierre Gauthier, les frères Arthur et Market Besson, Olivier Magnenat, Christine Schaller, Claude Tabarini, Nicolas Meyer, Emilien Tolk, Jean-François Bovard, Diego Marion, Patricia Bosshard. Plusieurs de ses pièces ont fait l’objet d’en­registrements pour la Radio Suisse Romande et France Culture. 

Jacques Probst a, en outre, écrit trois scénarios de films : Le Rapt, d’après la Séparation des Races de C.F. Ramuz, une coproduction RTS et TF1, Torito, RTS, et Le Désert comme un jardin pour la réalisatrice Maya Simon. Ses Huit monologues (Théâtre I), parus chez Bernard Cam­piche Éditeur en 2005, ont reçu le Prix de la Fondation Pittard de l’Andelyn en 2005, à Genève, et le Prix Schiller en 2006.

Née à Lyon en 1987, elle pratique théâtre et chant dans l’enfance, intègre une classe à PAC littéraire option art dramatique puis suit des études de droit, de lettres et d’espagnol, en partie à Madrid et Montréal où elle commence à écrire.

En 2012, elle est diplômée de l’ENSATT, département d’écriture dramatique fondé par Enzo Cormann, et poursuit ses recherches en doctorat à l’ENS de Lyon. Conviée en 2017 au 2ème forum des nouvelles écritures dramatiques européennes au Théâtre royal flamand de Bruxelles (KVS), Julie Rossello-Rochet a écrit une quinzaine de textes pour acteurs et marionnettes mis en scène, en ondes, ou en voix par Fabrice Gorgerat, Eloi Recoing, Sasha Todorov, Émilie Valantin, Blandine Masson & Jacques Taroni, Guillaume Fulconis, Alexandre Plank, Julie Guichard, Christian Taponard, Michel Dydim et Lucie Rébéré. 

Parmi eux : DUO (lorsqu’un oiseau se pose sur une toile blanche), publié chez L’Entretemps (2014 ), lauréat de l’aide à la création du CNT (2012), enregistré à Théâtre Ouvert par France Culture, sélectionné par le Bureau des lecteurs de la Comédie Française, le TAPS Strasbourg, la Mousson d’été, mis en scène par Fabrice Gorgerat au Théâtre du Poche GVE (2015), sélection restreinte des Rencontres du Théâtre suisse 2016 ; ELEONORA, sélectionné dans la moisson des auteurs SACD-Entr’Actes n°72, traduit en anglais par Max McGuinness (bourse traduction Beaumarchais-SACD 2013), lu et chanté par l’auteure au Théâtre des Marronniers (2016) ; CROSS, chant des collèges, publié aux Editions Théâtrales (2017), lauréat des Journées des auteurs de Lyon (2016), sélectionné par le comité de lecture lycéens du Théâtre des Célestins, écrit pour et mis en scène par Lucie Rébéré dans le cadre des Controverses, commande de la Comédie de Valence CDN Drôme-Ardèche (spectacle en tournée). 

PART-DIEU, chant de gare, écrit pour le festival EN ACTE(S) à Lyon, lauréat du concours Avoir 20 ans de la Fondation Johnny Aubert-Tournier Maisons Mainou, mis en scène par Julie Guichard au Théâtre de l’Élysée en mars 2017 (publication à venir). Elle a traduit Le Petit Retable de Don Cristobal de Federico Garcia Lorca pour le Théâtre Aux Mains Nues (2011). Elle a été dramaturge auprès de Mathieu Bertholet pour 1913 (Comédie de Genève) et Derborence d’après l’oeuvre de Charles-Ferdinand Ramuz (Vidy-Lausanne) et elle collabore à des revues (ARTE VIVA ARTE, Biennale d’art contemporain de Venise 2017, Mouvement, arts et politique ; Le Bruit du monde). En 2014, elle a co-fondé avec la metteure en scène Lucie Rébéré la compagnie LA MAISON à Lyon pour qui elle écrit actuellement ATOMIC MAN, chant d’amour, Ambivalence(s) (2018) (Comédie de Valence, CDN Drôme-Ardèche). 

Julie Rossello-Rochet intervient ponctuellement au sein d’universités et d’écoles supérieures d’arts (ENSATT ; Académie de Théâtre de Shanghaï ; Manufacture HETSR-Lausanne ; Université Grenoble-Alpes … ), et donne des ateliers d’écriture (Maison George Sand, centre pénitentiaire de Valence, réseau Canopé, TNG-CDN Lyon … ).

Elle écrit par ailleurs poèmes et textes libres, publiés sous le nom de Simona Calder, elle a récemment prêté voix et visage à Luna Incognita, court métrage de Kiyé Simon Luang, sur une musique originale de Louise Mamfredos (Film Flamme, 2017).

Lionel Brady est né, à Genève en 1984, de mère suisse et de père irlandais. Après un bref passage au Collège Voltaire, il se forme au Conservatoire de Musique de Genève, section Art Dramatique dont il obtient le certificat d’étude pré-professionnelle avec mention en 2006.

Au théâtre, il s’est formé et a travaillé notamment avec : Jacques Maître, Anne-Marie Delbart, Claude Thébert, Jean Liermier, Evelyne Didi, Valérie Poirier, Yvan Rhis, José Lillo, Elena Hazanov, Philippe Lüscher, Philippe Cohen, Vincent Coppey, Julien George, Nicolas Musin et Vincent Babel.

En 2007, il assiste Evelyne Didi à la mise en scène dans un stage sur Dimanche, de Michel Deutsch. En 2008, il interprète Tibia dans Les Caprices de Marianne de Musset à Vidy puis en tournée, sous la direction de Jean Liermier. En 2009, il joue dans Les Nuits blanches de Dostoïevski, mis en scène par José Lillo au Théâtre de Carouge, puis interprète Britannicus dans la mise en scène de François Landolt au Théâtre du Cilo. Anne-Marie Delbart le met en scène dans Splendor in the Grass de Manon Pulver et Valérie Poirier en 2010. En 2011, il interprète deux rôles dans le spectacle Bal à la sauvette de Dorothée Thébert et Filippo Filliger au Théâtre de l’Orangerie puis en tournée en Suisse romande. Il met en scène Haute-Autriche de Franz Xaver-Kroetz, au Casino Théâtre de Rolle. On a aussi pu le voir dans Figaro!, mis en scène par Jean Liermier ainsi que dans La valise rouge, aux côtés de Claude Thébert. Récemment il a joué dans Assoiffés de Wajdi Mouawad mis en scène par Vincent Babel au Théâtre du Crève Coeur.

Née à Santiago du Chili en 1968, Marcela San Pedro s’est formée à la Folkwang Hochschule, à Essen, sous la direction artistique de Pina Bausch. Elle travaille comme interprète, chorégraphe et metteur en scène à Genève dès 1995. Elle a collaboré avec divers chorégraphes: Wanda Golonka, Frank Micheletti, Yann Marussich, Caroline de Cornière, Fabienne Abramovich. Interprète au sein de Vertical Danse-Cie Noemi Lapzeson, depuis 1997. 

Elle est directrice artistique de Le Ciel Productions, association dédiée à la création interdisciplinaire, explorant les espaces frontaliers entre musique, mouvement, texte, image et installation. Depuis l’année 1999, elle a créé Poursuite(s), Thin as Pain, Je t’aime beaucoup, Coupables Tendances Chorégraphiques, Mémoire du corps, Se reposer sur le dos d’un Tigre,x3/…, Silence/on pense…, Chute(s), ainsi que le projet de recherche et d’improvisation La dernière Année.

Elle travaille au théâtre, sur scène ou en collaboration avec des metteurs en scène suisse romands: Jerome Richer, Maya Boesch, Pierre Alexandre Jeoffret, Marc Liebens, Andrea Novicov; s’intéresse autant à la préparation physique des comédiens, qu’à des questions du gestion du corps et l’espace sur scène, ainsi qu’à la dramaturgie. Enseigne et pratique le yoga depuis 2000, a obtenu le diplôme d’état de pédagogie en danse contemporaine en 2012, au CFEDEM Bordeaux. Elle intervient régulièrement au CFC/Genève, a donné des cours de mouvement à La Manufacture/Lausanne, et à l’ENSATT/Lyon. Elle anime des ateliers de mouvement pour amateurs.

Elle prépare actuellement la sortie d’un livre dédié au labeur pédagogique et artistique de Noemi Lapzeson. Ce livre sera suivi d’un film-archive, avec comme base le cours développé par Noemi Lapzeson, afin que son matériel pédagogique-chorégraphique soit disponible et consultable par tout danseur, professeur de danse ou simple curieux.

C’est à l’université de Besançon que Marie-Ange Gagnaux découvre le théâtre en faisant la rencontre marquante d’Hélène Cinque et en participant alors à différents stages au Théâtre du Soleil. Plus tard, elle obtient un master d’études théâtrales sous la direction de Mireille Losco-Lena à l’université Lyon Il. En 2011, elle intègre l’École de la Comédie de Saint-Étienne sous la direction d’Arnaud Meunier. En 2014, elle rejoint les élèves de l’ENSATT pour la création de Résistance selon les mots, écrit et mis en scène par Armand Gatti pour les Nuits de Fourvière. En 2015, elle rejoint le Collectif X, alors invité par Gwenaël Morin au Théâtre permanent du Point du Jour à Lyon, pour la création de l’intégrale du Soulier de satin de Paul Claudel. En septembre 2015, elle fait partie de l’équipe artistique du CDN de Dijon en jouant notamment dans La Devise de François Bégaudeau mis en scène par Benoît Lambert. Parallèlement, elle poursuit ses compagnonnages avec différentes compagnies dont le Collectif X et la Cie de l’Armoise Commune.

Né en 1982, Bastien Semenzato est diplômé de la première volée de La Manufacture (Haute École de Théâtre de Suisse Romande). 

Au théâtre, il collabore entre autres avec le Théâtre en Flammes, notamment sur In love with Federer coécrit et co-mis en scène avec Denis Maillefer, Françoise Courvoisier, Jean Liermier, José Lillo, Joan Mompart et joue dans la plupart des institutions romandes. A la télévision, il reçoit le prix Swissperform du meilleur comédien en 2009 pour Les Caprices de Marianne réalisé par Helena Hazanov et joue un des rôles principaux de la série 10. En parallèle de son travail d’interprète et dans une volonté de création, il fonde avec Céline Nidegger la compagnie Superprod avec laquelle il vient de produire le spectacle La Maladie de la famille M. Il collabore également avec la compagnie l’Alakran, notamment sur le spectacle La Maison d’Antan dont il signe la version jouée dans les classes du Cycle d’orientation. Dès septembre 2016, il rejoint La Manufacture comme intervenant pédagogique pour le module « présence ».

Bastien Semenzato a remporté le Prix d’études d’art dramatique de la Fondation des coopératives Migros/Pour-cent culturel et le Prix d’études d’art dramatique de la Fondation Friedl-Wald en 2005-05 et 2005-06.

Né à Genève le 1er août 1951, Jacques Probst est un auteur dramatique, metteur en scène et comédien suisse. Il a joué dans plus de soixante spectacles, avec une prédilection pour les pièces de William Shakespeare, Webster, Samuel Beckett, Heiner Müller, Harold Pinter, Brendan Francis Behan, Edward Bond. Il est l’auteur depuis 1969 d’une vingtaine de pièces pour le théâtre, allant du monologue (Torito, Le Banc de touche, La Lettre de New York, Ce qu’a dit Jens Munk à son équipage, Lise, l’île…) à des pièces de dix, quinze, voire plus de 20 personnages (La Septième Vallée, Sur un rivage du lac Lé­man, On a perdu Ferkap, La Route de Boston) ou encore des pièces de trois, cinq, sept personnages (Jamais la mer n’a rampé jusqu’ici, L’Amérique, Le Quai, Missaouir la ville, Le Chant du muezzin, Un gué sur l’Aumance…). 

Ces pièces ont été représentées en Suisse, en France, en Belgique, dans des mises en scène signées par Philippe Mentha, Fran­çois Berthet, Charlie Nelson, Roland Sassi, François Marin, Denis Maillefer, Joël Jouanneau, Jean-Pierre Denefve, Liliane Tondellier, Claude Thébert et Jacques Probst lui-même. 

Jacques Probst a souvent, et particulièrement pour les monologues, travaillé avec des musiciens, parmi lesquels Raul Esmerode, Patrick Mamie, Maurice Magnoni, Matthias Desmoulin, Popol Lavanchy, Pierre Gauthier, les frères Arthur et Market Besson, Olivier Magnenat, Christine Schaller, Claude Tabarini, Nicolas Meyer, Emilien Tolk, Jean-François Bovard, Diego Marion, Patricia Bosshard. Plusieurs de ses pièces ont fait l’objet d’en­registrements pour la Radio Suisse Romande et France Culture. 

Jacques Probst a, en outre, écrit trois scénarios de films : Le Rapt, d’après la Séparation des Races de C.F. Ramuz, une coproduction RTS et TF1, Torito, RTS, et Le Désert comme un jardin pour la réalisatrice Maya Simon. Ses Huit monologues (Théâtre I), parus chez Bernard Cam­piche Éditeur en 2005, ont reçu le Prix de la Fondation Pittard de l’Andelyn en 2005, à Genève, et le Prix Schiller en 2006.

Pauline Peyrade étudie la mise en scène à la Royal Academy of Dramatic Art (Londres). En 2012, elle intègre le département Écriture Dramatique de l’ENSATT, dirigé par Enzo Cormann et Mathieu Bertholet. La même année, elle crée la revue Le bruit du monde. Elle est l’auteure de 0615, mise en ondes sur France Culture en 2016 ; Vingt centimètres, lue à la Mousson d’hiver en 2014 et au Théâtre National de Toulouse en 2015 ; et Ctrl-X, mise en scène par Cyril Teste en 2016 et publiée aux Solitaires Intempestifs avec Bois impériaux, lauréate de l’Aide à la Création du CnT. En 2015, elle propose deux textes dans le Festival IN d’Avignon, EST, créé avec Justine Berthillot pour les Sujets à Vif, et TIR (je n’étais pas amoureux de toi), lu pour le projet Binôme. 

En 2016, elle devient auteure associée au CDN de Montluçon-Auvergne, dirigé par Carole Thibaut, et dramaturge de la saison 2016-2017 au Théâtre POCHE/GVE, dirigé par Mathieu Bertholet. Co-fondatrice de la compagnie #CiE avec Justine Berthillot, leur première création, POINGS, sera présentée au Festival SPRING en 2018. Elle intervient par ailleurs au sein des départements d’écriture dramatique de l’ENSATT (Lyon) et de l’Ecole du Nord (Lille).

Bercé par les arts depuis son enfance, Yohan Jacquier, né en 1985, commence sa pratique musicale par le chant et le piano puis entre au CRR d’Annecy en classe de saxophone. Passionné par le jazz et les musiques improvisées, il entre au CPMDT de Genève et à l’AMR où il obtient son diplôme d’enseignement. Depuis 2007, il se produit dans de nombreux groupes en France et en Suisse : Push, La Fanfare du Loup Orchestra, Gypsy Sound System, Rootwords (au Paléo festival), Michael Cheret Quintet, Ivan Baldet Quintet (Jazz à Vienne)… 

Il aime également collaborer avec des artistes de différents horizons. Il travaille pour des créations de danse (Somogo, Filibert Tologo…), de théâtre (Cie STT Dorian Rossel…) ou encore de cinéma d’animation. Il enseigne au CAL de Genève depuis 2014 et a récemment formé son groupe, le Yohan Jacquier Quintet. En été 2015, il plonge dans les profondeurs de l’océan pour une création de la Compagnie du Balcon.

Née à Genève, Christiane Kolla se passionne très tôt pour la littérature, la photographie et les séjours à l’étranger. Le cinéma lui permettra de répondre complètement à ses rêves. Master de lettres de l’Université de Genève en littérature française, littérature anglaise, philosophie. Mémoire sur L’illusion d’optique dans A la recherche du Temps Perdu de Marcel Proust.

Emmanuelle Destremau est une artiste multiple : chanteuse, elle crée le groupe Ruppert Pupkin qui voyage entre les scènes rock et le cinéma. Son premier album, Run, est sorti en mai 2016. Auteure, elle publie pour le théâtre Les vieux os (2010), Cannibales Farce et Inside Georges (2014) qui reçoit l’aide à la création du ministère de la Culture français aux éditions, Le Bruit des Autres, ainsi que les Violettes, finaliste du Grand Prix de Littérature Dramatique 2006, texte adapté au cinéma par Benoît Cohen (2009) ; ainsi que Les Indiens, chez Lansman en 2014. Scénariste, elle coécrit le film Héros, de Bruno Merle, présenté à Cannes en 2007. Elle écrit aussi pour diverses compagnies et CDN et participe aux bals littéraires avec Fabrice Melquiot depuis 2010.

Elle a réalisé 9 documentaires de création pour la télévision entre 2001 et 2009 explorant les mondes et rencontrant les populations de Gaza, New-York et Paris. Comme comédienne et chanteuse, elle travaille au cinéma et au théâtre et a collaboré pendant 4 ans aux créations de Christophe Piret au Théâtre de Chambre (Nord). Elle codirige aujourd’hui la compagnie l’Organisation avec Elodie Segui.  En 2015, elles créent Cosmos110 (coproduit par Am Stram Gram) dont elle signe le texte, la création sonore et les vidéos. Elles conduisent plusieurs résidences-mission avec la DRAC Hauts de France et créent des performances dans des parkings et des musées nationaux. Elles préparent avec l’aide du TGP -Saint-Denis leur prochain spectacle : La modification des organes génitaux chez les poissons du lac de Thoune.

En 2016, elle est Suzette, chanteuse et actrice dans la dernière création de Fabrice Melquiot, produite par Am Stram Gram.

Guillaume Cayet est né en 1990 à Angomont, un petit village lorrain perdu au carrefour de la Meurthe-et-Moselle et des Vosges. Écolier, il se forme sur les planches du théâtre amateur communal et découvre le théâtre professionnel au Théâtre du Peuple de Bussang. Après des études universitaires et théâtrales à Metz et à Nancy, il intègre le département écrivain dramaturge de l’Ensatt à Lyon. C’est en 2014 que son premier diptyque, Les Immobiles / Proposition de rachat, est publié aux Editions Théâtrales, à la suite de l’attribution du prix des Journées de Lyon des Auteurs de Théâtre.

Depuis, Guillaume Cayet collabore avec la metteuse en scène Julia Vidit, pour qui il est dramaturge et écrit La Grande Illusion, une fable pour deux clowns et soixante comédien-ne-s amateur, ainsi que Dernières pailles, créé en 2016 à l’ACB – scène nationale de Bar-le-Duc où la compagnie de Julia Vidit est en résidence. La même année, il collabore avec elle à la dramaturgie/écriture du Menteur de Pierre Corneille.

Avec le metteur en scène Jules Audry, c’est un autre partenariat qu’il entame en 2014 et qui les amène à développer ensemble en 2015 à la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon – Centre national des écritures du spectacle le projet d’écriture Une commune. Cette collaboration les conduit également à mettre en place avec les actrices Janice Szczypawka et Aurélia Lüscher le projet États généraux, une série de films documentaires dressant un état des lieux des campagnes françaises et dont le premier épisode est réalisé dans la communauté de communes du Piémont vosgien en 2016.

Dernières pailles et Une commune constituent les deux premiers volets du triptyque d’écriture Retourner l’effondrement, publiés ensemble en 2016 aux Editions Théâtrales, et dont le troisième volet, La terre se dépose au fond, est à paraître en 2017.

Avec Aurélia Lüscher, il fonde la compagnie Le Désordre des choses qui crée en 2015 Les Immobiles, et avec laquelle il ouvre en 2016 un nouveau cycle d’écriture autour de la fracture coloniale intitulé Sortir de la nuit dont le premier texte, Babar (le transparent noir), écrit à la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon, sera créé en 2017-2018 à la scène régionale de Riom, où la compagnie est en résidence artistique.

Née à Santiago du Chili en 1968, Marcela San Pedro s’est formée à la Folkwang Hochschule, à Essen, sous la direction artistique de Pina Bausch. Elle travaille comme interprète, chorégraphe et metteur en scène à Genève dès 1995. Elle a collaboré avec divers chorégraphes: Wanda Golonka, Frank Micheletti, Yann Marussich, Caroline de Cornière, Fabienne Abramovich. Interprète au sein de Vertical Danse-Cie Noemi Lapzeson, depuis 1997. 

Elle est directrice artistique de Le Ciel Productions, association dédiée à la création interdisciplinaire, explorant les espaces frontaliers entre musique, mouvement, texte, image et installation. Depuis l’année 1999, elle a créé Poursuite(s), Thin as Pain, Je t’aime beaucoup, Coupables Tendances Chorégraphiques, Mémoire du corps, Se reposer sur le dos d’un Tigre,x3/…, Silence/on pense…, Chute(s), ainsi que le projet de recherche et d’improvisation La dernière Année.

Elle travaille au théâtre, sur scène ou en collaboration avec des metteurs en scène suisse romands: Jerome Richer, Maya Boesch, Pierre Alexandre Jeoffret, Marc Liebens, Andrea Novicov; s’intéresse autant à la préparation physique des comédiens, qu’à des questions du gestion du corps et l’espace sur scène, ainsi qu’à la dramaturgie. Enseigne et pratique le yoga depuis 2000, a obtenu le diplôme d’état de pédagogie en danse contemporaine en 2012, au CFEDEM Bordeaux. Elle intervient régulièrement au CFC/Genève, a donné des cours de mouvement à La Manufacture/Lausanne, et à l’ENSATT/Lyon. Elle anime des ateliers de mouvement pour amateurs.

Elle prépare actuellement la sortie d’un livre dédié au labeur pédagogique et artistique de Noemi Lapzeson. Ce livre sera suivi d’un film-archive, avec comme base le cours développé par Noemi Lapzeson, afin que son matériel pédagogique-chorégraphique soit disponible et consultable par tout danseur, professeur de danse ou simple curieux.

Marc Tamet écrit des pièces de théâtre, des formes courtes, des livrets pour la musique contemporaine, ainsi que des arguments pour la danse. Ses textes ont fait l’objet de mises en scène, de diffusions radiophoniques et de mises en voix. Il collabore régulièrement à des revues politiques et littéraires. 

Boursier du CNL (Centre national du livre) en 2002 et 2008, il a également bénéficié de l’aide à la création de la DMDTS en 2000, 2003 et 2005. Il a été accueilli à plusieurs reprises pour des résidences d’écriture, entre autres, au CNES de la Chartreuse (Centre national des écritures du spectacle), au Centre des Ecritures Dramatiques Wallonie Bruxelles (Résidence Mariemont, Belgique), aux Maisons Mainou (Résidence suisse d’écriture dramatique et de musique pour la scène). Il organise régulièrement des rencontres publiques ou des ateliers concernant l’écriture théâtrale contemporaine. 

Une partie de son théâtre est publié chez Passage d’encres, Lansman, l’Harmattan. Marc Tamet vit et travaille à Paris.

Né en 1934, est auteur, traducteur, adaptateur pour le théâtre, dramaturge et metteur en scène à Bruxelles, Berlin, Vienne, Paris. Il a notamment travaillé avec Benno Besson à la Volksbühne dans les années 70 et à la Comédie de Genève (1983). Il a traduit, entre autres, Manfred Karge (La Conquête du Pôle Sud, Faust 1911), Franzobel (Kafka, une comédie), Maxime Gorki (Les Estivants), Heiner Müller (L’Opéra du Dragon, La Déplacée), George Tabori (Le Courage de ma Mère, La Ballade de l’escalope viennoise).

En 2004, il fonde, avec la comédienne Elise Levron, la Compagnie Pérédelkino, dont le projet de recherche théâtrale sous toutes ses formes contemporaines est ouvert aux autres disciplines du spectacle vivant: danse, musique, arts plastiques et puise aux sources d’une écriture qui rompt avec la narration linéaire, aux limites d’une écriture “cubiste” (Berthold Brecht, Valeska Gert) et du formalisme russe (Meyerhold, Schlosvky). Il écrit dans de nombreuses revues de théâtre dont entre autres: Alternatives théâtrales, Les Cahiers de Prospero, Cassandre, Ubu scènes d’Europe, Études théâtrales (Louvain-la-Neuve).

Comédien et musicien (batteur), Hugo est également compositeur et scénariste. Il travaille avec Jean Bellorini dans Tempête sous un crâne, d’après Les Misérables de Victor Hugo, dans Paroles Gelées d’après l’oeuvre de Rabelais et bientôt dans Liliom de Ferenc Molnar ainsi que dans La Bonne âme du Se-Tchouan de Bertolt Brecht. Directeur artistique de la compagnie La Boîte du Souffleur avec Jean Barlerin, il a été formé à l’École Claude Mathieu et en est sorti en 2008. Au sein de sa compagnie, il joue dans Le Misanthrope et l’Auvergnat d’Eugène Labiche, mis en scène par Jean Barlerin et Chrystèle Lequiller, dans Graine d’escampette écrit et mis en scène par Lucie Leroy, et met en scène Le Magicien d’Oz avec Maud Bouchat, dont il a aussi composé les musiques. En 2011, il interprète le peintre Lantara au Musée de Barbizon (mis en scène par Chrystèle Lequiller et Pierre Vos). Parallèlement, il tourne dans des courts et longs-métrages ainsi qu’à la télévision pour Canal + ou France 2. En 2011, il réalise son premier court-métrage, Monsieur Paul et prépare actuellement plusieurs autres films.

Après avoir passé son enfance au sein du Théâtre Populaire Romand et du Théâtre Populaire d’Amiens, fait une formation de danse classique à la Royal Academy of Dancing (à Londres), un Bac Lettres-Musique (à Amiens), une Licence de Philosophie à La Sorbonne (à Paris), une formation théâtrale au Théâtre Populaire de Marseille, et une formation de Metteur en Ondes à La Radio Suisse Romande, après avoir joué comme comédienne en France au Centre Dramatique de Basse-Normandie, en Suisse (Bouches Décousues, de Jasmine Dubé par le Théâtre Claque, en Belgique (Théâtre Océan Nord d’Isabelle Pousseur) au Luxembourg (Théâtre des Capucins), ou en Espagne (Teatro de la Estacion), dans des institutions comme le Théâtre de Carouge, avec des équipes comme Les ArtPenteurs, des metteurs en scène comme Serge Martin ou Franck Hoffmann, des rôles comme Puck dans Le Songe ou Mara dans L’Annonce faite à Marie, des créations contemporaines comme Vendredi, jour de liberté de Hugo Claus (Prix Charles Dullin) ou Nuit de Jean-Daniel Coudray (Prix Beaumarchais), mais aussi de la danse-théâtre (Compagnie 100%Acrylique) et même du Catch-Théâtre, (Tanzi, Claire Luckham), Isabelle Bonillo se met à la mise en scène (Aube noire sur la Plaine des Merles de Anne-Lise Thurler), à l’écriture (Au fil de l’O), notamment à partir d’interviews (Chute d’ange dans le quartier de Bellevaux) et au montage de ses propres créations (La Femme-Escargot), avec sa compagnie (T-âtre) et son camion-chapiteau. 

Un de ses spectacles (L’Avare d’après Molière) est vendu par la Comédie de Genève et, prochainement, par le Théâtre du Passage (à Neuchâtel). Depuis quelques années, sa compagnie est en partenariat avec le Collectif Nunc (Jo Bögli) et le Théâtre du Moulin-Neuf (Le Printemps, Turandot, Georges Dandin, Après la pluie, Galilée, Y sont fous, ces Helvètes, Revue théâtrale d’épouvante, Dog’s Hamlet, Les Saisons indisciplinées). Isabelle Bonillo est actuellement “sous le coup” d’une commande d’écriture avec la Comédie de Genève, destinée à donner lieu à une production au Printemps 2015.

Né à Cannes en 1985, Julien Gaspar a suivi la formation du Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris. Comme comédien, il travaille sous la direction de Didier Bezace dans Que la noce commence (Théâtre de la Commune CDN d’Aubervilliers, 2012) et pour la télévision (pour Arte dans la série Ainsi soient-ils en 2013). 

Metteur en scène, il est artiste associé au Théâtre Antibéa à Antibes depuis 2012, où il mène un travail sur l’œuvre de Jean-Luc Lagarce. Il prépare aujourd’hui l’adaptation d’une nouvelle de Hermann Ungar, Kostia. Il a également réalisé deux courts-métrages : Loin de Benjamin (2011) et Passe en 2013. Il est l’auteur du scénario Villeperdue, actuellement en développement.

Née à Santiago du Chili en 1968, Marcela San Pedro s’est formée à la Folkwang Hochschule, à Essen, sous la direction artistique de Pina Bausch. Elle travaille comme interprète, chorégraphe et metteur en scène à Genève dès 1995. Elle a collaboré avec divers chorégraphes: Wanda Golonka, Frank Micheletti, Yann Marussich, Caroline de Cornière, Fabienne Abramovich. Interprète au sein de Vertical Danse-Cie Noemi Lapzeson, depuis 1997. 

Elle est directrice artistique de Le Ciel Productions, association dédiée à la création interdisciplinaire, explorant les espaces frontaliers entre musique, mouvement, texte, image et installation. Depuis l’année 1999, elle a créé Poursuite(s), Thin as Pain, Je t’aime beaucoup, Coupables Tendances Chorégraphiques, Mémoire du corps, Se reposer sur le dos d’un Tigre,x3/…, Silence/on pense…, Chute(s), ainsi que le projet de recherche et d’improvisation La dernière Année.

Elle travaille au théâtre, sur scène ou en collaboration avec des metteurs en scène suisse romands: Jerome Richer, Maya Boesch, Pierre Alexandre Jeoffret, Marc Liebens, Andrea Novicov; s’intéresse autant à la préparation physique des comédiens, qu’à des questions du gestion du corps et l’espace sur scène, ainsi qu’à la dramaturgie. Enseigne et pratique le yoga depuis 2000, a obtenu le diplôme d’état de pédagogie en danse contemporaine en 2012, au CFEDEM Bordeaux. Elle intervient régulièrement au CFC/Genève, a donné des cours de mouvement à La Manufacture/Lausanne, et à l’ENSATT/Lyon. Elle anime des ateliers de mouvement pour amateurs.

Elle prépare actuellement la sortie d’un livre dédié au labeur pédagogique et artistique de Noemi Lapzeson. Ce livre sera suivi d’un film-archive, avec comme base le cours développé par Noemi Lapzeson, afin que son matériel pédagogique-chorégraphique soit disponible et consultable par tout danseur, professeur de danse ou simple curieux.

Après une formation au Conservatoire National d’Athènes où il étudie le piano, l’harmonie, la fugue et le contrepoint et au CNSM de Paris, il obtient en 2007 le Prix d’honneur de l’Académie d’Athènes, la Bourse d’études de la Fondation Leventis ainsi que celle de l’État grec. En juillet 2010, il est invité au Festival de Nohant pour participer à la masterclass d’Yves Henry et donner un récital. En décembre 2010, il interprète le Premier Concerto pour piano de Brahms avec l’Orchestre de la RATP sous la direction de Martin Lebel, œuvre reprise en avril 2011 avec l’Orchestre National d’Athènes au Megaron, à Athènes. En juillet 2011, il est nommé Lauréat HSBC de l’Académie du Festival d’Aix-en-Provence. 

En tant que chef de chant, il participe aux Noces de Figaro, en 2010 et à La Flûte Enchantée, en 2011 de Wolfgang Amadeus Mozart, sous la direction de Kenneth Weiss et de Yann Molénat. En janvier 2011, il est pianiste d’orchestre dans Ô mon bel inconnu de Reynaldo Hahn, à l’Opéra Comique, sous la direction d’Emmanuel Olivier. En juillet 2012, il participe à la production de L’enfant et les sortilèges de Maurice Ravel, dans l’arrangement pour piano à quatre mains, flûte et violoncelle de Didier Puntos, au Festival d’Aix-en-Provence, en tant que chef de chant et pianiste. En juillet 2013, il est chef de chant dans la production de Rigoletto au Festival d’Aix. En septembre 2012, il est nommé assistant de la classe de chant d’Isabelle Guillaud, au CNSM de Paris.

Née en 1962, elle se forme à la mise en scène à l’Institut national supérieur des arts du spectacle, à Bruxelles (INSAS). Parallèlement à son travail de metteure en scène (Georges Feydeau, Courteline, Hugo Claus…), elle écrit des textes humoristiques, ce qui l’amène à quitter l’Europe pour suivre les cours de l’Ecole nationale de l’humour à Montréal. De retour sur le vieux continent, elle découvre le personnage du clown avec Martine Bührer, puis chez Guy Ramet, à Bruxelles.

Avec son clown Olga, elle fait des animations et du théâtre de rue au sein de la compagnie Un air de clown, ainsi que des spectacles tout publics dont elle coécrit les textes. (Olga et Berlingotte dans les livres, Tranche de lune). Elle joue également sans son nez rouge (L’hôtel des deux mondes, Du sexe, merci juste un nuage). Ce dernier spectacle a donné une suite qu’elle a coécrit avec les autres comédiennes (Du sexe? Encore!?) qui s’est joué dernièrement au Théâtre Pitoëff et en Suisse romande.

Née à Santiago du Chili en 1968, Marcela San Pedro s’est formée à la Folkwang Hochschule, à Essen, sous la direction artistique de Pina Bausch. Elle travaille comme interprète, chorégraphe et metteur en scène à Genève dès 1995. Elle a collaboré avec divers chorégraphes: Wanda Golonka, Frank Micheletti, Yann Marussich, Caroline de Cornière, Fabienne Abramovich. Interprète au sein de Vertical Danse-Cie Noemi Lapzeson, depuis 1997. 

Elle est directrice artistique de Le Ciel Productions, association dédiée à la création interdisciplinaire, explorant les espaces frontaliers entre musique, mouvement, texte, image et installation. Depuis l’année 1999, elle a créé Poursuite(s), Thin as Pain, Je t’aime beaucoup, Coupables Tendances Chorégraphiques, Mémoire du corps, Se reposer sur le dos d’un Tigre,x3/…, Silence/on pense…, Chute(s), ainsi que le projet de recherche et d’improvisation La dernière Année.

Elle travaille au théâtre, sur scène ou en collaboration avec des metteurs en scène suisse romands: Jerome Richer, Maya Boesch, Pierre Alexandre Jeoffret, Marc Liebens, Andrea Novicov; s’intéresse autant à la préparation physique des comédiens, qu’à des questions du gestion du corps et l’espace sur scène, ainsi qu’à la dramaturgie. Enseigne et pratique le yoga depuis 2000, a obtenu le diplôme d’état de pédagogie en danse contemporaine en 2012, au CFEDEM Bordeaux. Elle intervient régulièrement au CFC/Genève, a donné des cours de mouvement à La Manufacture/Lausanne, et à l’ENSATT/Lyon. Elle anime des ateliers de mouvement pour amateurs.

Elle prépare actuellement la sortie d’un livre dédié au labeur pédagogique et artistique de Noemi Lapzeson. Ce livre sera suivi d’un film-archive, avec comme base le cours développé par Noemi Lapzeson, afin que son matériel pédagogique-chorégraphique soit disponible et consultable par tout danseur, professeur de danse ou simple curieux.

Né en 1934, est auteur, traducteur, adaptateur pour le théâtre, dramaturge et metteur en scène à Bruxelles, Berlin, Vienne, Paris. Il a notamment travaillé avec Benno Besson à la Volksbühne dans les années 70 et à la Comédie de Genève (1983). Il a traduit, entre autres, Manfred Karge (La Conquête du Pôle Sud, Faust 1911), Franzobel (Kafka, une comédie), Maxime Gorki (Les Estivants), Heiner Müller (L’Opéra du Dragon, La Déplacée), George Tabori (Le Courage de ma Mère, La Ballade de l’escalope viennoise).

En 2004, il fonde, avec la comédienne Elise Levron, la Compagnie Pérédelkino, dont le projet de recherche théâtrale sous toutes ses formes contemporaines est ouvert aux autres disciplines du spectacle vivant: danse, musique, arts plastiques et puise aux sources d’une écriture qui rompt avec la narration linéaire, aux limites d’une écriture “cubiste” (Berthold Brecht, Valeska Gert) et du formalisme russe (Meyerhold, Schlosvky). Il écrit dans de nombreuses revues de théâtre dont entre autres: Alternatives théâtrales, Les Cahiers de Prospero, Cassandre, Ubu scènes d’Europe, Études théâtrales (Louvain-la-Neuve).

Née en 1982, elle s’inscrit en 1997 au Théâtre des Jeunes de Pully (TJP) avec lequel elle participe à 3 comédies musicales. Par la suite, elle suit les cours pré professionnels  animés, pour le théâtre, par Kevin Buckmaster, Charlotte Kitabgi, Antonio Llaneza, Jean Mars et, pour le chant, Jacqueline Savoyant. Elle jouera dans: On a pas l’R Q (hommage à Raymond Queneau), Sur la route de Korazim (Compagnie de la Marelle), Barbe d’Or (conte pour enfants) et le rôle titre de sa propre pièce, Sola, la sorcière et l’inquisiteur, créée au Château de Chillon en 2012. Elle met en scène des spectacles (dont elle est parfois l’auteur) pour des pros, des amateurs et des groupes de jeunes (jusqu’à 100 enfants) tant en Suisse qu’en France. Elle enseigne au TJP depuis 2005 et à l’École Diggelmann à Lausanne depuis 2009. Écrire pour le théâtre est sa seconde passion. Elle travaille également sur l’écriture de chansons pour des chœurs.

D’origine franco-algérienne, Valérie Poirier passe son enfance à la Chaux de Fonds avant de s’installer à Genève pour y suivre les cours du Conservatoire d’art dramatique. Elle travaille quelques années en tant que comédienne avant de se tourner vers l’écriture. 

Auteure d’une dizaine de pièces, elle obtient, en 1993, un prix des Antennes théâtrales pour sa première pièce Quand la vie bégaie. Son texte, Les Bouches, a reçu en 2004 le Prix de la Société des Auteurs. Il a été mis en scène au Théâtre du Grütli en 2006. Lauréate de Textes en scènes 2006, elle écrit Loin du Bal. Le texte est mis en scène par Martine Paschoud au Théâtre Le Poche à Genève en 2009.  

En 2007, elle écrit une nouvelle version de Quand la vie bégaie qui sera mise en scène la même année par Camille Giacobino au Théâtre du Galpon à Genève. 

En 2008, elle met en scène son texte Objets trouvés au Conservatoire d’art dramatique de Genève. Ce dernier a fait l’objet d’une master class animée par Gian Manuel Rau au Festival d’Avignon 2010. La même année, elle est finaliste du Prix Labou Tansi pour Loin du Bal, et le même texte est sélectionné par ANETH (Aux nouvelles écritures théâtrales). 

En 2011, elle écrit Pièces détachées qu’elle met en scène aux Marionnettes de Genève en janvier 2012. Un recueil de ses textes est publié chez Bernard Campiche sous le titre: Loin du bal et autres textes.

Nadine Sauterel est née en 1978 à Fribourg. A neuf ans, elle commence à écrire et s’initie aux arts dramatiques avec le Petit théâtre de la Ville dirigé par Georges-Albert Gremaud. Elle continue sa formation au sein du Théâtre en brosse sous l’égide d’Yves Loutan. En 1996, Nadine s’expatrie à Strasbourg où elle étudie les lettres modernes et classiques et suit les cours de théâtre de Mikhail Kroutov avant de fréquenter les bancs de la Sorbonne à Paris. 

Parallèlement, elle rédige des vignettes littéraires pour le quotidien fribourgeois La Liberté. De retour à Fribourg, elle écrit pour le journal universitaire Spectrum et obtient sa licence en philologie classique. Elle se rend ensuite en Pologne pour effectuer un stage à l’Alliance française de Szczecin où elle crée un atelier de théâtre. Elle travaille ensuite dans différents milieux de l’enseignement tout en se consacrant à l’écriture et aux arts scéniques dont elle affine la pratique par la fréquentation d’ateliers d’art vivant, de danse, de cours d’accordéon et par des stages de mise en scène et dramaturgie pour l’opéra au Stadttheater Biel-Solothurn. 

Lauréate, en 2009, du Prix littéraire Studer-Ganz, auteure de Crépuscule, grande fresque médiévale jouée en plein air (Estavayer-le-Lac, juin 2009), de Métamorphose, spectacle pluridisciplinaire en plein air commandé par la Fondation de Cluny à l’occasion de son 1100è anniversaire (Payerne, 2010), elle signe, depuis 2010, les créations - adaptations (Shakespeare, Molière, Rostand) jouées par la Troupe Vertige du Collège de Gambach à Fribourg.  

Actuellement, Nadine se consacre à l’écriture de Eve et Adam, programmée en septembre 2012 au Bilboquet à Fribourg (et tournée) ainsi qu’à celle de son prochain spectacle, Les Anophtalmes et prépare sa thèse sur la rhétorique d’apparat à Gaza à l’époque tardo-antique (Université de Nantes).

Lysistrata, d’après mais bien après Aristophane, comédie écrite en 2011 dans le cadre de sa résidence aux Maisons Mainou, est en cours de production.

Luisa Campanile est née en 1973 à Sion de parents italiens. Après une licence en psychologie, elle entre au Conservatoire de Lausanne en section d’arts dramatiques. Elle séjourne ensuite en Italie où elle fait ses débuts d’assistante à la mise en scène au Piccolo Teatro de Milan tout en étant correspondante pour RAI-3/Radio. 

De retour en Suisse, elle fonde le Collectif Iter, collectif destiné à la création contemporaine à partir de thématiques sociétales et impliquant auteurs, comédiens et metteurs en scène. Pendant dix ans, elle le dirige, l’anime et en produit plusieurs créations. Ce collectif se fera connaître sur les scènes suisses romandes dont notamment au Festival de la Bâtie, au Théâtre Saint-Gervais de Genève et à Nuithonie.

Luisa Campanile expérimente également des formes poétiques sur scène en montant entre autres Murale de Mahmoud Darwich et Loin tiré de l’œuvre poétique de Youssef Saadi. 

Depuis 2006, elle enseigne le théâtre et les techniques de communication à Genève auprès de collégiens. En 2008, Luisa Campanile publie aux Editions Xénia, Flux migratoires, auto-fiction sur la procédure de naturalisation suisse, puis l’adapte pour le théâtre au Théâtre Saint-Gervais de Genève. Cette pièce tourne actuellement aussi bien pour un public de salle que pour un public adolescent. 

En 2010, elle publie aux Éditions Samizdat un recueil de poèmes De l’eau et d’autres désirs, distingué par PoésYvelines 2011. La même année, elle a mis en lecture au Théâtre du Loup de Genève sa pièce Mère Solitude. 

En 2012, elle publie dans la revue Variations des extraits de sa première pièce de théâtre La Mandragore. Lecture au Forum Meyrin de Genève de De l’eau et d’autres désirs par les élèves de La Manufacture, mise en lecture de Denis Maillefer. Obtention de la bourse Étincelles du DECS de l’Etat du Valais pour la reprise de Flux migratoires auprès des collégiens.

Il sort diplômé de la London International Film School puis assiste Karel Reiz et Alain Tanner avec qui il fonde sa maison de production.

Il a plus de vingt-six films à son actif dont After Darkness, Night Angel, Halloween 5, Sandra c’est la vie, Beyond Desire, Les Croisés et très récemment Dirty Money - L’infiltré. Pour Henry Dunant - du Rouge sur la Croix, 47 premières mondiales ont été organisées par le DFAE, les Ambassades suisses et La Croix Rouge. 

Il réalise également des documentaires dont La Lutte des Femmes de Juarez et On the Trail of Wangari Maathai.

Musicien de formation, il démarre sa carrière théâtrale en 1991 dans l’itinérance. Diplomé de l’INSAS section interprétation dramatique en 1995, Stéphane Oertli s’intéresse très vite à la mise en scène. Il fonde sa compagnie Fraction en 1998. Son premier spectacle C’est arrivé demain d’après des textes de Dario Fo et Franca Rame reçoit le prix Théâtre en compagnie 1998. Il travaille ensuite avec Fabrice Gorgerat pendant 3 ans à La Grange de Dorigny à Lausanne. 

En parallèle, il fait une rencontre déterminante en la personne du metteur en scène lituanien Emuntas Nekrosius. S’en suivent deux années de travail et une tournée de 100 représentations de La Mouette, d’Anton Tchekov en Russie et en Italie. De retour d’Italie en 2002, il monte Ciment, Cemento, Zement d’après Heiner Müller. Toujours en 2002, il rencontre le metteur en scène Bulgare Galin Stoev. De cette rencontre naîtront  trois spectacles produits par Fraction dont Oxygène d’Ivan Viripaev qui tournera pendant 4 ans et fera plus de 150 dates. Ce spectacle sera programmé en 2007 dans le Festival In d’Avignon. 

Toujours en 2007, Stéphane Oertli écrit, met en scène et compose la musique de Beards I Daemonie, d’après Barbe Bleue, le premier volet d’une trilogie de nouvel opéra, produit dans le cadre du projet européen Prospero en coproduction avec le Théâtre de la Place à Liège, Ert (Emilia Romagna Teatro), le TNB de Rennes, Bozar et Ars Musica. En 2008 et 2009, il se consacre à l’écriture et à la composition musicale. A ce titre il fera une résidence d’écriture à La Chartreuse de Villeneuve les Avignons. En 2010 Stéphane Oertli monte Penny Alone au Poème2 à Bruxelles où il est artiste associé pour la saison. Il se consacre aujourd’hui à l’écriture de son prochain spectacle Brutus mon frère!.

Née en 1975, à Angers. De 1999 à 2002, elle est élève comédienne à La Comédie, à Angers. Parallèlement, elle écrit pour le cinéma. En 1994, elle signe le scénario d’un moyen-métrage pour la Maison de la Jeunesse, dans le cadre d’activités pour les jeunes de quartiers défavorisés. En 2000, elle est lauréate du concours de scénariste amateur, organisé par le Festival Premiers Plans d’Angers.

Elle devient comédienne professionnelle en 2000. De 2002 à 2005, elle est administratrice de la compagnie théâtrale Le Troisième Œil. Pour cette compagnie, elle écrit et monte une comédie dramatique, grâce à une convention de résidence et de production de spectacle. En 2005, elle est directrice et professeur d’une école de théâtre. Dès 2005, elle se spécialise dans les travaux d’écriture suivants : roman et scénario.

Willy Merz est né à Lausanne, compositeur et chef d’orchestre suisse établi en Italie. Il a obtenu les diplômes de Contrebasse et Composition au Conservatoire de Turin et de Direction d’orchestre au Conservatoire de Milan en poursuivant ses études à l’Accademia Chigiana de Sienne avec Franco Donatoni, à l’Ircam et avec F. Leitner pour la direction d’orchestre.

À l’origine de son langage musical se pose la recherche de nouvelles proportions harmoniques, expression d’une imagination d’espaces sonores non-euclidiens (hyperboliques).

Il écrit sur commande pour d’importantes institutions comme le Teatro Colòn (Buenos Aires), Le Teatro Regio (Turin), l’Orchestre Haydn de Bolzano, l’Orchestre Symphonique de Tenerife (Espagne) et travaille régulièrement avec des solistes renommés (S. Azzolini, A. Lonquich, M. Borgue, D. Chenna, C. Gasdia, H. Perl, G. Balestracci, U. Clerici, Trio Debussy, T. Demenga). Lauréat de l’Internationale Kompositionswettbewerb de Freiburg (Suisse) en 2003.

Il a été compositeur en résidence à La Cité des Arts (Paris) en 2007, à La Fondation Gustavsson (Islande) en 2007, à l’Altes Spittal de Solothurn (Suisse) en 2009, à l’ATCSL à Erevan (Armenie) en 2010. En 2011 il le sera à Amman (Jordanie) et à La Fondation Sträuli à Winterthur (Suisse). Ses oeuvres sont publiées par H-H Verlag (Würzbürg) et 4’33 Verlag (Münich)

Né en 1964, à La Chaux-de-Fonds. Il travaille d’abord dans le cinéma et réalise plusieurs courts-métrages, puis il se tourne vers le théâtre et se passionne pour l’éclairage. Il réalise de nombreuses créations lumière pour des spectacles et des expositions.

Depuis 2004, il écrit régulièrement pour le théâtre, participe à des performances vidéos et collabore avec le peintre Jean-Yves Paratte, à un travail sur l’écriture et son interaction picturale.

En 2003, écriture de La Mort de Vladimir, créé en 2004 par la Compagnie Fantôme, au Théâtre ABC, à La Chaux-de-Fonds, mis en scène par l’auteur. Texte publié aux Editions Petites Lessiveries, à La Chaux-de-Fonds.

En 2004, écriture de La Femme qui tenait un homme en laisse, spectacle créé par la Compagnie Fantôme, en 2006, au Théâtre ABC, à La Chaux-de-Fonds, puis présenté au Théâtre du Pommier, à Neuchâtel et au Pulloff, à Lausanne dans une mise en scène de Julien Barroche. Ce spectacle a tourné en Suisse Romande et en France jusqu’en 2007.

En 2007, création de Madame Bouh – La Grande Peur, conte musical en collaboration avec le compositeur Claude Berset, par la Compagnie de la Giboulée, Compagnie Fantôme et Projet Icare, à la Salle Faller, à La Chaux-de-Fonds. Reprise au Festival de la Cité, à Lausanne, en été 2007.

En 2008, création du texte Le Livre des tempêtes, par la Compagnie Gaspard de Sion, dans une mise en scène de Julien Barroche. Tournée en Suisse Romande.

En 2009, création de sa pièce Pauvres Riches, par la Compagnie Fantôme, à L’Echandole d’Yverdon, dans une mise en scène de Julien Barroche.

En 2010, création de sa pièce La Patronne dans son bocal, par l’École de Théâtre du Centre Culturel Neuchâtelois.

Née à Lausanne, Cecilia Hamel a passé son enfance et son adolescence à Fribourg, Bangkok, Lausanne, Tananarive où elle a obtenu son baccalauréat. Elle a ensuite fait une classe préparatoire à l’Ecole Normale Supérieure à Paris et étudié durant une année, à la Sorbonne, les lettres modernes. Son parcours universitaire s’est poursuivi à Lausanne et Genève où elle s’est établie après une licence ès lettres et un diplôme en communication. 

Parallèlement à ses études, elle avait été reçue au Conservatoire de théâtre de Lausanne. Elle a continué le théâtre en jouant au sein d’une troupe de l’université qui s’est ensuite constituée en compagnie autonome pour mener ponctuellement des projets.

L’expression artistique est au cœur de ses préoccupations, avec des phases successives: écriture, cinéma, photographie, théâtre, danse. L’écriture, en commençant par des Carnets de bord à l’adolescence, a été un premier moyen d’expression privilégiée. Elle a écrit des nouvelles, dont plusieurs ont été sélectionnées pour publication, aux Éditions Nemo, par la revue Profil et pour un premier prix attribué par la Commune de Vernier, à Genève.

En 2002, en résidence d’écriture aux Maisons Mainou, elle écrit pour le théâtre Une femme – un banc – un homme. Cette première œuvre  a été créée au Théâtre du Grütli en 2004. Depuis, son exploration s’est centrée sur la danse, en fréquentant assidûment les studios où se pratiquent danses du monde et danse contemporaine. Elle souhaite aujourd’hui récolter cette expérience au sein de l’écriture, dans un projet destiné au théâtre.

Dario Calderone est né à Rome, en 1978. Il a terminé ses études de contrebasse au Conservatoire Santa Cecilia de Rome, en 2002, avec la plus haute distinction. Il a ensuite étudié avec les professeurs M. Giorgi et F. Petracchi. Après une période passée dans différents orchestres italiens en tant que soliste ou tutti-contrebasse, il a décidé de se consacrer essentiellement à la musique contemporaine. Il s’est perfectionné avec S. Scodanibbio et U. Fussennegger. 

Il joue depuis dans différents ensembles européens de renom tels que: Ensemble Algoritmo (ITA), Ensemble Laboratorium (CH), Ensemble ACA (ESP). Il collabore régulièrement avec le prestigieux ensemble Klangforum de Vienne, en Autriche.

En parallèle, il joue souvent en soliste. Plusieurs compositeurs lui ont dédié une pièce. En 2002, il a été lauréat du Concours de contrebasse W. Benzi, et en 2006, il a été lauréat de la Bourse IMD de Darmstadt (ALL). Il poursuit actuellement sa formation de Master de Théâtre Musical à la HKB de Berne, avec Georges Aperghis.

Johnny Walther est né à Delémont en 1964. Il a une formation d’enseignant à l’école primaire. Il a étudié le piano avec notamment Gérard Kummer. A suivi deux semestres à la Swiss Jazz School de Berne. Il joue également de nombreux instruments (guitare, balafon, accordéon, didgeridoo, saxophone soprano, sifflet nasal etc.) 

Depuis plus d’une vingtaine d’années, il trafique la musique et la chanson. Il est l’auteur d’une comédie musicale La Poupée sans nom, créée sur la côte lémanique et dans le Jura. Il collabore régulièrement avec la comédienne et chanteuse Margarita Sanchez dans des tours de chant et des projets de théâtre.

Pascal Viglino est né à Martigny, en 1977. Il a étudié la percussion classique et contemporaine au Conservatoire de Genève, au Trinity College of Music de Londres, ainsi qu’à l’Escola Superior de Musica de Barcelone. 

Il a été ces dernières années timbalier de l’Orquestra d’Algarve (POR), 1er percussionniste du Durban Philarmonic (AdS) et de l’Académie d’orchestre du Grand Teatre del Liceu Opera à Barcelone, de 2006 à 2008). Il a collaboré régulièrement  avec l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestra Simfònica de Barcelone, l’Orquestra Simfònica de Lisbonne et l’Orquestra del Gran Teatre del Liceu à Barcelone. Il a été également, de 2000 à 2006, membre de l’orchestre international du Verbier Festival & Academy, orchestre avec lequel il a tourné en Europe, en Amérique du Nord et du Sud, ainsi qu’en Asie. En 2000, il a remporté le concours national d’exécution musicale de Riddes et a été lauréat de la bourse de la Fondation Irène Deneriaz. En 2008, il a été bénéficiaire de la bourse de la Loterie Romande, ainsi que la résidence d’artiste de l’Etat du Valais, à Berlin, pendant 6 mois. A Berlin, il s’est perfectionné dans la classe de composition de Manos Tzangaris. 

En marge de ses projets personnels et de musicien d’orchestre, il joue régulièrement avec des ensembles tels que l’Ensemble du Centre international de percussion de Genève et se rend régulièrement à Berne dans le cadre de son cursus de Master de Théâtre Musical et performance à la HKB. En été 2009, il a été le responsable artistique du département Discovery du Verbier Festival & Academy.